Rosalía en NY

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El buen querer de Nueva York a Rosalía

La artista catalana se consagra en la capital mundial de la cultura con un concierto apoteósico en el Webster Hall

«¡Nueva York! Mi nombre es Rosalía». Lo dijo el fenómeno pop español nada más rematar «Pienso en tu mirá», la primera canción de su concierto este lunes en Nueva York, en la que el suelo de madera de Webster Hall se combaba con los botes del respetable. Lo dijo con chulería en la cara, porque ella sabe que Nueva York sabe su nombre. Se lo ha aprendido en el año en el que su carrera ha despegado como un cohete, con destino desconocido, pero rumbo a las estrellas. Una transformación de renovadora del flamenco a «popstar» de la que la Gran Manzana ha sido testigoHace poco más de un año, Rosalía se presentaba con la sola compañía de Raül Refree en Joe’s Pub, un coqueto café-teatro del Village, dentro de la programación del Flamenco Festival. Fue una actuación deliciosa, dedicada a «Los Ángeles», el disco en el que reinterpreta clásicos del flamenco. Su voz lo ocupó todo y emocionó a los apenas 200 asistentes que llenaban la sala, la gran mayoría de la comunidad española en la ciudad.

Hace poco más de un año, Rosalía se presentaba con la sola compañía de Raül Refree en Joe’s Pub, un coqueto café-teatro del Village, dentro de la programación del Flamenco Festival. Fue una actuación deliciosa, dedicada a «Los Ángeles», el disco en el que reinterpreta clásicos del flamenco. Su voz lo ocupó todo y emocionó a los apenas 200 asistentes que llenaban la sala, la gran mayoría de la comunidad española en la ciudad.

Este lunes, la cola casi rodeaba la manzana donde está Webster Hall, un local emblemático de la noche neoyorquina que acaba de ser renovado: la semana pasada actuó Jay-Z. Hoy es el turno de Patti Smith. Entre medio, con doblete, Rosalía. En principio, estaba previsto que actuara solo la noche de ayer. La demanda -es un recinto mediano, con capacidad para 1.500 personas- propició una segunda fecha, la del lunes. Las entradas salieron a la venta hace semanas. Se agotaron en minutos. Su precio se multiplicó en reventa.

La sensación de vivir algo histórico se notaba en la cola del concierto, la energía de poder responder con un «sí» a la pregunta «¿estuviste en el primer gran concierto de Rosalía en Nueva York?», de asistir al alumbramiento del «next big thing» en EE.UU. «La conozco por unos amigos de Barcelona», aseguraba Jules, un chico francés que había conseguido las entradas por su precio original, 40 dólares, ante el enfado de Lili, a su lado, que tuvo que pagar casi 200.

La diversidad de la legión de fans de Rosalía en Nueva York es espectacular: los expatriados españoles son minoría, ante grupos de hispanos con pinta de raperos, gringos todavía con acné, afroamericanos y señoras que van a los conciertos de «world music». Casi ninguno podría pronunciar el Sant Esteve de Sesrovires donde nació Rosalía, pero todos la consideran suya. Y, sorprendentemente, las letras de «El mal querer» se coreaban con claridad y, como un milagro, había más compás en las palmas por bulerías y siguiriyas que en muchos recitales de flamenco. ¿Sería que se confundían con las enlatadas de la máquina de El Guincho? El productor era el único instrumentista sobre el escenario, con teclado, tambor y artilugios para efectos de sonido.

El resultado, sin embargo, es todo lo contrario que simplista. Rosalía aparecía soportada por un coro de voces y un cuerpo de baile magníficos. Recorrió «El mal querer» sin apenas pausas, intercalando sus nuevas canciones –más reguetón, menos flamenco– y apenas una parada en «Los Ángeles», con «Catalina» y «Testamento gitano». Era estremecedor ver a chicos de Harlem, a una muchacha del Bronx con las mismas uñas felinas de Rosalía, enloquecer con tanguillos de Cádiz, con aires alosneros de un fandango o con la versión electrizante del tango «Volver», a capela, el único bis de un concierto de poco más de una hora. Todo con un baño posmoderno, eléctrico, que tuvo un gran reflejo en «De aquí no sales», que sonó como una suerte de siguiriyas de principios del siglo que viene.

fuente: https://www.abc.es/cultura/musica/abci-buen-querer-nueva-york-rosalia-201905010051_noticia.html?ns_campaign=rrss&ns_mchannel=abc-cultura&ns_source=tw&ns_linkname=cm-cultura&ns_fee=0

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Rocío

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‘Sentrañas’ del flamenco

La cantaora onubense Rocío Márquez ofrece un recital memorable en el Teatro Maestranza de Sevilla

En 1945, cuando terminó la Segunda Guerra Mundial y España era hambre, Gracia de Triana (1919-89) cantó ‘Sentrañas mías’. Manuel Mancheño ‘El Turronero (1947-2006) reclamó la Andalucía que le dolía en el alma años después de morir Franco. Su desgarrador grito sigue vigente. Preconizó que los andaluces seríamos pobres una vez y otra. Lo intuyó desde los feriales vendiendo esos turrones de los que pasamos de largo con su padre.

El inolvidable y certero Turronero resucita con Rocío Márquez (Huelva, 1985). La choquera irrumpe con ese poderío de damas que superan a cualquiera por su talento y genio sin perder raíces y pisar fuerte el mundo flamenco, el que concentra a ‘popes’ que dicen dan licencias del duende.

El flamenco, ese patrimonio inmaterial mundial que germinó al sur europeo lindero con el Magreb africano, comparte con el Jazz que palpitan, que acepta maridajes sin obviar dogmas y terrenos sagrados. Joe Beck y Sabicas (maestro de Paco de Lucía) compartieron territorio musical en 1970 con ‘Rock Encounter’. Lo que desconcertó a los sabios oficiales fue que ni Beck era negro, ni Sabicas andaluz. Así son las grandezas del arte.

Se rinde el Maestranza 

La noche del jueves 28 de marzo era un día señalaíto en la Sevilla que aplaude con brío la excelencia y se calla, respetuosa, ante el desvarío e incapacidad. El Teatro Maestranza es la catedral donde se consagran artes en la metrópolis flamenca. Aquella velada la colmató Rocío Márquez levantando al personal del asiento porque el clásico del flamenco era omnipresente con la creatividad y vanguardia.

Márquez es la estrella de un equipo conjugado. Los escuderos de ésta diva son tan geniales como la creadora del espectáculo ‘Alternativas’ con el que deleitó a la concurrencia. Las proverbiales guitarras de Manuel Herrera y Canito, el piano sensual de Daniel Marente, el entregado saxo de Juan M. Jiménez, la percusión -galáctica y emotiva- de Antonio Moreno y Agustín Diassera, ‘Los Mellis’ a las palmas y el excelso contoneo de la impactante bailaora Leonor Baile fueron los cómplices del éxito de Márquez ante entendidos y profanos del flamenco. El equipo de Márquez además suma aportes al ‘melting pot’, al totum revolutum que factura la mejor emoción.

Visto en el jueves

Márquez presenta estos días su última creación. El título, Visto en el Jueves, recoge mucha más Andalucía que la del Turronero. El rastro sevillano es una gran botica donde hay de todo, incluidos vinilos donde Márquez asegura que ha bebido y lo demuestra ipso-facto. Formada en la Fundación Cristina Heeren (presta su nombre una mecenas norteamericana afincada en Sevilla) este disco es absolutamente recomendable.

Los temas abarcan el universo de la sugerencia más aceptable. Oimos el registro tímbrico de Márquez en Luz de Luna y Trago Amargo con notas inmejorables. Entorna la puerta y Último organito rememoran palos de la música, del cante mayúsculo, que el flamenco disecciona. Otras piezas, junto a las emotivas palabras de Miguel Hernández elevadas por Márquez en ‘Andaluces de Jaén’ que popularizó Paco Ibáñez y sentimentales de ‘Se nos rompió el amor’ redondean una obra donde se oye la mano y voz de Kiko Veneno en el tema de Hernández.

Guitarristas sevillanos

Sin salir de la provincia donde grabó Márquez su última obra, añadir Universal acierta publicando en muy poco tiempo otros aportes esenciales a la guitarra, a la Sevilla donde vieron la luz tres guitarristas que no pasan desapercibidos: Rafael Riqueni, Dani de Morón José María Gallardo.

Riqueni, artista que exporta con sus dedos a la guitarra la escuela innovadora de Lucía-Serranito-Sanlúcar que le fortificaron, es un Nóbel silente que merece el premio. Pero se resiste por los obstáculos que la vida le fue deparando. Parque de María Luisa es un viaje novelado por la música que hizo crecer al más laureado guitarrista flamenco del momento.

Dani de Morón se rodea del talento, duende y arte del Pele, Miguel Poveda, Duquende, Estrella Morente, Jesús Méndez, Rocío Márquez, Pitingo Arcángel, Antonio Reyes, Marina Heredia y Esperanza Fernández. Como no puede ser de otra manera, el resultado no puede ser mejor.

Gallardo del Rey, de su parte, celebra sus 50 años cerca de la guitarra con abordaje clásico pero que acepta las innovaciones que la llevaron al concierto solista. El doble CD es un recorrido extenso y nutritivo sobre cómo, por qué y hasta cuándo la incógnita de la guitarra sobrevive. Gallardo da respuestas acertadas a unas ejecuciones magníficas, rayando la perfección con el subjetivo toque personal de un artista que ha paseado por los mejores escenarios de los cinco continentes donde actuó sólo o con notables músicos.

Fuente: https://diario16.com/sentranas-del-flamenco/

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Bolita

XXIII FESTIVAL DE JEREZ |CRÍTICA ‘CAÓTICO REDUX’

Las virguerías del Bolita

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Esta propuesta ha sido elegida como la más destacada en cuanto a “diálogo con otras músicas” de la edición pasada de la Bienal de Sevilla. Llega al Festival de Jerez en un formato algo más reducido aunque manteniendo el discurso original.

El universo que nos presenta este José Quevedo ‘Bolita’ está conformado por infinidad de inquietudes de una mente privilegiada para la música que expone en cada armonía multidud de matices y sensaciones. Vive actualmente en otro mundo al que pocos pueden acceder. Desde esos rincones de la creatividad nacen melodías de un peso especial, cuyas aportaciones a la historia de la guitarra quedarán siempre por su singular carácter. José, que es requerido por las grandes estrellas del arte flamenco, tanto en el acompañamiento como en las labores de producción, apoya esta idea en la confianza de unos músicos de nivel incuestionable que, además, respiran el mismo aire que el protagonista, esto es, la frescura de la espontaneidad y la cercanía con un público que no deja de disfrutar desde que comienza el espectáculo.

En solitario da la bienvenida a una tarde en la que el público no acaba de llenar la sala, sorprendentemente. Entre los que acuden a la llamada de la calidad de sus cuerdas están los familiares, a quienes dedica la actuación emocionándose especialmente a la hora de hablar de sus padres. “¡Ya estamos en Casa Quevedo!”, suelta Carlos Grilo para invitarnos a las bulerías ‘Extracto’, sumándose a la fiesta los cantes plazueleros del Londro. Este cantaor se vuelve inmenso en la seguiriya ‘Matalauva’, en la que brilla especialmente la suavidad del contrabajo de Caminero.

Da gusto escuchar a este grupo que disfruta creando e interpretando, y así nos lo transmite extendiendo esa fiesta. En sus composiciones nos acercamos al jazz o al blues, o al corralón de una casa de vecinos de gitanos de Jerez. Cabe todo, porque no basa su mensaje en lo seguro sino en lo posible, de ahí que fluyan esas virguerías incomparables. Por momentos le falta mástil, recorre todo el diapasón con un equilibrio total y haciéndonos surcar trayectos espeluznantes.

‘K´legría’, otro de los sabrosos títulos del compositor cuya esencia es derramada a ritmo de cantiñas dejando espacio a los instrumentos de vientos de Enrique Oliver, Voro García y Paco Soler, a la saxo, trompeta y trombón, respectivamente. “Caminanos desde Nueva Orleans hasta Cádiz”, nos dice ‘Bolita’. Entre ellos se comunican como si estuvieran en un local de ensayo, quizá aquí esté el éxito de una propuesta inmejorable en musicalidad y que, además, envuelve al respetable en un manto mágico y de buenas vibraciones.

Prosigue la actuación con los tientos y tangos ‘Pasó’, empleando a fondo a su percuionista Paquito González. Muy aplaudido. Antes de despedir suenan títulos como ‘Dos Maderas (bulerías), ‘La Baratita’ (rumba) y, cómo no, ‘The Maids of Cádiz’, dedicada al famoso trompetista Miles Davis que supone el germen de este proyecto encumbrado de gloria.

fuente: https://www.diariodejerez.es/festivaldejerez/Bolita-Caotico-Redux-Sala-Paul_0_1333066685.html?ent=ddj&red=tw

 

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Salvador Távora

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Muere Salvador Távora, inventor del teatro moderno andaluz

El director referente de la escena más comprometida de la Transición, dignificó la cultura popular y el

Salvador Távora ha fallecido esta noche en Sevilla, la ciudad en la que nació en abril de 1930 y en la que ha pasado toda su vida en continua lucha por dignificar la cultura andaluza, han informado fuentes de su familia. Padre de una caligrafía teatral que ha ido escribiendo sobre los escenarios de 35 países desde que, en 1972, estrenó Quejío en Madrid sorteando la censura. Távora es sinónimo de honradez, valentía y compromiso social dentro y fuera del escenario.

Su última puesta en escena ha sido, precisamente, la reposición de Quejío en 2017, cuando se cumplían 45 años de su estreno. Un crudo lamento de los jornaleros andaluces que pudo verse también en la última Bienal de Flamenco de Sevilla. Aunque ya estaba afectado por una insuficiencia cardiaca, para volver a montar Quejío –en cuyo estreno intervino además como actor (cantaor)— Távora controló cada movimiento sentado en su “sillón de dirigir”, atalaya verde y con asiento de enea desde la que siempre vigilaba sus montajes. Entonces, días antes de recoger el premio Max de Honor que le concedió la SGAE, reflexionaba sobre su trabajo en este periódico: “Mi teatro es fruto de mi experiencia vital que no tiene nada de literaria ni burguesa: del flamenco, de mi trabajo de obrero, del toreo, de la vida del barrio, de las asambleas de izquierda durante la dictadura… ese era mi mundo y cuando empecé lo hice a partir de esas raíces y por eso nunca he coincidido con eso que llaman teatro de creación”.

Su teatro, que han visto más de tres millones de personas, ha contribuido a forjar una imagen distinta de Andalucía a través del flamenco, alejada de los tópicos festeros que han lastrado a la región. Sin embargo, en lugar de disfrutar de los réditos de sus triunfos, cosechados en 180 festivales repartidos por el mundo, Távora ha pasado sus últimos años acuciado por las deudas.

 

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Luisa Arias

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LUISA MARIA ARIAS

Nacho Duato ́s choreography assistant for the National Dance Company of Finland, the National Company of the Czech Republic or the Royal Ballet School of London.

In 2018 Luisa Maria Arias created: “Absent Of Light” for the Liceo de Barcelona; “Falling” for the Professional Conservatory of Burgos and “Lapso” for Nave 73 in Madrid. And “#NoMe” for Club Matador in Madrid, in march 2019.

In 2017 she has been part of the productions: “Buscando Cervantes” for Suite Española of Castro Romero, premiered at the Isabel la Católica Theater in Granada and “Buñuel del Deseo” for LaMov, premiered at the Teatro Principal in Zaragoza.

As Principal dancer, her repertoire includes creations for Jiri Kylian, Mats Ek, Johan Inger, Mark Goeke, Hofesh Shechter, Forsythe, Pierre Lacote and Antonio Gades among others.

She has taught master-classes and choreographic workshops in Singapore, Madrid, London and Paris.

Guest teacher at the Conservatory Superior of Dance in Madrid, Institut del Teatre de Barcelona, Association of Dance Professionals of Madrid, Professional Conservatory of Burgos and Valladolid, Ibstage in Barcelona and Estudio 180 Degrees of Madrid.

Netherlands Dance Theater (Holland)

Since 2012 at NDT, performing in choreographies such as: “Same Difference, School Of Thoughts, SH Boom (Paul Lightfoot & Sol Leon), Parade and Frontiere (Crystal Pite), Hearts Labryrinth, Sweet Dreams, Claude Pascale (Jiri Kylian), Chamber (Medhi Warleski), Hello Earth (Marco Goecke), Definitely Two (Alexander Ekman), Sleeping Beauty (Mats Ek), In Your Room (Hofesh Shechter) …

National Dance Company (Spain)

Since 1998 under the direction of Nacho Duato, is principal in: “White Darkness, Multiplicity forms of emptiness and silence, Tabulae, Por vos muero, L’Homme, Jardi Tancat, Arenal, Jardín Infinito, Arcangelo, O’Domina, Gnawa, Cobalto, Romeo and Juliet, etc … all of them by Nacho Duato. Although also, works like: Petite Mort, Sleepless, Symphony of the Psalms, Falling Angles by Jiri Kylian and Mats Ek with Aluminum, Enemy in the Figure, within without work by W. Forsythe, De Paso, Aksak by Gentian Doda, Quartett of Ö Arderson, Noodels by F. Blanchard and Quiebro by W. Vandekeybus., Etc.

Ballet National du Rhin (France)

Between 1995 and 1997, she created works such as: “La Grand Ville, La Pavane pour une Infante Defunte, Table Verte (K. Joos), The Four Temperaments (Balanchine), Les Doubles (Rodrigo Pederneiras), La Pavane du Maure (Jose Limon) , Stoolgame (J. Kylian), Quintett Herman Scherman (W. Forsythe), Paquita Pas de Trois (M. Petipa), La Fille Mal Gardee (I. Kramer), La Sylphide (P. Schaufuss), Romero and Juliet (B D’At), etc …

National Ballet of Nancy and Lorraine (France)

Between 1991 and 1995, under the direction of Pierre Lacotte, works such as: “ Petruchka, Les Sylphides, Les Danses Polovtsiennes du Prince Igor (M. Fokine), The Somnámbula, Theme and Variations (G. Balachine), Impressions Fugaces, (Antonio Gomes) ) Te Deum, Marco Spada, Giselle (P. Lacote), Prelude to ‘apres-midi d’un Faune (V. Nijinsky), Symphonie in D (Jiri Kylian), Behind The Dance (David Parsons), Untitled (Pilobolus) , Fall River Legend (Agnes de Mille), Symphony in Three Movements (N. Christie), Blood Nights (Antonio Gades), etc …

Dance Company EuroBallet (Luxembourg)

From 1990 to 1991 she performed pieces like: Mendelson, Epos (B.

Preuss), Tarantella (D. Pool), K136 (T. Malandain).

Other creations as choreographer

Among her own choreographies that were commissioned:

Switch” for the Netherlands Dance Theater, on its 25th anniversary, Dwarka (2013) and Now (2014).

“Fractus” for the National Dance Company CND2 that premiered at the Madrid Theater in (2010).

Training

Royal Conservatory of Madrid under the direction of Virginia Valero. Graduated in Classical Dance and for free in Spanish Dance with honors.

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LUISA MARIA ARIAS

Asistente de coreografía de Nacho Duato para la Compañía Nacional de Danza de Finlandia, la Compañía Nacional de República Checa o la Royal Ballet School de Londres, Arias ha creado en 2018: “Absent Of Light“ para el Liceo de Barcelona; “Falling“ para el Conservatorio Profesional de Burgos y “Lapso“ para Nave 73 de Madrid.

En su repertorio como figura principal caben destacar creaciones para Kylian, Mats Ek, Inger, Goeke, Hofesh Shechter, Forsythe, Pierre Lacote y Antonio Gades entre otros.

Forma parte en 2017 de las producciones “Buscando Cervantes” para la Cía Suite Española de Castro Romero, estrenado en el Teatro Isabel la Católica de Granada y de “Buñuel del Deseo” para LaMov, estrenada en el Teatro Principal de Zaragoza.

Ha impartido master-classes y talleres coreográficos en Singapur y París.

Profesora especialista invitada del Conservatorio Superior de Danza de Madrid, Institut del Teatre de Barcelona, Asociación de Profesionales de la Danza de Madrid, Conservatorio Profesional de Burgos y Valladolid, Ibstage de Barcelona y Estudio 180 Grados de Madrid.

Netherlands Dance Theater (Holanda)

Desde 2012 en NDT trabajando con coreógrafos como: Same Difference, School Of Thoughts, SH Boom (Paul Lightfoot & Sol Leon), Parade and Frontiere (Cristal Pite), Hearts Labryrinth, Sweet Dreams, Claude Pascale (Jiri Kylian), Chamber (Medhi Warleski), Hello Earth (Marco Goecke) , Definitely Two (Alexander Ekman), Sleeping Beauty (Mats Ek), In Your Room (Hofesh Shechter) …

Compañía Nacional de Danza (España)

Desde 1998 bajo la dirección de Nacho Duato, es principal en: White Darkness, Alas , Por Vos Muero, Multiplicidad Formas y Vacio,  Tabulae ,  Remansos , L’Homme , Jardi Tancat  Arenal, Jardin Infinito , Arcangelo , O’Domina , Gnawa , Cobalto , Herrumbre , Romeo Y Julieta, etc…todas ellas de Nacho Duato. Aunque también , obras como: Petite Mort, Sleepless , Sinfonia de los Salmos, Falling Angles de Jiri Kylian y Mats Ek con Aluminium, Enemy in the Figure de W. Forsythe, De Paso, Aksak de Gentian Doda,  Quartett , Arcos de Escarcha de Ö Arderson, Noodels de F. Blanchard y Quiebro de W. Vandekeybus.,etc..

Ballet du Rhin ( Francia)

Entre 1995 y 1997, crea obras como: La Grand Ville, La Pavane pour une Infante Defunte, Table Verte (K. Joos) , Los Cuatro Temperamentos (Balanchine) , Les Doubles (Rodrigo Pederneiras) , La Pavane du Maure (Jose Limon) , Stoolgame (J. Kylian) , Quintett Herman Scherman (W. Forsythe), Paquita Pas de Trois (M. Petipa) , La Fille Mal Gardee (I. Kramer) , La Sylphide (P. Schaufuss), Romero y Julieta (B. D’At),etc…

Ballet Nacional de Nancy y de Lorraine (Francia)

Entre 1991 y 1995, bajo la dirección de Pierre Lacotte, obras como: Petruchka, Les Sylphides, Les Danses Polovtsiennes du Prince Igor (M. Fokine), La Somnámbula, Theme and Variations (G. Balachine), Impressions Fugaces,(Antonio Gomes) Te Deum, Marco Spada, Giselle (P. Lacote) , Prelude a l ‘apres-midi d’un Faune (V. Nijinsky), Symphonie en D (Jiri Kylian), Behind The Dance (David Parsons), Untitled (Pilobolus), Fall River Legend (Agnes de Mille), Symphony in Three Movements (N. Christie), Noches de Sangre (Antonio Gades),etc…

Compañía de Danza EuroBallet (Luxemburgo)

De 1990 a 1991 interpreta: Mendelson, Epos (B. Preuss) , Tarantella ( D. Pool) , K136 (T. Malandain).

Coreografías propias 

“Switch” para el Netherlands Dance Theater , en su 25 aniversario, Dwarka (2013) y Now (2014).

“Fractus“ para la Compañía Nacional de Danza CND2 que se estreno en el Teatro Madrid en (2010).

Formación

Real Conservatorio de Madrid bajo la dirección de Virginia Valero. Graduada en Danza Clásica y por libre en Danza Española con honores.

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No a la apropiación

Entrevista: K. Meira Goldberg. “Cuando me hablan de Rosalía, digo no a la apropiación”

La investigadora norteamericana trae a España su tesis sobre la negritud en el flamenco y ofrece a la Biblioteca Nacional las grabaciones La Macarrona filmada por Massine.
Web revista La Flamenca. Barcelona. 28/12/2018 Texto y fotos: Xavier Grau

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Bailaora en el Madrid de los 80 en tablaos como Los Canales, Los Canasteros y El Arco de Cuchilleros, la norteamericana K. Meira Goldberg vive hoy en Nueva York. Allí investiga sobre la negritud y la raza en la danza para Foundation for Iberian Music y enseña en el Fashion Institute of Technology. De paso por España, ha presentado en una decena de ciudades su libro, pendiente de traducir al español, Sonidos negros. On the blackness of flamenco. Un ensayo sobre la negritud en el flamenco, sobre lo puro y lo impuro, sobre la transgresión. Una tesis a favor del respeto hacia las raíces para poner en valor la mezcla de culturas y razas.

¿Qué es el “vacunao”?

Una pantomima bailada que hace referencia al sexo. Una idea dancística muy presente en los bailes afroamericanos, en la salsa, en la bachata, en la rumba… Toma el nombre del juego entre el hombre que quiere “pillar” (“vacunar”) a la mujer que escapa. Yo lo veo en el fandango del siglo XVIII y en el juego tan español de la “pasada” en la sevillana.

¿Qué son los “grillos”?

Los grillos, que son grilletes como los que ponían a los esclavos, son pasos y variaciones de pasos de los bailes de los siglos XVII-XVIII

¿Y qué es el duende?

A mí me interesa el duende que entronca con ese carácter tan andaluz que lo hace todo con tanta ironía, tanto hablar con segundas, tanta defensa de causas perdidas. A lo irónico se opone el registro de la verdad; ese partirse la camisa que es lo que enamora. El duende es ese comunicar con lo sublime.

¿Está sólo en el flamenco?

No. Las artes afroamericanas también tienen esa dimensión espiritual escondida.

El duende si no ve la muerte, no viene…

Así lo comentó Federico García Lorca.

¿Qué es la negritud en el flamenco?

Yo no hablo sólo de las raíces africanas o afroamericanas. Me refiero a la concepción que tenemos de lo que es la raza, la diferencia entre lo blanco y lo negro. Esas diferencias que surgen de la esclavitud, la colonización, de los fundamentos de la raza que se representan en toda la cultura, en la literatura, en la danza…

¿Cuáles son los elementos más claros de esa negritud?

Lo lascivo, lo transgresor, la bulla entendida como confusión y ruido.

¿Fue Lorca quién mejor lo entendió?

Él no se refiere estrictamente a la africanidad sino a la alianza de culturas. Siendo de Granada, comprende al negro, al judío, al gitano, al moro y reivindica esa no limpieza de sangre.

7a588398-25c4-4b57-9537-378bad4ed800¿Cómo se manifiesta esa negritud en el baile?

En la riqueza rítmica, en el detalle de un sistema musical muy rico que en el flamenco confunde al no iniciado porque es muy difícil si se desconoce. Está en los saltos, en los zapateados, en ese “pastor bobo” que baila sin haber viso todavía la luz de Jesús. Y está en las zapatetas y las gambetas descritas en el XVII.

¿Está en lo pecaminoso?

Lo encontramos en la zarabanda, en la chacona, en el fandango antiguo con todas esas estructuras rítmicas y sus valores estéticos y morales.

¿Es peligroso por libidinoso?

Por eso en el XIX se prohíbe en México el “paso de panaderos”. Y de ahí que se la atribuya a Casanova la referencia a que habiendo bailado un hombre un fandango, la mujer ya es tuya.

¿Cuándo fue negro el flamenco?

Tras las batallas de la reconquista, el moro, el judío, el que no tenía sangre limpia era despreciado. Toda esa percepción de la alteridad se remonta a siglos atrás. En la España del XV y el XVI convive un gran número de población afrodescendiente. Al decaer el Imperio, decae la esclavitud. Conviven gitanos, moriscos y negros. Durante la Gran Redada de 1749 contra los gitanos muchos prefieren empadronarse como negros para no ser deportados.

¿Cuándo fue cubano?

Cuba fue la joya del Imperio hasta la pérdida de las colonias en 1898 y La Habana una ciudad andaluza más. La música de la habanera es una moda musical global y de ahí nos llegaron la rumba cubana y los tangos de negros.

¿Qué representó la presencia de Juana Vargas, La Macarrona, en la Expo de París en 1899?

Enfrentada a la estética de la sofisticada de Roseta Mauri, en el París de la época La Macarrona es recibida por el público francés como la imagen de la autenticidad y así corre la voz: Mauri es arte y La Macarrona raza. Incluso en los carteles se la pinta con un movimiento especial de pelvis al bailar, como símbolo de la fecundidad igual como se relaciona esa imagen femenina en el continente africano.

¿Por eso se suman los artistas al carro?

Intelectuales y artistas de la época como Picasso ven esa negritud del arte africano como la esencia de lo estético.

Siendo americana, usted habla de negritud con respecto a la herencia y la conjura del futuro también en el flamenco.

Sería bonito potenciar esas alianzas, esas conexiones y esas mezclas. Hoy cuando me hablan de Rosalía, digo no a la apropiación. Pero defiendo la comunicación y el reconocimiento mutuo entre culturas y tradiciones. En el flamenco, como en el mundo, estamos bregando contra cambios muy grandes a causa de la globalización que no nos deja valorar la diferencia.

Además habla de género, de clase social y de relaciones de poder hoy.

Tengo la sensación que las música popular da mucho dinero y por eso se arranca de las clases populares a las que se desposee de su tradición cultural. Toda esa cultura musical bebe de la herencia afroamericana y en mi país la gran industria de la música, de la tele y del cine se apropia de esas herencias y con ello no ganan sus inventores. Eso refuerza el racismo y las estructuras sociales injustas.

¿Eso lo ha hecho el flamenco?

No porque es arte que viene de esas capas sociales. A los flamencos les fascinan las artes afroamericanas porque se reconocen en ellas.

¿Qué le pasó al presentar Gurumbé en Atlanta?

Era un público afroamericano, conocedor del más tópico flamenco de España y de Sevilla. Al empezar a hablar una parte sintió dolor al ver que iba a volver a hablar de su gente de nuevo cosificada, torturada, asesinada y esclavizada.

¿Ha quedado algo positivo de aquello?

Creo que España y el flamenco han recibido la maravillosa herencia de 800 años de relación directa con ese Mediterráneo afro islámico.

¿Cómo explica usted esas virtudes del flamenco a sus compatriotas?

Les cuento que mi investigación va de la incorporación de la raza a la danza. De la mezcla de puro y de lo impuro; de lo blanco y de lo negro.

¿Qué comprenden mejor?

El público americano no tiene ni idea del flamenco y piensan que es esa fórmula aburrida de danza blanca de los años 50. No tiene ni idea de que tras la idea de raza hay un trasfondo religioso y desconocen que la perspectiva de lo que entienden ellos como esclavitud surgió en España dos siglos antes.

¿De qué manera lo explica usted en España?

Sé que voy a recibir palos pero intento mantenerme en el centro de los polos que van de lo gitano a la africanidad. Quiero escapar de las polémicas de siempre.

¿Qué persigue con su libro?

Que el flamenco, y muy especialmente el baile flamenco, se incorpore al abanico de artes mundiales.

Por cierto, ¿Qué hay de las grabaciones de La Macarrona en la Biblioteca Pública de Nueva York?

Entre el legado que el gran bailarín y coreógrafo Léonide Massine dejó, tuve la suerte de encontrar sus películas con el baile de La Macarona, de las que trasladamos una copia al Centro Andaluz de Flamenco de Jerez. Pero ahora estoy buscando contactos y ayuda para conseguir que esas grabaciones de 1917 se incorporen al fondo de la Biblioteca Nacional en Madrid.

“LO LASCIVO, LO TRANSGRESOR Y LA BULLA SON ELEMENTOS DE LA NEGRITUD EN EL FLAMENCO”

fuente: http://www.revistalaflamenca.com/k-meira-goldberg-entrevista/

Farruquito: No podemos ponerle la etiqueta de flamenco a todo lo que está aflamencado

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Rosalía

 

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OPINIÓ

Queen com a reacció

«Quant fa que esperàvem això que passa amb Rosalía i que ve d’un lloc amb el qual no comptàvem?»

per Jordi Bianciotto, 30 de novembre de 2018 a les 22:25 |

La polarització de les arenes polítiques ha arribat a la música! Queen per una banda i Rosalía per una altra com a metàfores d’un xoc de civilitzacions. El vell, venerable, ordre del rock contra la insurrecció de la música urbana amb accents del sud. Aquests dies és difícil trobar qui no tingui una opinió formada sobre un i l’altra. I s’escolten coses com ara: “el millor de la pel·lícula Bohemian rhapsody és que ara pots veure nanos de 12 anys amb samarretes de Freddie Mercury, que sàpiguen el que és bo, i no el reggaeton i el trap!”.

I per què és bo, això? Per què és intrínsecament positiu que un preadolescent de l’any 2018 veneri un grup desaparegut una dècada abans que ell naixés, i que generi rebuig cap la música popular del seu temps? Un dels motius pels quals el rock ha anat decaient és exactament aquest: la seva conversió en artefacte nostàlgic amb brots reaccionaris. És decebedor que els seus seguidors hagin acabat sacsejant les velles relíquies tal com en altres temps les seves mares o àvies els deien que els Beatles, o els Stones, o Led Zeppelin, eren soroll i que la música de debò l’encarnava Antonio Machín.

Però, redoblant la paradoxa, sorprèn alhora que l’artista triat per encarnar els valors suprems de l’era del rock, o una idea de la fidelitat estètica, sigui Queen, un grup que en el seu moment va practicar tot quant travestisme sonor, puntant-se a les modes i fent les cabrioles que fossin oportunes per connectar amb els sons del moment. Perquè Queen va començar practicant un rock més o menys dur, connectat amb el glam, però amb el temps el vam poder veure decantant-se pel rock simfònic, apuntant-se al revival del rockabilly, fent música disco i fins i tot atrevint-se amb el tecno-pop a Radio Gaga. Si Freddie Mercury fos viu, potser ficaria un peu en el reggaeton!

La música popular sempre ha estat així, promiscua i sense remordiments a l’hora d’evolucionar i de deixar amb un pam de nas als qui l’havien sacralitzat o ficat en el museu. És cert que vivim en una època de pronunciada fragmentació dels gustos, on passen moltes coses alhora i no n’hi ha cap que representi la foto completa de la realitat. I Rosalía difícilment capturarà tampoc, ella sola, l’esperit dels temps, encara que El mal querer tingui aspecte d’emissari d’un nou ordre pop en procés de configuració. Ni ho faran tampoc, per ells mateixos, Bad Gyal, ni Kendrick Lamar, ni l’estrella colombiana del reggaeton J Balvin, que aquests dies ocupa la portada de Rockdelux i ha estat triat per Mondosonoro com tercer millor disc internacional de l’any.

Però, amic rocker de tota la vida, lector que véns del pop i de la cançó del segle XX, amb la mà al cor, diga’m, quant de temps portem lamentant l’absència de noves tendències que sacsegessin el panorama musical a gran escala, com vam fer en altres temps el punk, el grunge, l’electrònica o fins i tot el Brit-pop? Quants anys fa que esperàvem que passés això que està passant i que, sorpresa, ve d’un lloc amb el qual no comptàvem?

 

Fuente:https://www.naciodigital.cat/opinio/18720/queen/reaccio#.XAOFN0VQQEQ.twitter

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