Bolita

XXIII FESTIVAL DE JEREZ |CRÍTICA ‘CAÓTICO REDUX’

Las virguerías del Bolita

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Esta propuesta ha sido elegida como la más destacada en cuanto a “diálogo con otras músicas” de la edición pasada de la Bienal de Sevilla. Llega al Festival de Jerez en un formato algo más reducido aunque manteniendo el discurso original.

El universo que nos presenta este José Quevedo ‘Bolita’ está conformado por infinidad de inquietudes de una mente privilegiada para la música que expone en cada armonía multidud de matices y sensaciones. Vive actualmente en otro mundo al que pocos pueden acceder. Desde esos rincones de la creatividad nacen melodías de un peso especial, cuyas aportaciones a la historia de la guitarra quedarán siempre por su singular carácter. José, que es requerido por las grandes estrellas del arte flamenco, tanto en el acompañamiento como en las labores de producción, apoya esta idea en la confianza de unos músicos de nivel incuestionable que, además, respiran el mismo aire que el protagonista, esto es, la frescura de la espontaneidad y la cercanía con un público que no deja de disfrutar desde que comienza el espectáculo.

En solitario da la bienvenida a una tarde en la que el público no acaba de llenar la sala, sorprendentemente. Entre los que acuden a la llamada de la calidad de sus cuerdas están los familiares, a quienes dedica la actuación emocionándose especialmente a la hora de hablar de sus padres. “¡Ya estamos en Casa Quevedo!”, suelta Carlos Grilo para invitarnos a las bulerías ‘Extracto’, sumándose a la fiesta los cantes plazueleros del Londro. Este cantaor se vuelve inmenso en la seguiriya ‘Matalauva’, en la que brilla especialmente la suavidad del contrabajo de Caminero.

Da gusto escuchar a este grupo que disfruta creando e interpretando, y así nos lo transmite extendiendo esa fiesta. En sus composiciones nos acercamos al jazz o al blues, o al corralón de una casa de vecinos de gitanos de Jerez. Cabe todo, porque no basa su mensaje en lo seguro sino en lo posible, de ahí que fluyan esas virguerías incomparables. Por momentos le falta mástil, recorre todo el diapasón con un equilibrio total y haciéndonos surcar trayectos espeluznantes.

‘K´legría’, otro de los sabrosos títulos del compositor cuya esencia es derramada a ritmo de cantiñas dejando espacio a los instrumentos de vientos de Enrique Oliver, Voro García y Paco Soler, a la saxo, trompeta y trombón, respectivamente. “Caminanos desde Nueva Orleans hasta Cádiz”, nos dice ‘Bolita’. Entre ellos se comunican como si estuvieran en un local de ensayo, quizá aquí esté el éxito de una propuesta inmejorable en musicalidad y que, además, envuelve al respetable en un manto mágico y de buenas vibraciones.

Prosigue la actuación con los tientos y tangos ‘Pasó’, empleando a fondo a su percuionista Paquito González. Muy aplaudido. Antes de despedir suenan títulos como ‘Dos Maderas (bulerías), ‘La Baratita’ (rumba) y, cómo no, ‘The Maids of Cádiz’, dedicada al famoso trompetista Miles Davis que supone el germen de este proyecto encumbrado de gloria.

fuente: https://www.diariodejerez.es/festivaldejerez/Bolita-Caotico-Redux-Sala-Paul_0_1333066685.html?ent=ddj&red=tw

 

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Salvador Távora

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Muere Salvador Távora, inventor del teatro moderno andaluz

El director referente de la escena más comprometida de la Transición, dignificó la cultura popular y el

Salvador Távora ha fallecido esta noche en Sevilla, la ciudad en la que nació en abril de 1930 y en la que ha pasado toda su vida en continua lucha por dignificar la cultura andaluza, han informado fuentes de su familia. Padre de una caligrafía teatral que ha ido escribiendo sobre los escenarios de 35 países desde que, en 1972, estrenó Quejío en Madrid sorteando la censura. Távora es sinónimo de honradez, valentía y compromiso social dentro y fuera del escenario.

Su última puesta en escena ha sido, precisamente, la reposición de Quejío en 2017, cuando se cumplían 45 años de su estreno. Un crudo lamento de los jornaleros andaluces que pudo verse también en la última Bienal de Flamenco de Sevilla. Aunque ya estaba afectado por una insuficiencia cardiaca, para volver a montar Quejío –en cuyo estreno intervino además como actor (cantaor)— Távora controló cada movimiento sentado en su “sillón de dirigir”, atalaya verde y con asiento de enea desde la que siempre vigilaba sus montajes. Entonces, días antes de recoger el premio Max de Honor que le concedió la SGAE, reflexionaba sobre su trabajo en este periódico: “Mi teatro es fruto de mi experiencia vital que no tiene nada de literaria ni burguesa: del flamenco, de mi trabajo de obrero, del toreo, de la vida del barrio, de las asambleas de izquierda durante la dictadura… ese era mi mundo y cuando empecé lo hice a partir de esas raíces y por eso nunca he coincidido con eso que llaman teatro de creación”.

Su teatro, que han visto más de tres millones de personas, ha contribuido a forjar una imagen distinta de Andalucía a través del flamenco, alejada de los tópicos festeros que han lastrado a la región. Sin embargo, en lugar de disfrutar de los réditos de sus triunfos, cosechados en 180 festivales repartidos por el mundo, Távora ha pasado sus últimos años acuciado por las deudas.

 

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Luisa Arias

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LUISA MARIA ARIAS

Nacho Duato ́s choreography assistant for the National Dance Company of Finland, the National Company of the Czech Republic or the Royal Ballet School of London.

In 2018 Luisa Maria Arias created: “Absent Of Light” for the Liceo de Barcelona; “Falling” for the Professional Conservatory of Burgos and “Lapso” for Nave 73 in Madrid. And “#NoMe” for Club Matador in Madrid, in march 2019.

In 2017 she has been part of the productions: “Buscando Cervantes” for Suite Española of Castro Romero, premiered at the Isabel la Católica Theater in Granada and “Buñuel del Deseo” for LaMov, premiered at the Teatro Principal in Zaragoza.

As Principal dancer, her repertoire includes creations for Jiri Kylian, Mats Ek, Johan Inger, Mark Goeke, Hofesh Shechter, Forsythe, Pierre Lacote and Antonio Gades among others.

She has taught master-classes and choreographic workshops in Singapore, Madrid, London and Paris.

Guest teacher at the Conservatory Superior of Dance in Madrid, Institut del Teatre de Barcelona, Association of Dance Professionals of Madrid, Professional Conservatory of Burgos and Valladolid, Ibstage in Barcelona and Estudio 180 Degrees of Madrid.

Netherlands Dance Theater (Holland)

Since 2012 at NDT, performing in choreographies such as: “Same Difference, School Of Thoughts, SH Boom (Paul Lightfoot & Sol Leon), Parade and Frontiere (Crystal Pite), Hearts Labryrinth, Sweet Dreams, Claude Pascale (Jiri Kylian), Chamber (Medhi Warleski), Hello Earth (Marco Goecke), Definitely Two (Alexander Ekman), Sleeping Beauty (Mats Ek), In Your Room (Hofesh Shechter) …

National Dance Company (Spain)

Since 1998 under the direction of Nacho Duato, is principal in: “White Darkness, Multiplicity forms of emptiness and silence, Tabulae, Por vos muero, L’Homme, Jardi Tancat, Arenal, Jardín Infinito, Arcangelo, O’Domina, Gnawa, Cobalto, Romeo and Juliet, etc … all of them by Nacho Duato. Although also, works like: Petite Mort, Sleepless, Symphony of the Psalms, Falling Angles by Jiri Kylian and Mats Ek with Aluminum, Enemy in the Figure, within without work by W. Forsythe, De Paso, Aksak by Gentian Doda, Quartett of Ö Arderson, Noodels by F. Blanchard and Quiebro by W. Vandekeybus., Etc.

Ballet National du Rhin (France)

Between 1995 and 1997, she created works such as: “La Grand Ville, La Pavane pour une Infante Defunte, Table Verte (K. Joos), The Four Temperaments (Balanchine), Les Doubles (Rodrigo Pederneiras), La Pavane du Maure (Jose Limon) , Stoolgame (J. Kylian), Quintett Herman Scherman (W. Forsythe), Paquita Pas de Trois (M. Petipa), La Fille Mal Gardee (I. Kramer), La Sylphide (P. Schaufuss), Romero and Juliet (B D’At), etc …

National Ballet of Nancy and Lorraine (France)

Between 1991 and 1995, under the direction of Pierre Lacotte, works such as: “ Petruchka, Les Sylphides, Les Danses Polovtsiennes du Prince Igor (M. Fokine), The Somnámbula, Theme and Variations (G. Balachine), Impressions Fugaces, (Antonio Gomes) ) Te Deum, Marco Spada, Giselle (P. Lacote), Prelude to ‘apres-midi d’un Faune (V. Nijinsky), Symphonie in D (Jiri Kylian), Behind The Dance (David Parsons), Untitled (Pilobolus) , Fall River Legend (Agnes de Mille), Symphony in Three Movements (N. Christie), Blood Nights (Antonio Gades), etc …

Dance Company EuroBallet (Luxembourg)

From 1990 to 1991 she performed pieces like: Mendelson, Epos (B.

Preuss), Tarantella (D. Pool), K136 (T. Malandain).

Other creations as choreographer

Among her own choreographies that were commissioned:

Switch” for the Netherlands Dance Theater, on its 25th anniversary, Dwarka (2013) and Now (2014).

“Fractus” for the National Dance Company CND2 that premiered at the Madrid Theater in (2010).

Training

Royal Conservatory of Madrid under the direction of Virginia Valero. Graduated in Classical Dance and for free in Spanish Dance with honors.

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LUISA MARIA ARIAS

Asistente de coreografía de Nacho Duato para la Compañía Nacional de Danza de Finlandia, la Compañía Nacional de República Checa o la Royal Ballet School de Londres, Arias ha creado en 2018: “Absent Of Light“ para el Liceo de Barcelona; “Falling“ para el Conservatorio Profesional de Burgos y “Lapso“ para Nave 73 de Madrid.

En su repertorio como figura principal caben destacar creaciones para Kylian, Mats Ek, Inger, Goeke, Hofesh Shechter, Forsythe, Pierre Lacote y Antonio Gades entre otros.

Forma parte en 2017 de las producciones “Buscando Cervantes” para la Cía Suite Española de Castro Romero, estrenado en el Teatro Isabel la Católica de Granada y de “Buñuel del Deseo” para LaMov, estrenada en el Teatro Principal de Zaragoza.

Ha impartido master-classes y talleres coreográficos en Singapur y París.

Profesora especialista invitada del Conservatorio Superior de Danza de Madrid, Institut del Teatre de Barcelona, Asociación de Profesionales de la Danza de Madrid, Conservatorio Profesional de Burgos y Valladolid, Ibstage de Barcelona y Estudio 180 Grados de Madrid.

Netherlands Dance Theater (Holanda)

Desde 2012 en NDT trabajando con coreógrafos como: Same Difference, School Of Thoughts, SH Boom (Paul Lightfoot & Sol Leon), Parade and Frontiere (Cristal Pite), Hearts Labryrinth, Sweet Dreams, Claude Pascale (Jiri Kylian), Chamber (Medhi Warleski), Hello Earth (Marco Goecke) , Definitely Two (Alexander Ekman), Sleeping Beauty (Mats Ek), In Your Room (Hofesh Shechter) …

Compañía Nacional de Danza (España)

Desde 1998 bajo la dirección de Nacho Duato, es principal en: White Darkness, Alas , Por Vos Muero, Multiplicidad Formas y Vacio,  Tabulae ,  Remansos , L’Homme , Jardi Tancat  Arenal, Jardin Infinito , Arcangelo , O’Domina , Gnawa , Cobalto , Herrumbre , Romeo Y Julieta, etc…todas ellas de Nacho Duato. Aunque también , obras como: Petite Mort, Sleepless , Sinfonia de los Salmos, Falling Angles de Jiri Kylian y Mats Ek con Aluminium, Enemy in the Figure de W. Forsythe, De Paso, Aksak de Gentian Doda,  Quartett , Arcos de Escarcha de Ö Arderson, Noodels de F. Blanchard y Quiebro de W. Vandekeybus.,etc..

Ballet du Rhin ( Francia)

Entre 1995 y 1997, crea obras como: La Grand Ville, La Pavane pour une Infante Defunte, Table Verte (K. Joos) , Los Cuatro Temperamentos (Balanchine) , Les Doubles (Rodrigo Pederneiras) , La Pavane du Maure (Jose Limon) , Stoolgame (J. Kylian) , Quintett Herman Scherman (W. Forsythe), Paquita Pas de Trois (M. Petipa) , La Fille Mal Gardee (I. Kramer) , La Sylphide (P. Schaufuss), Romero y Julieta (B. D’At),etc…

Ballet Nacional de Nancy y de Lorraine (Francia)

Entre 1991 y 1995, bajo la dirección de Pierre Lacotte, obras como: Petruchka, Les Sylphides, Les Danses Polovtsiennes du Prince Igor (M. Fokine), La Somnámbula, Theme and Variations (G. Balachine), Impressions Fugaces,(Antonio Gomes) Te Deum, Marco Spada, Giselle (P. Lacote) , Prelude a l ‘apres-midi d’un Faune (V. Nijinsky), Symphonie en D (Jiri Kylian), Behind The Dance (David Parsons), Untitled (Pilobolus), Fall River Legend (Agnes de Mille), Symphony in Three Movements (N. Christie), Noches de Sangre (Antonio Gades),etc…

Compañía de Danza EuroBallet (Luxemburgo)

De 1990 a 1991 interpreta: Mendelson, Epos (B. Preuss) , Tarantella ( D. Pool) , K136 (T. Malandain).

Coreografías propias 

“Switch” para el Netherlands Dance Theater , en su 25 aniversario, Dwarka (2013) y Now (2014).

“Fractus“ para la Compañía Nacional de Danza CND2 que se estreno en el Teatro Madrid en (2010).

Formación

Real Conservatorio de Madrid bajo la dirección de Virginia Valero. Graduada en Danza Clásica y por libre en Danza Española con honores.

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No a la apropiación

Entrevista: K. Meira Goldberg. “Cuando me hablan de Rosalía, digo no a la apropiación”

La investigadora norteamericana trae a España su tesis sobre la negritud en el flamenco y ofrece a la Biblioteca Nacional las grabaciones La Macarrona filmada por Massine.
Web revista La Flamenca. Barcelona. 28/12/2018 Texto y fotos: Xavier Grau

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Bailaora en el Madrid de los 80 en tablaos como Los Canales, Los Canasteros y El Arco de Cuchilleros, la norteamericana K. Meira Goldberg vive hoy en Nueva York. Allí investiga sobre la negritud y la raza en la danza para Foundation for Iberian Music y enseña en el Fashion Institute of Technology. De paso por España, ha presentado en una decena de ciudades su libro, pendiente de traducir al español, Sonidos negros. On the blackness of flamenco. Un ensayo sobre la negritud en el flamenco, sobre lo puro y lo impuro, sobre la transgresión. Una tesis a favor del respeto hacia las raíces para poner en valor la mezcla de culturas y razas.

¿Qué es el “vacunao”?

Una pantomima bailada que hace referencia al sexo. Una idea dancística muy presente en los bailes afroamericanos, en la salsa, en la bachata, en la rumba… Toma el nombre del juego entre el hombre que quiere “pillar” (“vacunar”) a la mujer que escapa. Yo lo veo en el fandango del siglo XVIII y en el juego tan español de la “pasada” en la sevillana.

¿Qué son los “grillos”?

Los grillos, que son grilletes como los que ponían a los esclavos, son pasos y variaciones de pasos de los bailes de los siglos XVII-XVIII

¿Y qué es el duende?

A mí me interesa el duende que entronca con ese carácter tan andaluz que lo hace todo con tanta ironía, tanto hablar con segundas, tanta defensa de causas perdidas. A lo irónico se opone el registro de la verdad; ese partirse la camisa que es lo que enamora. El duende es ese comunicar con lo sublime.

¿Está sólo en el flamenco?

No. Las artes afroamericanas también tienen esa dimensión espiritual escondida.

El duende si no ve la muerte, no viene…

Así lo comentó Federico García Lorca.

¿Qué es la negritud en el flamenco?

Yo no hablo sólo de las raíces africanas o afroamericanas. Me refiero a la concepción que tenemos de lo que es la raza, la diferencia entre lo blanco y lo negro. Esas diferencias que surgen de la esclavitud, la colonización, de los fundamentos de la raza que se representan en toda la cultura, en la literatura, en la danza…

¿Cuáles son los elementos más claros de esa negritud?

Lo lascivo, lo transgresor, la bulla entendida como confusión y ruido.

¿Fue Lorca quién mejor lo entendió?

Él no se refiere estrictamente a la africanidad sino a la alianza de culturas. Siendo de Granada, comprende al negro, al judío, al gitano, al moro y reivindica esa no limpieza de sangre.

7a588398-25c4-4b57-9537-378bad4ed800¿Cómo se manifiesta esa negritud en el baile?

En la riqueza rítmica, en el detalle de un sistema musical muy rico que en el flamenco confunde al no iniciado porque es muy difícil si se desconoce. Está en los saltos, en los zapateados, en ese “pastor bobo” que baila sin haber viso todavía la luz de Jesús. Y está en las zapatetas y las gambetas descritas en el XVII.

¿Está en lo pecaminoso?

Lo encontramos en la zarabanda, en la chacona, en el fandango antiguo con todas esas estructuras rítmicas y sus valores estéticos y morales.

¿Es peligroso por libidinoso?

Por eso en el XIX se prohíbe en México el “paso de panaderos”. Y de ahí que se la atribuya a Casanova la referencia a que habiendo bailado un hombre un fandango, la mujer ya es tuya.

¿Cuándo fue negro el flamenco?

Tras las batallas de la reconquista, el moro, el judío, el que no tenía sangre limpia era despreciado. Toda esa percepción de la alteridad se remonta a siglos atrás. En la España del XV y el XVI convive un gran número de población afrodescendiente. Al decaer el Imperio, decae la esclavitud. Conviven gitanos, moriscos y negros. Durante la Gran Redada de 1749 contra los gitanos muchos prefieren empadronarse como negros para no ser deportados.

¿Cuándo fue cubano?

Cuba fue la joya del Imperio hasta la pérdida de las colonias en 1898 y La Habana una ciudad andaluza más. La música de la habanera es una moda musical global y de ahí nos llegaron la rumba cubana y los tangos de negros.

¿Qué representó la presencia de Juana Vargas, La Macarrona, en la Expo de París en 1899?

Enfrentada a la estética de la sofisticada de Roseta Mauri, en el París de la época La Macarrona es recibida por el público francés como la imagen de la autenticidad y así corre la voz: Mauri es arte y La Macarrona raza. Incluso en los carteles se la pinta con un movimiento especial de pelvis al bailar, como símbolo de la fecundidad igual como se relaciona esa imagen femenina en el continente africano.

¿Por eso se suman los artistas al carro?

Intelectuales y artistas de la época como Picasso ven esa negritud del arte africano como la esencia de lo estético.

Siendo americana, usted habla de negritud con respecto a la herencia y la conjura del futuro también en el flamenco.

Sería bonito potenciar esas alianzas, esas conexiones y esas mezclas. Hoy cuando me hablan de Rosalía, digo no a la apropiación. Pero defiendo la comunicación y el reconocimiento mutuo entre culturas y tradiciones. En el flamenco, como en el mundo, estamos bregando contra cambios muy grandes a causa de la globalización que no nos deja valorar la diferencia.

Además habla de género, de clase social y de relaciones de poder hoy.

Tengo la sensación que las música popular da mucho dinero y por eso se arranca de las clases populares a las que se desposee de su tradición cultural. Toda esa cultura musical bebe de la herencia afroamericana y en mi país la gran industria de la música, de la tele y del cine se apropia de esas herencias y con ello no ganan sus inventores. Eso refuerza el racismo y las estructuras sociales injustas.

¿Eso lo ha hecho el flamenco?

No porque es arte que viene de esas capas sociales. A los flamencos les fascinan las artes afroamericanas porque se reconocen en ellas.

¿Qué le pasó al presentar Gurumbé en Atlanta?

Era un público afroamericano, conocedor del más tópico flamenco de España y de Sevilla. Al empezar a hablar una parte sintió dolor al ver que iba a volver a hablar de su gente de nuevo cosificada, torturada, asesinada y esclavizada.

¿Ha quedado algo positivo de aquello?

Creo que España y el flamenco han recibido la maravillosa herencia de 800 años de relación directa con ese Mediterráneo afro islámico.

¿Cómo explica usted esas virtudes del flamenco a sus compatriotas?

Les cuento que mi investigación va de la incorporación de la raza a la danza. De la mezcla de puro y de lo impuro; de lo blanco y de lo negro.

¿Qué comprenden mejor?

El público americano no tiene ni idea del flamenco y piensan que es esa fórmula aburrida de danza blanca de los años 50. No tiene ni idea de que tras la idea de raza hay un trasfondo religioso y desconocen que la perspectiva de lo que entienden ellos como esclavitud surgió en España dos siglos antes.

¿De qué manera lo explica usted en España?

Sé que voy a recibir palos pero intento mantenerme en el centro de los polos que van de lo gitano a la africanidad. Quiero escapar de las polémicas de siempre.

¿Qué persigue con su libro?

Que el flamenco, y muy especialmente el baile flamenco, se incorpore al abanico de artes mundiales.

Por cierto, ¿Qué hay de las grabaciones de La Macarrona en la Biblioteca Pública de Nueva York?

Entre el legado que el gran bailarín y coreógrafo Léonide Massine dejó, tuve la suerte de encontrar sus películas con el baile de La Macarona, de las que trasladamos una copia al Centro Andaluz de Flamenco de Jerez. Pero ahora estoy buscando contactos y ayuda para conseguir que esas grabaciones de 1917 se incorporen al fondo de la Biblioteca Nacional en Madrid.

“LO LASCIVO, LO TRANSGRESOR Y LA BULLA SON ELEMENTOS DE LA NEGRITUD EN EL FLAMENCO”

fuente: http://www.revistalaflamenca.com/k-meira-goldberg-entrevista/

Farruquito: No podemos ponerle la etiqueta de flamenco a todo lo que está aflamencado

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Rosalía

 

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OPINIÓ

Queen com a reacció

«Quant fa que esperàvem això que passa amb Rosalía i que ve d’un lloc amb el qual no comptàvem?»

per Jordi Bianciotto, 30 de novembre de 2018 a les 22:25 |

La polarització de les arenes polítiques ha arribat a la música! Queen per una banda i Rosalía per una altra com a metàfores d’un xoc de civilitzacions. El vell, venerable, ordre del rock contra la insurrecció de la música urbana amb accents del sud. Aquests dies és difícil trobar qui no tingui una opinió formada sobre un i l’altra. I s’escolten coses com ara: “el millor de la pel·lícula Bohemian rhapsody és que ara pots veure nanos de 12 anys amb samarretes de Freddie Mercury, que sàpiguen el que és bo, i no el reggaeton i el trap!”.

I per què és bo, això? Per què és intrínsecament positiu que un preadolescent de l’any 2018 veneri un grup desaparegut una dècada abans que ell naixés, i que generi rebuig cap la música popular del seu temps? Un dels motius pels quals el rock ha anat decaient és exactament aquest: la seva conversió en artefacte nostàlgic amb brots reaccionaris. És decebedor que els seus seguidors hagin acabat sacsejant les velles relíquies tal com en altres temps les seves mares o àvies els deien que els Beatles, o els Stones, o Led Zeppelin, eren soroll i que la música de debò l’encarnava Antonio Machín.

Però, redoblant la paradoxa, sorprèn alhora que l’artista triat per encarnar els valors suprems de l’era del rock, o una idea de la fidelitat estètica, sigui Queen, un grup que en el seu moment va practicar tot quant travestisme sonor, puntant-se a les modes i fent les cabrioles que fossin oportunes per connectar amb els sons del moment. Perquè Queen va començar practicant un rock més o menys dur, connectat amb el glam, però amb el temps el vam poder veure decantant-se pel rock simfònic, apuntant-se al revival del rockabilly, fent música disco i fins i tot atrevint-se amb el tecno-pop a Radio Gaga. Si Freddie Mercury fos viu, potser ficaria un peu en el reggaeton!

La música popular sempre ha estat així, promiscua i sense remordiments a l’hora d’evolucionar i de deixar amb un pam de nas als qui l’havien sacralitzat o ficat en el museu. És cert que vivim en una època de pronunciada fragmentació dels gustos, on passen moltes coses alhora i no n’hi ha cap que representi la foto completa de la realitat. I Rosalía difícilment capturarà tampoc, ella sola, l’esperit dels temps, encara que El mal querer tingui aspecte d’emissari d’un nou ordre pop en procés de configuració. Ni ho faran tampoc, per ells mateixos, Bad Gyal, ni Kendrick Lamar, ni l’estrella colombiana del reggaeton J Balvin, que aquests dies ocupa la portada de Rockdelux i ha estat triat per Mondosonoro com tercer millor disc internacional de l’any.

Però, amic rocker de tota la vida, lector que véns del pop i de la cançó del segle XX, amb la mà al cor, diga’m, quant de temps portem lamentant l’absència de noves tendències que sacsegessin el panorama musical a gran escala, com vam fer en altres temps el punk, el grunge, l’electrònica o fins i tot el Brit-pop? Quants anys fa que esperàvem que passés això que està passant i que, sorpresa, ve d’un lloc amb el qual no comptàvem?

 

Fuente:https://www.naciodigital.cat/opinio/18720/queen/reaccio#.XAOFN0VQQEQ.twitter

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荏苒

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在希臘悲劇中遇見西班牙羅卡的《葉瑪》

年兩廳院與我聯繫,說國際級的希臘導演特爾左布勒斯(Theodoros Terzopoulos)要編排羅卡(Federico García Lorca)的三幕六景詩歌悲劇《葉瑪 (YERMA Poema trágico en tres actos y seis cuadros)》。第一時間很興奮:哇!台灣要演羅卡的作品!而且是國際知名資深劇場導演、兩廳院出資的大製作!他們要我去協助指導演員佛拉明哥舞蹈動作,我當然義不容辭,但心裡不免嘀咕:咦?要演員短時間內搞懂循環節奏(compás),要學會跺地踩腳,是要逼死誰呀?而且,羅卡是喜歡深沉之歌(cante jondo)沒錯,但他的劇作很文學性,沒有這方面的暗示呀!

與導演見面後,發現他對羅卡作品,甚至西班牙文學都知之甚詳。導演卅多歲時,當面見過已經八十好幾的西班牙詩人拉法葉阿爾貝提(Rafael Alberti)。拉法葉阿爾貝提與羅卡同為西班牙文學《廿七世代》的詩人,與羅卡不同的是,他比較好命,躲過內戰,流亡海外,得享高壽。西班牙上世紀八零年代結束法朗戈獨裁統治,重回民主後,他的作品又再度回到西班牙文化圈,佛拉明哥音樂家也以他的詩唱入傳統曲調中。特爾左布勒斯導演對那一世代的藝術家推崇備至,畫家達利(Salvador Dalí)、電影導演布紐爾(Luis Buñuel)、詩人羅卡與阿爾貝提是四大天王,後繼無人。

特爾左布勒斯導演國際間製作過無數劇作,走遍歐美亞各國,光在西班牙就有過兩百多場演出。他當然看過無數的佛拉明哥表演,也見過佛拉明哥吉他之神帕戈德露西亞(Paco de Lucía)。而他在卅多年前就已經執導過羅卡的《葉瑪》,對這個劇本瞭如指掌。這次重新編導,是要賦予它新的時代意義。那他為什麼想到要有佛拉明哥呢?答案竟是:duende(神魔)。

Duende (神魔,音:度恩德),一個太神秘、太難捉摸的字眼,以至於我們搞佛拉明哥的,忙著算compás、安排結構、傾聽 letra、抓緊 remate、急著做 llamada,技術的東西都忙不過來,根本忽略,或不敢奢想達到的那個境界。簡單講,它可以是狂喜的狀態,入神的狀態,但在佛拉明哥裏,它更多是幽暗面情緒的終極表達,Manuel Torre才會說深沉之歌是『黑色的聲音(sonío negro)』。相對的,波切利或帕華洛蒂那種天使吻過的喉嚨唱出來的天籟就不算有 duende。深沉之歌詠歎的,大多是死亡這種人類極端的痛楚,彷彿唱徹心扉,才會得到心靈的洗滌。

導演的美學建立在希臘悲劇

亞里斯多德為希臘悲劇建立的美學理論基礎,就是『心靈的洗滌(catharsis)』:透過觀賞悲劇中,英雄面對不可抗拒的宿命,掙扎抵禦而終至沉淪,觀眾會得到心靈洗滌。

希臘悲劇原本起源於祭祀神祉,特別是酒神狄奧尼索斯。演員是祭典的司祭,從充滿儀式的動作和語言中,逐漸發展出角色扮演。一個、兩個到多個角色,但維持司祭群作為歌隊(chorus)。歌隊時而扮演群眾,呼應角色的心聲,時而表達觀賞者的心情,代替觀賞者驚嘆或憤怒。特爾左布勒斯導演來自這個兩千多年前的傳統,將它發揮得淋漓盡致。追隨導演多年的年輕導演薩瓦斯·史特羅帕斯(Savvas Stroumpos),這次擔任副導。當導演在另一間排練室替主要角色磨戲時,副導便遵循他的設計,在另一間大排練室為他訓練歌隊,並設計多套動作,方便他放入劇中合適的橋段,有時後是營造惡夢的幻境、有時候介入現實與主角對話。副導常常對歌隊演員耳提面命:「你們就是主角!」。真的,加入歌隊的表演,整個劇場增加許多層次,不但意義豐富、視覺上也令人震撼。

悲劇不同於十九世紀的寫實劇,描繪現實、模擬現實,而是要向酒神交心,是向超越人類的存有告白,戲中角色表面看似乎是在對話,但其實是對神祉傳達故事與心境。所以,這樣的對白,語言就必須鏗鏘有力,動作必須極端銳利。也是因為這樣,演員花許多時間在練習吐納與腹腔共鳴,他們的咬字與發聲都要帶有宗教性的絕對感。看慣寫實通俗劇的觀眾一開始一定不以為然,等過一會兒「進入」情境中,就會彷彿參與整個祭典的進行了。

抽象與象徵

因為不是通俗寫實劇,為了放到最大的戲劇張力,所有元素必須極簡、抽象。當然,也不會因為葉瑪是安達魯西亞人,而看到演員穿上荷葉邊裙擺的大圓裙;甚至抽象的極致,聽不太到有旋律性的音樂。綵排中出現過吉他旋律,立刻就掉入田園風、懷舊、西班牙鄉愁似的窘迫,很難是包裹著強烈主張的悲劇。導演很清楚想把羅卡的詩劇做大,做滿,抽象才好營造出普世共鳴。

剛開始我摸不著頭緒,奇怪,我教演員練了老半天的暄戲調 (bulerías)、噹歌調(tangos)呢? 或者踩腳跺地前進移動、耍酷耍帥的招式呢?導演半招都沒用,讓人很傷心。直到後來慢慢看懂了。原來都被簡化、抽象了。我們圓弧的手臂線條被幾何化成三角型,我們的切分音sincopaó節奏被融入演員的呼氣叫喊。我聯想到畢卡索(Pablo Picasso)的《亞維儂的少女(Les Demoiselles d’Avignon)》,好好的美女在畫布上,因為轉換視角而被肢解到不成人樣,但卻著著實實成就了一幅曠世不朽的立體派名畫!

西風東漸以來,十字架已經是我們也能理解的象徵符號。石頭呢?希臘神話裡的薛西佛斯,被懲罰推著巨石上山,快到山頂時石頭又滾了回來,他必須再推上去。這已經是西方文學經典,甚至也進入口語,醫學用語。金幣?希臘人相信,死後進入冥府之前,要支付擺渡人金幣作為渡資,因此會在遺體口中放入一枚金幣。羅卡被右派長槍黨人(Falangistas)殺害,長槍黨人戴的船型帽,與飛鷹標誌,在這裡也是符號。講得這麼明白好像會減損了觀眾欣賞本劇努力運轉智力的趣味,不過,畢竟導演是歐洲人,而我們台下觀眾有拿香的、有唸佛的、有不吃豬肉的,也許還有更多教改之後不知該如何讀書的。並且,劇場上同時擺了很多層意義,怕大家一閃即逝沒抓到要點。大家把這些基本象徵意義搞熟了,上場看導演如何穿梭運用,更能得到欣賞劇場演出的趣味。

安達魯之犬 Le Chien Andalou

詩人羅卡大學時期,與達利、布紐爾同住一棟宿舍。『安達魯西亞來的狗(El perro andaluz)』是這些愛鬧的好朋友給他取的、稍微帶點貶義的綽號。他們一起玩樂、互相激發創意,追求時下流行的藝術思潮。但是羅卡一直很喜歡西班牙南方安達魯西亞的吉普賽歌曲、故事(嬰兒時期,奶媽是個吉普賽人,常常唱吉普賽的搖籃曲給他聼),且身為格拉納達人,他對安達魯西亞有無比的熱情。相對的,來自北方的達利(加泰隆尼亞)、布紐爾(阿拉貢)便覺得這小子土得可以,就叫他『安達魯西亞來的狗(El perro andaluz)』。大學後大家各奔前程,當留法的達利與布紐爾拍出影史經典的超現實電影,片名便叫做【安達魯之犬】時,身在格拉納達的羅卡還沒看到電影,光聽到片名,心中便百感交集,以爲好朋友又在嘲弄他了。

這麽安達魯西亞色彩鮮明的詩人,難怪在七、八〇年代民主化后,佛拉明哥界紛紛以他的作品為題材:Antonio Gades的舞劇『血婚(Bodas de Sangre)』(經過Carlos Saura大導演的點化已成為不朽的佛拉明哥經典電影、Manzanita改編羅卡詩作《夢遊吟(Romance de Sonámbulo》成爲暢銷單曲《青青我愛你(Verde que te quiero verde)》、歌神卡馬隆(Camarón)在傳奇專輯《光陰的傳奇 (Leyenda del Tiempo)》用羅卡的詩,唱出《阿瑪戈的傳説(Romance de Amargo)》、佛拉明哥舞蹈天后Sara Baras用羅卡的劇作,演出舞劇《瑪莉安娜碧內妲(Mariana Pineda)》……。一個國際級的希臘導演會沿用這樣傳了卅幾年的套路去詮釋羅卡嗎!?當然不,『於不疑處有疑,方是進矣!』。希臘導演企圖藉由羅卡的文本,進一步衍伸,道德上,從男女平權提高到對當世時局的批判;哲學上,放大理性教條與大自然原慾的衝突;美學上,從羅卡的田園風轉化爲畫家戈雅(Francisco José de Goya)黑色時期的鬼魅。再從戈雅的鬼魅風格帶出深沉之歌的神魔(duende)!

葉瑪的悲哀與詩人之死

今年是誕生於1898年的羅卡120嵗冥誕,或許這讓導演想要重新製作羅卡的劇作《葉瑪》,又或許是因為歐洲現在的新民粹主義浪潮,讓人仿佛回到羅卡撰寫《葉瑪》的年代,讓導演憂心匆匆。1936年,西班牙進入共和體制,主張兩性平權、宗教自由的社會主義政黨剛贏得選舉執政,但敵對陣營的保守勢力,主張維護傳統價值,保護既得利益,結合軍方與天主教會,隨時伺機而動。雙方時時發生衝突,内戰一發生,詩人的家鄉格拉納達首先淪陷。被認爲傾向共和政體,主張兩性平權,甚至被懷疑是同性戀者的詩人羅卡,立刻被法西斯黨人抓起來,送往荒野,草草槍斃了事。在内戰結束後,右派法朗戈將軍高壓統治下,沒有人敢去質問國際知名的詩人尸骨何存?首先探訪詩人故鄉與故舊,做成第一本完整的詩人傳記,是一位愛爾蘭作家 Ian Gibson。他以外國人身份,不怕高壓政權的迫害,訪問了詩人的親人與街坊鄰居,慢慢拼凑出詩人卅八嵗短暫的人生。

導演用隱喻手法把詩人放進這齣戲裡。劇作家與他創造的人物同臺也許不是創舉,但是宣誓意味濃厚。導演很用力地要讓這齣戯發聲,儘管是在臺灣製作演出,他設定的觀衆是全世界!歐洲現在瀰漫著國族主義,民粹高漲、法西斯復辟。詩人採用源自希臘的字Yerma當做女主角的名字。這個字的原意是荒蕪,引申為不孕。詩人藉由不孕的女子渴望有自己的孩子,透過劇情的發展,我們慢慢理解,他是在暗指婚姻中愛情的匱乏與舊時代父權的宰制。性愛與孕育,是大自然最真誠、最原始的動力。人類發展出社會規約,進一步,用各種建制去控制它。而建制層層堆疊,不斷繁複架高,不知不覺演化成對人性的桎梏,進而扭曲原本自然無暇的心靈。葉瑪沒有生育,但在既有的社會框架與限制下,她想追求愛情,卻無法突破自己被建制束縛的心靈。而他的先生「桓」照著社會既有的規範生活,工作勤奮顧家,完全符合社會對男人的期待。「悲劇」之所以為悲劇,就是劇中角色並未犯錯,全是命運作弄。桓被社會建制牽著鼻子走,葉瑪被體內的原欲驅動,兩者形成理性與自然的對峙!衝突到最高點是葉瑪殺了桓。

導演利用這一個簡單的文本,在交代原來的故事之外,又再架構出新的內涵。他運用歌隊以及佛拉明哥舞者,鋪陳出原劇本所沒有的引申意義,呈現出詩人去世前後西班牙內戰之瘋狂:大肆逮捕、集體性侵、大規模屠殺,以各種崇高的名義。詩人原來西班牙田園式的小悲劇,在導演特殊的手法處理下,變成一部磅礡的大悲劇!

——寫於特爾左布勒斯之《葉瑪》首演前, 2018年10月31日

 

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Paco de Lucía

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Un Paco de Lucía sinfónico: porque “el flamenco es una cosa y Paco, otra”

  • La Orquesta Sinfónica de Sevilla concluirá este viernes la grabación de una suite inspirada en las composiciones del artista
  • El El disco es una vieja idea de Miguel Ángel Arenas para “perpetuar al genio” de Algeciras

“Sin estar él ya, ¿qué va a hacer un guitarrista? ¿Tocar la misma falseta, exactamente como lo hacía él? Podrá tocarla más o menos, pero jamás con esa pulsación. Además, él comenzó dentro del flamenco, pero su genialidad iba más allá de cualquier género. Fue un genio como intérprete pero también como compositor. El flamenco es una cosa y Paco de Lucía es otra, eso lo sabe todo el mundo”, dice Miguel Ángel Arenas Capi, fabricante de éxitos (Los Pecos, Mecano, Tequila, Alejandro Sanz…), amigo entregado y locuaz del artista y promotor del disco que hoy mismo, según lo previsto, terminará de grabar la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla (ROSS) en las instalaciones del Cartuja Center.

El disco, titulado Xpu Ha, como la playa de la Riviera maya (México) donde murió el artista en 2014 a los 66 años, tuvo su germen hace años, durante una conversación entre Arenas y Paco de Lucía, en la que Arenas, “osado por naturaleza”, le lanzó el reto al guitarrista de hacer “algo clásico”, y el músico, tras soltarle una chanza, dejó sin embargo la puerta abierta: “Mira, Capi, ahí está la música; para que la interpreten los músicos”. Tras su repentino fallecimiento, el productor decidió retomar la idea y para llevarla a cabo llamó a tres orquestadores, Jesús Bola, José Miguel Évora y Javier Losada, con los que el maestro había compartido amistad, complicidad y alguna que otra grabación.

Ellos tres escribieron sendos movimientos inspirándose en elementos característicos de las composiciones del colosal guitarrista. Y esos tres movimientos, de unos 15 minutos de duración cada uno, componen una suite sinfónica que, según Pepe de Lucía, cantaor y hermano del homenajeado, “a Paco le habría gustado, porque aunque se presentan sus composiciones desde otra perspectiva, con otra atmósfera, ésta es respetuosa”.

También se lo pareció al resto de la familia. “Desde que murió nuestro padre, nos han llegado muchísimos proyectos y al final el criterio siempre consiste en preguntarnos: ¿a él esto le habría gustado? No podemos tener otro baremo. Y a este disco le dimos el ok porque mi padre quería mucho a Capi y confiaba en él”, afirmó Casilda Sánchez Varela, hija del artista que asistió a la presentación junto a su hermana Lucía.

Esta suite que ahora está terminando de grabar la ROSS se estrenó en el Palacio de Bellas Artes de México en noviembre de 2016, pues el Gobierno del país donde vivía el algecireño se empeñó en rendirle un tributo que fuera verdaderamente excepcional, recordó Capi antes de añadir: “Aquello fue el primer borrador. Pero desde entonces hemos pulido y corregido mucho, y sobre todo teníamos claro que era necesario que ese trabajo se plasmara en un disco”.

Porque no en vano el objetivo esencial de esta obra es “perpetuar al genio” y “ponerlo a la altura que se merece, es decir, a la altura del clasicismo”, añadió, sin reparar seguramente en la contradicción de esta última afirmación con respecto a su insistencia en lo “absurdo de la frontera que se pone siempre en este país” entre la música culta y todas las demás, entre ellas, claro está, el flamenco.

De los tres orquestadores, tan sólo faltó Jesús Bola. En una intervención muy sentida, Évora admitió que le produjo “vértigo” el encargo. “Llegué a rezar, de verdad lo digo, para no escribir una sola nota que traicionara la música de Paco”. Tras la confesión, continuó: “Porque yo tengo conciencia de lo que fue Paco. El flamenco tenía un tamaño, y ese tamaño se hizo muchísimo más grande con él. Armónicamente, por ejemplo, lo llevó a otra dimensión”.

Por eso Évora dudó, al no saber “cómo se podía trasladar eso que hacía él, que era ligero y sutil, a una partitura para 90 músicos, sin que se convirtiera en algo ridículo”. “Como soy muy viejo, creo que ya sé hacerme con el aplauso fácil, por eso decidí ser totalmente sincero. Espero que guste, claro, pero yo al menos sé que esto que he hecho, lo he hecho de verdad”, concluyó.

Losada, por su parte, admitió que éste es “uno de esos proyectos que te bajan a la tierra”, porque al lado de una “obra sublime” como la de Paco de Lucía es inevitable sentirse “pequeñito”. Con todo, se aventuró a asegurar que la obra, “ciclópea” y de “gran riqueza sonora”, está llamada a ser una grabación “histórica”.

Tiempo habrá para juzgar en su justa medida el hito o la exageración, aunque no se sabe aún cuándo será exactamente. Habrá una presentación en Sevilla, con toda seguridad, dijo Capi, y otra en Madrid, “tal vez en el Teatro Real o en el de la Zarzuela”, pero el productor no quiso avanzar por el momento ninguna fecha concreta.

Fuentehttps://www.diariodesevilla.es/ocio/Paco-Lucia-sinfonico-flamenco-cosa_0_1290171672.html

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