María de Ávila – Barcelona, 1920

Aunque catalana de nacimiento, la mayor parte de su vida ha transcurrido en Zaragoza. Primero como bailarina y más tarde como maestra. A los diez años comenzó sus estudios de danza clásica y española con la profesora Pauleta Pamiés profesora del Gran Teatro del Liceo de Barcelona. Más tarde estudia danza clásica con Alejandro Goudinov, discípulo de Cecchetti, y danza española con Antonio Bautista y Antonio Alcaraz.

Comienza su carrera profesional en el Cuerpo de Baile del Liceo, y en 1939 es ya “prima ballerina assoluta”. Ese mismo año baila “El Amor Brujo” con Vicente Escudero. Trabaja en numerosos recitales de danza, formando pareja principalmente con Juan Magriñá, y encabeza los “Ballets de Barcelona”. Es nombrada profesora de danza del Instituto del Teatro de la Diputación de Barcelona.

A los 23 años, tras una representación en el Teatro Principal de Zaragoza, conoció a José María García Gil, un aragonés con quien se casó y que la vinculaba definitivamente a Aragón.

Tras unos primeros años entregada por entero a su familia, la vocación de esta mujer por la danza, se encendió con más fuerza. María de Ávila encontró en la pedagogía la fórmula ideal para seguir dando lo mejor de sí misma a este arte, y en 1954 abrió en Zaragoza un estudio de danza, estudio que se convertiría en una gran Escuela, en una cantera de estrellas durante más de cuatro décadas.

A finales de los años 60 e inicios de los 70 comenzó a salir su primera generación de grandes bailarines: Ana María Górriz, Angela Santos, Carmen Roche, Victor Ullate, Carmen de la Figuera, Cristina Miñana, Carlos Lagunilla, Rosa Sicart, Carlos Serrano o su propia hija: Lola de Ávila, directora de la Escuela de Danza del San Francisco Ballet.

En 1982 fundó y dirigió el Ballet Clásico de Zaragoza, una nueva generación de estrellas entre los que hay que reseñar a los internacionales Trinidad Sevillano, Arantxa Argüelles, Antonio Castilla o Elia Lozano.

En 1983 El Ministerio de Cultura la llamó para dirigir unificadamente el Ballet Clásico Nacional y el Ballet Español, hasta 1987. De nuevo en su Escuela, en 1989 presentó al Joven Ballet María de Ávila, de ahí surgió una nueva remesa de extraordinarios bailarines: Amador Castilla, Violeta Gastón, Ángeles Béscos, Ruht Baquerizo o las hermanas Iglesias: Amaya, Elizabeth y Elena. A los galardones y distinciones que ya poseía María de Ávila, como gran dama de la danza -Premio Santa Isabel (1965), Premio San Jorge (1974), Medalla de Oro de la ciudad de Zaragoza (1982), Medalla de Oro de Bellas Artes (1989), además de ser miembro de número de la Real Academia de Bellas Artes de San Luis-, se sumaron otros como el Gran Homenaje que se le dispensó en 1992 en la Exposición Universal de Sevilla, o el Premio Aragón en 1996. El 14 de septiembre de 1998 recibe la Medalla de Oro del Círculo de Bellas Artes de Madrid. En noviembre de 1999 sus alumnos le rinden un tributo en el Teatro Principal. El 2 de mayo de 2000, con ocasión de su 80 cumpleaños y como homenaje en el Día Internacional de la Danza, el Gobierno de Aragón le entrega una placa conmemorativa.

En su estudio continúa formando hijos de la danza. Y así entre las jóvenes estrellas cabe nombrar a Marta Barahona, Gonzalo García Portero, Alicia Alcazar, Rosa Soto, Luisa Sancho, Susana Mabry o a los hermanos Martín Cintas (Rubén, Moisés, Raúl y Samuel).

Fuente : Gran Enciclopedia Aragonesa 2000. Vol. 13. Zaragoza, 2000

La maestría de María de Ávila

El arte de la memoria – el cultural 23/05/1999

Mientras en lo musical la Zaragoza de la posguerra civil contaba con una buena tradición, a través de las sociedades Filarmónica y de Conciertos, y con solistas de la calidad de Luis Galbe, Eduardo del Pueyo y, muy especialmente, la gran Pilar Bayona, que hizo más familiares a los zaragozanos, directamente o a través de Radio Zaragoza, las obras más complejas del piano antiguo o moderno, en la danza apenas había nada fuera de la academia de jota (excelente, por lo demás) de las Zapata. Mi primera impresión de lo que podía ser un ballet me la produjo la compañía de León Woizikovsky, en la que figuraba, por cierto, el gran André Eglevsky, y cuyas “Dances polovsiennes” abrieron en el teatro Argensola un mundo exótico y hechizado que París conocía medio siglo antes. Alexandre y Clotilde Sacharoff, vagabundos por la guerra mundial, nos brindaron la quintaesencia de un ballet moderno. Un aspecto más trivial, pero no por eso menos apreciado por las damas, lo ofrecieron Paul Goubé e Yvonne Alexander en sus “pas de deux” clásicos. Por fortuna, y como resultado de la afición de varios zaragozanos, una compañía ya relativamente numerosa, en parte procedente del Gran Teatro del Liceo de Barcelona, llegó al Teatro Principal, dirigida por el primer bailarín y coreógrafo catalán Juan Magriñá, para ofrecernos, por fin, las princesas de Chaikovski y las alegres modistillas de Schubert. María de ávila (es decir, María Dolores Gómez de ávila) era ya, pese a su juventud, “prima ballerina assoluta” del Liceo y pudo hacernos distinguir entre la ingenuidad apasionada del Cisne Blanco y la perversa seducción del Cisne Negro, con una perfección técnica que apenas podíamos aquilatar.
La llegada de Lolita fue, para Zaragoza, un acontecimiento capital. Entre el grupo de amigos de las artes (el inolvidable filarmónico Eduardo Fauquié, el joven poeta Luis García Abrines, el arquitecto Alfonso Buñuel, el crítico y lírico Juan Eduardo Cirlot, el ingeniero José María García Gil, las hermanas Marraco o Bayona, etcétera) Lola halló una atmósfera de cordialidad y de admiración que selló fidelísimas amistades. Ya no se trataba de las danzas de “Aida” o del “Rigoletto”, entremeses danzados, sino de un arte autónomo, el llamado “ballet” a falta de otro nombre, que encandiló a muchos jóvenes, niñas y niños (con muchos mayores reparos para estos) y que, cuando, al contraer Lola matrimonio con el ingeniero García Gil y, dejando el escenario del Liceo, se vino a vivir a Zaragoza, pareció una necesidad cultural en la ciudad aragonesa que exigía una escuela local y ¿quién podía ser mejor maestra que María de ávila?
El farragoso párrafo anterior abarca un tiempo de cerca de un lustro. En esos años en que, mi trabajo en Barcelona, cuna de firmes amistades, me hizo recapacitar sobre mi verdadera vocación, que no era la burocracia, traté constantemente a Lolita y era visita permanente o invitado de confianza en casa de sus amables tíos, que la adoraban. Me percaté de la honradez estética de esa muchacha, de su exigencia permanente contra sí misma, de sus nervios de acero cuerdas de un instrumento de honda sensibilidad, de su falta de pretensiones gratuitas combinada con su insobornable afán de perfección. Esta confianza me hizo adentrarme en el mundo del ballet y entraba por el escenario del Liceo (adonde acudían en aquellos años compañías de nombre internacional, como las del Coronel de Basil o el Marqués de Cuevas) como Pedro por su casa. En la familiaridad de los bastidores hice amistades con gente de la danza y aprendí las lecciones de su vocación, de su sacrifio llevado a veces al heroísmo, de su constante humildad en recibir lecciones, de su resistencia física y mental, de su insobornable paciencia… Me daba cuenta, al mismo tiempo, que la “Glorinda” o el “Moscardón” de María de ávila no tenían que envidiar a la “Casilda” de Tumánova, erguida inmóvil sobre una punta irreprochable…

Con ese espíritu inflexible para desterrar toda vulgaridad coreográfica, con ese cuidado enorme en el cultivo de jóvenes talentos, con ese sincero interés por educar convenientemente a quienes, pocos años después de dar sus primeros pasos, comienzan a aprender a andar, a moverse, a flexionar, a saltar, a girar, a respirar, a resistir hasta el límite más duro. Lo hacia con cariño pero sin debilidades; si fue exigente consigo misma, también lo ha sido y lo es con los demás.
Nunca ha escatimado esfuerzos propios ni ajenos, en aras de esa perfección que es casi inalcanzable, y nadie se lo ha podido negar. Con su experiencia propia y con la ajena vista concienzudamente en Barcelona, en París, en Madrid, Lola educó a sus “criaturas de Prometeo”, entre las cuales han salido nombres de grandes artistas, unos agradecidos, algunos ingratos como es fatalidad en el ejercicio de cualquier arte, que para crecer ha de renegar de su procedencia. Aun así, el que cualquier joven que pretende ingresar en una compañía seria de ballet declare que llega de Zaragoza y de la escuela de María de ávila, le sirve de la mejor recomendación.
Y así ha sido como Zaragoza, que asistía en mis mocedades con asombro a las primeras “Sílfides” o “Príncipe Igor”, como ante un fabuloso espectáculo de extraterrestres, se ha convertido en una rica cantera de bailarines. Lola, que ha dirigido simultáneamente dos cuerpos de ballet nacionales, el clásico y el español, sigue al pie del escenario, con una mirada de águila, a que nada escapa, siempre gran bailarina y maestra infatigable.

Julián GALLEGO

María de Ávila recibe la Gran Cruz de Alfonso X el sabio

Por Leonardo Santos

A veces la vida, o la muerte, irrumpen en nuestra existencia como una violenta llamada al orden biológico recordándonos lo caprichoso de nuestros planes. Esta pequeña reseña, pensada como tal se vio súbitamente alterada por el fallecimiento del autor y ahora se convierte en una suerte de obituario, homenaje póstumo a uno de nuestros escasos escritores que se han atrevido con la danza. Delfín Colomé, diplomático, compositor, crítico, era un hombre de cultura.

Aquellos que lo conocieron destacan su energía contagiosa, su capacidad de comunicación, su interés por todo y su enorme conocimiento que lo llevaba, desde su labor diplomática a ser motor de multitud de proyectos. Su último libro Pensar la danza, editado por Turner, tiene en el título una declaración de intenciones que en otros países más dados al pensamiento podría parecer una perogrullada pero que en España adquiere un tono invocativo muy necesario.

Aquí la danza se baila, pero no se piensa, a lo sumo se comenta en algunas publicaciones periódicas o en los foros de Internet. El nivel de los comentarios oscila entre el rigor de los pocos estudiosos y entendidos y la osadía de los muchos que entran a la danza con el vigor y las maneras con las que Atila atravesó Asia. Delfín Colomé, que ya había escrito El indiscreto encanto de la danza en 1989 en la misma editorial, conoce no sólo la danza de la que escribe sino que además su punto de vista supera esas fronteras tan rígidas que se establecen entre las disciplinas artísticas. Como hombre de cultura, humanista en su esencia, su acercamiento al arte coreográfico es sensible e inteligente, se apoya en sus vivencias, en sus sensaciones y al mismo tiempo en un amplio conocimiento del panorama mundial. Por su condición de hombre cosmopolita tuvo la oportunidad de asistir a gran cantidad de espectáculos de muchas compañías y desarrolló también una faceta de crítico de danza en publicaciones pioneras como Dansa ´79 siendo fundador de la revista de ciencias de la danza Cairon.

Estamos pues ante un buen conocedor que sin embargo huye de la pretenciosidad y del autobombo. El libro es una recopilación de escritos y esta planteado en cinco partes, con pequeñas introducciones para contextualizar los textos: Gentes de la danza, Coreografías, Danza y música, Historia e historias de la danza, Danza e identidad. Esta clasificación permite ordenar la mucha información que el autor aporta, una buena parte relacionada directamente con su experiencia personal.

Se mencionan personas fundamentales para entender la actualidad de la danza en España, grandes corrientes y consideraciones que evidencian no sólo el saber sino también la sensatez y el buen juicio con el que Colomé se acercó al mundo de la coreografía. Su escritura es fluida, la prosa cercana, hay siempre en ella un tono cordial. Su reflexión es inteligente y el contenido puede aportar información interesante a los especialistas pero sobre todo consigue acercar la danza al público que la desconoce de la mejor manera, haciendo atractivo su descubrimiento, contagiando su interés por ella.

Para acabar, en un acto ciertamente militante que dedico modestamente a la memoria de Delfín Colomé, recomiendo la lectura y por supuesto la compra de este libro para que en un improbable efecto mariposa colateral los editores se animen a adentrarse en este terreno relativamente virgen, pero que puede deparar insospechadas alegrías, que es la búsqueda de textos que se acerquen no sólo a la danza como arte sino también a toda la reflexión sobre ella, su construcción, sus significados. Pensar la danza, como anticipaba Delfín Colomé, se hace aún más necesario ahora que la creación coreográfica en nuestro país ha alcanzado un interesante nivel artístico que la sitúa por fin en el panorama internacional.

Plusieurs spectacles de danse, du moins étiquetés comme tels, sont à découvrir dans les jours et semaines qui viennent. Mais on y danse peu. Voire pas du tout. Les danseurs savent tout faire sur scène, sauf lever la jambe : ils chantent, jouent comme au théâtre, lisent un texte, donnent une conférence… Leur performance, proche parfois des arts plastiques, peut être difficile à cerner.

A l’affiche du Théâtre de la Ville, à Paris, à partir du 28 avril, l’artiste flamand Wayn Traub est le symptôme de cette évolution. Sa pièce, Maria-Magdalena, est un solo chanté par Traub lui-même, assorti d’un film interprété par vingt danseurs. “On me place souvent dans la catégorie “danse”, sans doute parce que c’est devenu un espace expérimental où l’on trouve de tout, explique-t-il. Personnellement, je me définis comme un acteur rituel.” Wayn Traub écrit les textes de ses chansons, réalise des films, fait des installations, écrit des livres…

Sur le même ton, le chorégraphe Boris Charmatz, fraîchement nommé à la tête du Centre chorégraphique de Rennes, dresse une liste d’activités identiques – écrire, chanter, etc. Il est le chef de file de ce qu’on a appelé, au milieu des années 1990, la “non-danse” : “Non au mouvement ! Non au décor !…”, en étaient les principes.

Boris Charmatz inaugure son Musée de la danse. Mais là encore, il ne s’agit pas d’une exposition, encore moins d’un musée pérenne, mais de performances. “Pour moi, l’espace de la danse englobe aussi bien l’écriture que la photo, commente-t-il. Lorsqu’on me parle du studio de répétition comme du lieu de mon activité, je ne me reconnais pas là-dedans, ça n’existe plus.”

D’autres noms peuvent être cités. Carlotta Sagna, à découvrir dans Ad Vitam, à partir du 14 mai au Mans (Sarthe), glisse vers le théâtre. Yves-Noël Genod est un acteur et danseur imprévisible : jouera-t-il du piano, fera-t-il chanter ses interprètes, nous plongera-t-il dans l’obscurité, à partir du 14 mai au Théâtre de Chaillot, à Paris ? On pourrait citer le chorégraphe Hervé Robbe dont la nouvelle pièce, Un appartement en centre-ville, est un… film, ou Mark Tompkins qui vient de signer Lulu, une opérette de circonstance.

Comment expliquer cette évolution ? La danse contemporaine a explosé tous les repères. Elle est aussi devenue le laboratoire des autres arts (théâtre, vidéo, cirque…). Au risque de ressembler à un fourre-tout, voire d’être menacée de disparition. “Il n’y a actuellement pas de courant dominant et tout a droit de cité, analyse Christophe Martin, directeur du festival Faits d’Hiver, à Paris. Le chorégraphe devient un auteur-artiste qui n’aura bientôt plus besoin de danseurs pour s’exprimer.”

Le point ultime est atteint par Une pièce mécanique, nouveau spectacle de Geisha Fontaine et Pierre Cottreau : sur la scène, pas de danseurs, mais vingt-cinq robots télécommandés.

Alors le public s’inquiète. Ainsi, le samedi 7 février au Théâtre de la ville, en pleine représentation de Turba, une pièce très théâtrale de la chorégraphe Maguy Marin et du musicien Denis Mariotte, un spectateur en colère a grimpé sur scène pour danser. Maguy Marin a demandé à ceux qui n’aimaient pas son travail de sortir.

LAISSONS SA LIBERTÉ À L’ARTISTE

L’incompréhension et la frustration créent des situations explosives. Les directeurs de théâtre s’arrachent les cheveux sur leurs brochures de spectacles. Comment étiqueter des pièces qui n’entrent dans aucun tiroir ? Le Théâtre de la Ville évoquait la possibilité d’une catégorie nouvelle baptisée “inclassable”. L’idée a été abandonnée. “Laissons sa liberté à l’artiste”, a conclu le directeur, Emmanuel Demarcy-Mota.

Récemment, on a entendu un spectateur évoquer de “la danse dansée” tandis qu’un programmateur se mordait la langue en parlant de “propositions dansées dansées”, ce qui veut dire : “Des corps bougent sur un plateau.” Les adjectifs fleurissent : hybride, multimédia, transdisciplinaire… “Indisciplinaire, rétorque Jacques Blanc, directeur du Quartz de Brest. L’art change, les mots doivent bouger avec. C’est parce que le public et les chorégraphes ne s’y retrouvaient plus, que j’ai changé, en 2007, l’intitulé de mon festival de danse en “Festival des arts indisciplinaires”. Mais la manifestation reste un rendez-vous de danse.”

Depuis un mois, l’Association régionale pour la création artistique et la diffusion en Ile-de-France (Arcadi), qui soutient des spectacles, a fait disparaître le département “danse”. Il est englobé dans un pôle “Arts de la scène” aux côtés du théâtre, de la chanson et du lyrique, sous la direction de Caroline Lozé. “Il nous a paru vital de retranscrire ce qui se passe sur les plateaux, précise Caroline Lozé. C’est la qualité qui importe d’abord, pas que ce soit de la danse ou du théâtre.” Rosita Boisseau

EL AYUNTAMIENTO DE MALAGA PUBLICA LA RELACIÓN Y TABLAS SALARIALES DE SU ESTRUCTURA DIRECTIVA

Información en la web municipal

Para acceder a la información hay que entrar en la web municipal mediante la pestaña de “Ayuntamiento”, y dentro de ella al apartado de “Organización Municipal”. En la columna de la izquierda se encuentra el enlace directo a “Estructura directiva municipal”. En esa misma columna se ha colgado también la correspondiente a las retribuciones de miembros de la corporación.

07/03/2009.- www.malagaes.com

El alcalde de Málaga, Francisco de la Torre, ha informado esta mañana de los asuntos tratados en la Junta de Gobierno Local. De la Torre ha cumplido con los acuerdos del pleno pasado y ha aprobado la retirada de las cláusulas de indemnización como la vigencia de los nombramientos con la del equipo de gobierno, y también ha hecho público la relación de cargos y niveles salariales de la estructura directiva municipal.
En concreto, se ha publicado a través de la página web del Ayuntamiento la tabla de salarios medios junto con la relación nominal de todos los directores del Ayuntamiento, gerentes de organismos autónomos y de empresas municipales.

En total, los directores del Ayuntamiento son un total de 69, de éstos 56 (el 81,1%) tienen titulación universitaria, y 28 (el 40,5%) son empleados públicos, proceden del propio Ayuntamiento, de empresas públicas o de otras administraciones de la Junta de Andalucía o del Estado. Además, la media con el personal municipal consolidado es de un directivo por cada 100 trabajadores.

El volumen salarial de toda esta estructura directiva incluyendo órganos directivos, personal eventual y gerentes de empresas, alcanza a 4,8 millones de euros. El volumen de presupuesto que maneja en esta Corporación es de 901 millones de euros. Quiere decir esto que es un 0’53% del presupuesto el que se dedica a la dirección y gestión del servicio público e inversión en la ciudad del Ayuntamiento de Málaga.

Para la publicación, el Ayuntamiento cuenta con un certificado de la Secretaría General sobre el número del personal eventual y de los órganos directivos, así como un informe de Personal que acredita las medias de los salarios de coordinadotes, directores generales, y personal eventual. Además, cuenta con un dictamen jurídico especializado ratificado por Asesoría Jurídica sobre la utilización de los datos que impide la utilización de los nombres de los cargos.

La estructura directiva municipal se compone de los órganos directivos (esto es coordinadores generales, directores generales y máximos titulares o gerentes de los organismos autónomos), además del personal eventual constituido por directores técnicos, directores de distrito, asesores y personal de los grupos políticos, junto con 13 gerentes de empresas.

Con todo ello, esta ciudad se encuentra gestionada por un Ayuntamiento de casi 7.000 trabajadores que acometen un amplio nivel de funciones y de servicios públicos, y que son dirigidos y gestionados por una estructura directiva que se integra por 20 órganos directivos, 13 gerentes de empresas y 27 puestos de personal eventual (descontado el personal que atiende a los grupos políticos) esto es, 69 directivos que gestionan un presupuesto de más de 901 millones de euros.

Para ocupar el cargo de órgano directivo, en cualquiera de los tipos indicados, se deben cumplir unos requisitos de contar con estudios universitarios y ser empleado público o tener una experiencia profesional contrastada, aspectos éstos que también se recogen en la relación publicada. Estos cargos tienen la duración que decida la Junta de Gobierno Local que los designa, pudiendo ser objeto de rescisión o cese de su cargo en cualquier momento y, por supuesto, al final del mandato del equipo de gobierno sin condición indemnizatoria alguna.

En cualquier caso, la Junta de Gobierno Local ha acordado establecer que los órganos directivos cesarán con el mandato de este equipo de gobierno sin que ello no impida que, en su caso, puedan ser cesados durante el ejercicio.

Organismo autónomos y empresas
También se corresponden con la estructura directiva municipal los órganos directivos – gerentes de organismos autónomos, que son nueve (9), su relación laboral con la Corporación Municipal estaba amparada en contratos de alta dirección que combinaban junto con los salarios una indemnización por resolución de siete días de salario por año trabajado, según dispone la Ley.

Para ellos, la Junta de Gobierno Local ha acordado, en cumplimiento de la Ley de Régimen Local, su adaptación a la ley de grandes ciudades, asignándole a sus titulares el carácter de órganos directivos sujetos pues a las limitaciones de vigencia del cargo, de inexistencia de cláusula indemnizatoria y de homogeneización de todos los salarios.

La mayoría de estos profesionales son empleados públicos, ya sean de empresas u organismo autónomos o del propio Ayuntamiento de Málaga y sólo uno ocupa su puesto amparado en su experiencia profesional.

Gerencia de Urbanismo
Con respecto a estructuras directivas de organismos autónomos como la Gerencia Municipal de Urbanismo, hay que señalar que esta estructura la implantó el Ayuntamiento de Málaga en el año 1989 y que, en acuerdo de pleno del 30 de noviembre de 1990, cuando la estructura laborar de la Gerencia apenas llegaba a 100 trabajadores, se crearon una estructura ajena al convenio colectivo en la que aparte del Gerente se situaban otros 6 directivos, cargos cubiertos con funcionarios de la propia Gerencia.

Hoy día, 19 años después, con más de 350 trabajadores, la Gerencia Municipal de Urbanismo cuenta con un Gerente y otros 8 directivos, es decir 2 más, y todos ellos proceden del propio organismo o del Ayuntamiento (en un solo caso).

Información en la web municipal.

Para acceder a la información hay que entrar en la web municipal mediante la pestaña de “Ayuntamiento”, y dentro de ella al apartado de “Organización Municipal”.

En la columna de la izquierda se encuentra el enlace directo a “Estructura directiva municipal”. En esa misma columna se ha colgado también la correspondiente a las retribuciones de miembros de la corporación.

Retribución de corporación

Las retribuciones de los miembros de la corporación municipal están equiparados a los cargos de la Junta de Andalucía por acuerdo de pleno de 28 de junio de 1991. Los datos que se adjuntan están en la Base nº 27 de Ejecución del Presupuesto Municipal para 2008.

El alcalde destaca el ejemplo de transparencia del consistorio que cuenta con una estructura ajustada a las necesidades y recomienda ese mismo ejercicio a las administraciones gobernadas por PSOE e IU.

MALAGA, CIUDAD CANDIDATA A LA CAPITALIDAD EUROPEA DE LA CULTURA 2016

Atenas, cuna de la civilización, se convirtió en 1985 en la primera Ciudad de la Cultura Europea. Después de ella, 33 ciudades del continente han exhibido sus logros culturales, entre ellas Madrid en 1992, Santiago de Compostela en 2000 -compartió el título con otros ocho lugares- y Salamanca en 2002 -junto con Brujas (Bélgica)-. La idea nació en 1983 de la mano de Melina Mercouri, ministra griega de Cultura. Los europeos pretendían resaltar la riqueza, diversidad y características comunes de su cultura y poner de relieve la importancia de este patrimonio en el desarrollo de las ciudades. Este año, se comprometen con la cultura la ciudad inglesa de Liverpool y la noruega Stavanger y el próximo, serán la austriaca Linz y la lituana Vilna. Según el calendario, en 2016 España será de nuevo referente cultural en Europa. La carrera entre las ciudades ha comenzado.

Alcalá de Henares, Cáceres, Córdoba (la primera que lo anunció), Cuenca, Segovia, Tarragona -todas son Patrimonio de la Humanidad-, Burgos, Málaga, Pamplona, Tenerife, Las Palmas, Valencia, San Sebastián y Zaragoza aspiran a ser Capital Europea de la Cultura (a partir de 1999, la iniciativa pasó a llamarse capital en lugar de ciudad). A ellas, podría sumarse Murcia. Catorce candidatas, de momento, para una iniciativa que tiene una excelente acogida entre los ciudadanos europeos y un creciente impacto cultural y socioeconómico gracias al gran número de visitantes que atrae. El balance de Salamanca 2002, la última ciudad española que fue designada, da una pista: casi dos millones de asistentes, que se dejaron 241 millones de euros.

‘Ser Capital Europea de la Cultura supone que tu ciudad sea mucho más visible internacionalmente y se convierta en referente cultural europeo, con lo que eso significa de potencialidad de desarrollo económico y social. Además, supone una excusa para realizar inversiones que perdurarán en el tiempo. Y, cómo no, significa apostar por un modelo de ciudad abierto y cosmopolita’, explica Francisco Javier Pulido, presidente del Grupo de Ciudades Patrimonio y alcalde de Cuenca. Para una ciudad como la suya, la designación conlleva ‘una transformación radical y definitiva’.

‘La convocatoria es muy atrayente’, confirma la alcaldesa de Cáceres, Carmen Heras. La ciudad extremeña es una de las primeras que hizo público su interés en ser capital de la cultura, hace ya más de cuatro años; ha visto como crecía la competencia y entiende que otros regidores quieran poner sobre la mesa la oferta cultural de sus municipios, porque ‘es un campo con el que disfruta todo el mundo’.

Para Nuria Preciado, directora gerente de Segovia 2016, la existencia de 14 candidaturas en España se puede interpretar como un éxito. ‘Hay 14 ciudades apostando por la cultura como motor de desarrollo’, observa.

La ciudad elegida tendrá cuatro años para poner en marcha su proyecto

Estar en el punto de mira de ciudadanos de todo el mundo es muy interesante, pero también el impulso que cobran las candidatas. ‘Tan importante es el camino como la meta’, señala Carmen Heras. En la carrera, las ciudades planean infraestructuras y equipamientos que acompañan el proyecto cultural.

Un estudio del Ayuntamiento de Cuenca cifra la inversión necesaria en infraestructuras cercana a los 40 millones de euros, además de otros 4 millones anuales para el trabajo en programación cultural y difusión de la candidatura. La ciudad necesita un Palacio de Congresos y Exposiciones, un Centro de Arte Polivalente Contemporáneo, además de la rehabilitación de varios edificios para dedicarlos a actividades culturales, según el alcalde de la ciudad.

Segovia, por su parte, ya ha dado luz verde a un nuevo teatro, de nombre Cervantes, que incrementará en 700 plazas el aforo de espacios escénico actual. La ciudad del acueducto, la primera de las españolas que presentó sus credenciales en Bruselas, en 2006, ha puesto en marcha el Círculo de las Artes y la Tecnología (CAT), una ambiciosa iniciativa para acercar la cultura, la ciencia y la tecnología a la sociedad. El ayuntamiento de Pedro Arahuetes proyecta también crear un espacio estable para Titirimundi, el Festival Internacional de Teatro de Títeres que arrancó el pasado 8 de mayo, así como un nuevo auditorio para el que actualmente busca financiación.

‘La implicación de las empresas es en estos momentos lógicamente muy tímida’, reconoce Nuria Preciado. La Oficina Segovia 2016 estudia la fórmula para que el capital privado acompañe al proyecto desde el principio. Para la directora gerente, lo fundamental es que los empresarios entiendan cuál es el retorno que van a obtener. La ciudad toma como referente la ciudad francesa de Lille, Capital Europea de la Cultura en 2004.

Las cajas de ahorros extremeñas son un importante apoyo a la candidatura de Cáceres, afirma orgullosa la alcaldesa. Caja de Extremadura, así como la Cámara de Comercio de la ciudad, están presentes en el Consorcio Cáceres 2016 que este año manejará 8,5 millones.

Las candidatas a Capital Europea de la Cultura no se duermen en los laureles. El proceso de selección establece que antes de que finalice 2009 España debe publicar una convocatoria de presentación de solicitudes. A partir de ese momento, las ciudades contarán con un periodo de diez meses para presentar su proyecto cultural. Para entonces, cabe pensar que el número de solicitudes que España notifique a la Comisión se haya reducido, igual que ha ocurrido en Francia, inmersa en la selección de la Capital Cultural de 2013, con cuatro ciudades compitiendo por ser el escaparate cultural de Europa.

Un comité de trece miembros, siete nombrados por las instituciones europeas y seis por el Estado miembro, previa consulta a la Comisión (personalidades independientes), evaluará las solicitudes y recomendará una lista restringida de ciudades candidatas. Éstas deberán completar sus programas a más tardar en octubre de 2011, que serán evaluados por el Comité de Selección. La Comisión y el resto de las instituciones europeas tomarán la decisión antes del inicio de 2012, permitiendo al ganador un periodo de preparación de cuatro años. Un comité de seguimiento, compuesto por siete miembros de las instituciones europeas: dos del Parlamento, dos del Consejo, dos de la Comisión y uno del Comité de las Regiones velará por el cumplimiento de los contenidos y desarrollo del programa hasta que la manifestación tenga lugar.

‘En la normativa europea queda claro que se designa Capital Europea de la Cultura a una ciudad por el programa de acontecimientos culturales especiales que se ha propuesto organizar durante el año, que ha de ser excepcional. Se trata de sacar provecho de la especificidad de cada ciudad y de demostrar creatividad. Además, se valorará muy fuertemente que el proyecto sea reflejo de la diversidad europea y un espacio de diálogo y encuentro de los ciudadanos de Europa’, precisa Francisco Javier Pulido.

Las ciudades defienden su candidatura con las especificidades que las diferencian de las otras y las hacen únicas. De los proyectos se espera, sobre todo, que favorezcan la cooperación cultural dentro de la Unión Europea. El patrimonio histórico y la arquitectura urbana, así como la calidad de vida en la ciudad también puntúa. Así como, el hilo argumental de las propuestas y el legado que todo un año de actos dejará en la ciudad.

Candidatas. El interés de las aspirantes nacionales

Entre las ciudades aspirantes a ser Capital Europea de la Cultura hay seis declaradas Patrimonio de la Humanidad por la Unesco (Alcalá de Henares, Cuenca, Córdoba, Segovia, Cáceres y Tarragona).

Todas ellas, excepto Alcalá de Henares, ya han puesto en marcha su página web de la candidatura. La última en presentarla ha sido Cáceres, el pasado viernes.

El Grupo de Ciudades Patrimonio ha expresado en una declaración institucional su deseo de que todas sus ciudades candidatas jueguen en igualdad de oportunidades.

Córdoba apostó por la capitalidad cultural en 2002. Es también una de las ciudades que más apoyos públicos ha recibido, entre ellos el de Miguel Ángel Moratinos, ministro de Asuntos Exteriores, eso sí, lo hizo como diputado por Córdoba.

La última ciudad que se ha presentado como candidata es San Sebastián, según anunció su alcalde, Odón Elorza, el pasado mes de marzo. Entonces, el edil retiró su adhesión a la candidatura de Córdoba.

La lista de candidatas podría aumentar con la incorporación de Murcia. El Ayuntamiento de la ciudad estudia sus posibilidades para obtener este reconocimiento.

Algunas de las candidatas ya optaron al título de capital cultural antes. Valencia lo intentó en 2000, pero lo consiguió Santiago de Compostela.

España compartirá la capitalidad cultural con Polonia. El país ha presentado la candidatura de Lublin. En 2000, Cracovia, cuna de Juan Pablo II, fue una de las capitales culturales.

Cultura para transformar una ciudad

Liverpool es el último ejemplo en la lista de capitales europeas de la cultura de lo que una buena oferta de museos y galerías de arte, música y deporte puede hacer en el resurgir de una ciudad. La ciudad de los Beatles comparte título con la ciudad noruega de Stavanger, también portuaria y marinera, aunque cinco veces más pequeña que Liverpool. Esta ciudad bendecida con el oro negro ofrecerá un programa de actos más pequeño y con un carácter más local.

Las futuras capitales europeas de la cultura serán Linz (Austria) y Vilnius (Lituania), en 2009; Essen (Alemania), Pécs (Hungría) y Estambul (Turquía) en 2010, y Turku (Finlandia) y Tallín (Estonia) en 2011. El siguiente año compartirán el encargo una ciudad de Portugal (Guimarães, ciudad Patrimonio, próxima a Oporto) y otra de Eslovenia. Antes de que llegue el turno de España y Polonia, la atención estará puesta en Francia y Eslovaquia (2013), Suecia y Letonia (2014) y Bélgica y República Checa (2015).

Y después, en Dinamarca y Chipre (2017), Países Bajos y Malta (2018) e Italia (2019). Europa apuesta por la cultura como motor de desarrollo económico y urbano.

(…)

LIFAR, PETIT, MARTINEZ (?)

Et si on était entrain d’assister progressivement à l’émergence du futur successeur de LIFAR et PETIT, dans la personne de JOSE MARTINEZ ?

En effet, on a longtemps essayé de trouver héritier sans succès : MALANDAIN, CACIULEANU, MAILLOT, PRELJOCAJ, GIL, MILLEPIED… et peut être qu’il est juste là, devant nous.

Et peut être, contre tout pronostique – aucun danseur de l’Opéra n’ayant jamais vraiment percé en tant que chorégraphe, avec le temps, Martinez pourrait se consacrer en tant que chorégraphe maison …,

A suivre,

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LE FIGARO 20.10.08
Par Ariane Bavelaix

” Hommage enthousiaste au célèbre film de Marcel Carné et Jacques Prévert, ce ballet chorégraphié par José Martinez est à l’affiche.

José Martinez n’est pas seulement un danseur étoile remarquable. Quand il passe à la chorégraphie, il affirme aussi une générosité et un sens du théâtre tout à fait exceptionnels. Ses Enfants du paradis entrent dans une catégorie jusqu’ici peu explorée : le ballet de troupe. Roland Petit l’a marqué, d’une infinie poésie, avec ses Forains en 1945, écrit pour la poignée de danseurs de sa première compagnie, les Ballets des Champs-­Élysées. José ­Martinez avait déjà fait ses premiers pas dans cette voie avec ­Scaramouche, créé voici trois ans pour l’École de danse de l’Opéra de Paris.

De quoi s’agit-il exactement ? Écrire une pièce sur mesure pour toute la troupe et qui la prenne, d’une certaine manière, pour sujet principal. Inutile de dire qu’une des clés du succès tient à l’enthousiasme avec lequel la compagnie en question se jette dans l’aven­ture. Et ici, les danseurs de l’Opéra ne ménagent pas leur peine : ils sont 70, vêtus de plus de 300 costumes signés Agnès Letestu, à jongler, rouler du tambour, parler, crier, jouer les bateleurs, passer de la scène à la salle, transformer les escaliers de Garnier en boulevard du Crime, à l’heure où la foule du public les prend d’assaut, ou bien en théâtre des Funambules pendant l’entracte animé de saynètes de danse et de passages de mîmes.

Fidélité au noir et blanc

« Pour moi, Les Enfants du paradis c’est d’abord une histoire sur ce monde des rêves que le théâtre représente, dit José Martinez. J’ai voulu rester au plus près de l’œuvre de Carné et Prévert. Je ne fais l’impasse sur rien. Pas même sur une certaine fidélité au noir et blanc. Les décors et les costumes de la rue sont en gris, et le monde du théâtre en couleurs : car c’est dans sa magie qu’on vient oublier la réalité d’un quotidien pauvre, triste et difficile.  » Pour ses Enfants, Martinez tire avec beaucoup d’astuce toutes les ficelles du théâtre dans le théâtre. Les châssis du décor d’Ezio Toffoluti encombrent la scène. Les danseurs mêlés aux techniciens les poussent, les tournent et les roulent. L’un d’eux présente côté face la porte de la pension de Mme Hermine et côté pile, une de ses chambres. Le décor du Théâtre des Funambules descend des ceintres, plus étroit que la scène de Garnier pour qu’on découvre en direct le charme piquant de la vie des coulisses : relation de l’artiste à son miroir, pianiste surveillant la scène en coin, étreintes indolentes en attendant l’entrée en scène, et le joli jeu des trucages comme le drap bleu qu’on agite de part et d’autre d’une barque pour figurer le cours d’eau qu’elle descend.

Un récit à deux vitesses

Reste que l’histoire des Enfants du paradis n’est pas facile à raconter. Surtout lorsqu’on veut le faire à la lettre, en reprenant la plupart des scènes tout en économisant une heure et demie de spectacle sur l’œuvre originale. Martinez choisit un récit à deux vitesses : une première partie qui enchaîne un nombre étourdissant de séquences sans qu’on ait vraiment le temps de respirer ou de compatir, mais qui réussit à exposer clairement les personnages et l’action. Et une seconde partie plus fluide, où la danse coule en continu. L’ensemble porté par une musique parfaitement illustrative, taillée sur mesure par Marc-Olivier Dupin.

Dans le casting de Martinez, tout le monde a le physique de l’emploi et le chorégraphe ajuste sur chacun une gestuelle selon son caractère : Benjamin Pech, en Lacenaire, a la main baladeuse des pickpockets lorsqu’il ne se la passe pas sur le front pour faire incuber son dandysme noir, Alessio ­Carbone campe un Fréderick Lemaître, devenu danseur virtuose plutôt que dieu du théâtre, ­Caroline Bance est une merveil­leuse Madame Hermine, trotte menue et commère, Murielle ­Zusperreguy, une passionnante Nathalie. Isabelle Ciaravola, sphinge hiératique, joue à Garance : physique d’Arletty sans hélas en avoir tout à fait la magnétique sensualité. Mathieu Ganio est Baptiste : lunaire et amoureux, restituant intacte la magie des scènes de mime du film de Carné et Prévert. Et là, on est touché au cœur.”

Palais Garnier, jusqu’au 8 novembre.