Paco de Lucía

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Un Paco de Lucía sinfónico: porque “el flamenco es una cosa y Paco, otra”

  • La Orquesta Sinfónica de Sevilla concluirá este viernes la grabación de una suite inspirada en las composiciones del artista
  • El El disco es una vieja idea de Miguel Ángel Arenas para “perpetuar al genio” de Algeciras

“Sin estar él ya, ¿qué va a hacer un guitarrista? ¿Tocar la misma falseta, exactamente como lo hacía él? Podrá tocarla más o menos, pero jamás con esa pulsación. Además, él comenzó dentro del flamenco, pero su genialidad iba más allá de cualquier género. Fue un genio como intérprete pero también como compositor. El flamenco es una cosa y Paco de Lucía es otra, eso lo sabe todo el mundo”, dice Miguel Ángel Arenas Capi, fabricante de éxitos (Los Pecos, Mecano, Tequila, Alejandro Sanz…), amigo entregado y locuaz del artista y promotor del disco que hoy mismo, según lo previsto, terminará de grabar la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla (ROSS) en las instalaciones del Cartuja Center.

El disco, titulado Xpu Ha, como la playa de la Riviera maya (México) donde murió el artista en 2014 a los 66 años, tuvo su germen hace años, durante una conversación entre Arenas y Paco de Lucía, en la que Arenas, “osado por naturaleza”, le lanzó el reto al guitarrista de hacer “algo clásico”, y el músico, tras soltarle una chanza, dejó sin embargo la puerta abierta: “Mira, Capi, ahí está la música; para que la interpreten los músicos”. Tras su repentino fallecimiento, el productor decidió retomar la idea y para llevarla a cabo llamó a tres orquestadores, Jesús Bola, José Miguel Évora y Javier Losada, con los que el maestro había compartido amistad, complicidad y alguna que otra grabación.

Ellos tres escribieron sendos movimientos inspirándose en elementos característicos de las composiciones del colosal guitarrista. Y esos tres movimientos, de unos 15 minutos de duración cada uno, componen una suite sinfónica que, según Pepe de Lucía, cantaor y hermano del homenajeado, “a Paco le habría gustado, porque aunque se presentan sus composiciones desde otra perspectiva, con otra atmósfera, ésta es respetuosa”.

También se lo pareció al resto de la familia. “Desde que murió nuestro padre, nos han llegado muchísimos proyectos y al final el criterio siempre consiste en preguntarnos: ¿a él esto le habría gustado? No podemos tener otro baremo. Y a este disco le dimos el ok porque mi padre quería mucho a Capi y confiaba en él”, afirmó Casilda Sánchez Varela, hija del artista que asistió a la presentación junto a su hermana Lucía.

Esta suite que ahora está terminando de grabar la ROSS se estrenó en el Palacio de Bellas Artes de México en noviembre de 2016, pues el Gobierno del país donde vivía el algecireño se empeñó en rendirle un tributo que fuera verdaderamente excepcional, recordó Capi antes de añadir: “Aquello fue el primer borrador. Pero desde entonces hemos pulido y corregido mucho, y sobre todo teníamos claro que era necesario que ese trabajo se plasmara en un disco”.

Porque no en vano el objetivo esencial de esta obra es “perpetuar al genio” y “ponerlo a la altura que se merece, es decir, a la altura del clasicismo”, añadió, sin reparar seguramente en la contradicción de esta última afirmación con respecto a su insistencia en lo “absurdo de la frontera que se pone siempre en este país” entre la música culta y todas las demás, entre ellas, claro está, el flamenco.

De los tres orquestadores, tan sólo faltó Jesús Bola. En una intervención muy sentida, Évora admitió que le produjo “vértigo” el encargo. “Llegué a rezar, de verdad lo digo, para no escribir una sola nota que traicionara la música de Paco”. Tras la confesión, continuó: “Porque yo tengo conciencia de lo que fue Paco. El flamenco tenía un tamaño, y ese tamaño se hizo muchísimo más grande con él. Armónicamente, por ejemplo, lo llevó a otra dimensión”.

Por eso Évora dudó, al no saber “cómo se podía trasladar eso que hacía él, que era ligero y sutil, a una partitura para 90 músicos, sin que se convirtiera en algo ridículo”. “Como soy muy viejo, creo que ya sé hacerme con el aplauso fácil, por eso decidí ser totalmente sincero. Espero que guste, claro, pero yo al menos sé que esto que he hecho, lo he hecho de verdad”, concluyó.

Losada, por su parte, admitió que éste es “uno de esos proyectos que te bajan a la tierra”, porque al lado de una “obra sublime” como la de Paco de Lucía es inevitable sentirse “pequeñito”. Con todo, se aventuró a asegurar que la obra, “ciclópea” y de “gran riqueza sonora”, está llamada a ser una grabación “histórica”.

Tiempo habrá para juzgar en su justa medida el hito o la exageración, aunque no se sabe aún cuándo será exactamente. Habrá una presentación en Sevilla, con toda seguridad, dijo Capi, y otra en Madrid, “tal vez en el Teatro Real o en el de la Zarzuela”, pero el productor no quiso avanzar por el momento ninguna fecha concreta.

Fuentehttps://www.diariodesevilla.es/ocio/Paco-Lucia-sinfonico-flamenco-cosa_0_1290171672.html

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Poetas del 27

Los poetas del 27 sacaron de la marginalidad al flamenco

En el primer tercio del XX empezó a correr un nuevo aire para el flamenco, un arte que salió de la marginalidad y alcanzó consideración cultural de la mano de la Generación del 27, de un poeta como Miguel Hernández y de un artista como Edgar Neville

6E21D785-EE5F-46D6-8BDB-BB5DE84BCB41EFE SEVILLA 02 SEP 2018 / 23:52 H – ACTUALIZADO: 02 SEP 2018 / 23:58 h

Así lo explica a Efe Manuel Bernal Romero, profesor de Literatura, estudioso de los poetas del 27 y especialista en flamenco, quien en su nuevo libro La Generación del 27 y el flamenco (Renacimiento) cuenta el proceso por el que los artistas flamencos abandonaron los cafés cantantes, las ventas, los prostíbulos y las fiestas de los señoritos para adquirir consideración cultural.

Estos poetas «han influido mucho en el flamenco moderno, en el cante jondo como ellos lo denominaban, y de manera determinante en su concepción actual como expresión cultural», según Bernal Romero, autor de otros tres ensayos sobre la Generación del 27.

A esa lista de artistas y poetas como Lorca, Alberti y Fernando Villalón, añade Bernal al polifacético escritor Edgar Neville –director de la película Duende y misterio del flamencoy al compositor Manuel de Falla, a quien dedica un detallado capítulo con motivo de la organización del Concurso del Cante Jondo de Granada en junio de 1922.

«Antes del 27, el flamenco era una música marginal, ajena a cualquier vínculo intelectual o literario», insiste el profesor al señalar las excepciones de Juan Ramón Jiménez, Rubén Darío y los Machado y la desconsideración del resto de escritores e intelectuales, desde Unamuno a Eugenio d’Ors, quienes sostenían que el flamenco nada aportaba a la cultura española.

«Esa es la mirada que varían los poetas del 27, que llevan al flamenco al momento en que se encuentra hoy», a pesar de que, salvo Miguel Hernández, ninguno de ellos escribió para el flamenco.

En este punto Bernal asegura que aunque muchos cantaores digan cantar a Lorca lo que hacen es cantar versiones de sus poemas, que ni tienen el ritmo flamenco ni fueron escritos para ser cantados.

Como ejemplo pone Poema del cante jondo que, pese a su título, contiene poemas «incantables» que están «más próximos a la vanguardia que a la poesía popular», y libro del que aclara que si el poeta granadino lo dedica al cantaor Manuel Torre lo hace muchos años después de haberlo escrito, ya que los poemas estaban pensados y escritos antes de conocer al mítico cantaor.

Bernal señala que incluso Fernando Villalón, ganadero esotérico y personaje inclasificable, efectuó el camino inverso al incorporar algunas letras flamencas a sus poemas, pero que tampoco escribió expresamente para los cantaores.

«Villalón y Lorca trataron de definir en su poesía qué es el cante, pero con poemas difícilmente cantables», insiste.

De Lorca añade que «aunque ahora no sea políticamente correcto decirlo, no es ningún flamencólogo», y que en la organización del Concurso de 1922 «actuó al dictado de Falla», hombre tímido y discreto cuya personalidad contrastaba con la simpatía y brillantez del poeta granadino.

A diferencia de Lorca, «que llegó al flamenco de oídas», «Villalón es el que hizo una poesía más flamenca».

El profesor pone el Concurso del Cante Jondo de Granada en 1922 como un ejemplo de que el debate entre el purismo o cante jondo y lo comercial o considerado desechable por los puristas ha existido siempre, ya que a aquel certamen pudo concurrir todo artista que quisiera con una sola condición, que no fuese profesional.

El ensayo de Bernal revisa la relación de los poetas citados con cantaores como Manuel Torre, Chacón, La Niña de los Peines, Caracol y la Argentinita, cuya relación sentimental con el torero Ignacio Sánchez Mejías, otro polifacético inclasificable que también hizo de promotor de espectáculos flamencos, «iba a marcar alguno de los hitos que uniría a los creadores del 27 con el flamenco».

ref: El Correo Web Cultura   

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Mujer flamenca, símbolo de perversión, sujeto de libertad

DGénesis García, doctora en Filología Románica y directora de la colección de flamenco de la editorial Almuzara, asocia las distintas representaciones imaginarias en torno al erotismo que se han desarrollado a lo largo de la historia de la Humanidad a tres grandes paradigmas analíticos cada uno de los cuales se identificaría con un color: el rojo, el blanco y el negro. A juicio de la autora de Cante flamenco, cante minero: una interpretación socio-cultural, el paradigma dominante en la representación de lo flamenco y de lo español a finales del siglo XIX y principios del siglo XX fue el negro. “Pero un negro”, precisó, “muy diferente al que durante esos años construyó la pintura decadentista y el simbolismo europeo, cuando el mito negro de la perversidad femenina se sobredimensionó e hizo que apareciera la figura destructiva de la mujer fatal. Se podría decir que hasta en la representación de lo negro, España es diferente”.

El paradigma rojo se relacionaría con aquellas producciones míticas, artísticas y culturales en las que se representa la sexualidad como algo natural que posibilita la reproducción. La tierra, el alacrán y la araña serían los principales símbolos arcaicos de este paradigma desde el que también se pueden interpretar manifestaciones “festivas” cristianas como las romerías (que reproducen ritos paganos en honor a la fertilidad procreadora) y, en el ámbito específico del flamenco, las zambras (bailes de fertilidad) o las sevillanas (bailes de seducción). Según Génesis García el rojo fue el paradigma dominante en la sociedad arcaica, antes de la emergencia de las primeras culturas patriarcales que sustituyeron las antiguas diosas de la tierra por divinidades masculinas (Zeus, Yahvé…). Distingue entre mitos rojos incruentos (las danzas de la fertilidad) y mitos rojos sangrientos (en los que se realiza algún tipo de sacrificio como ofrenda a las diosas de la tierra). A partir de estos últimos, se ha desarrollado un poderoso imaginario en torno al terror masculino a la castración y a la decapitación (real o metafórica), dos de los temas más utilizados en la historia del arte occidental.

Con la aparición de las primeras sociedades patriarcales emerge el paradigma “blanco” que “opone a la naturaleza procreadora la palabra creadora”. Según este paradigma, el origen del mundo no está en la “madre” naturaleza sino en un “padre” todopoderoso que se identifica con el verbo, con la palabra. El nacimiento de Atenea (que surge de la cabeza de Zeus después de que éste se tragara a Titánida de Metis para que no pudiera dar a luz a una criatura que, según el oráculo de la diosa Gea, le destronaría) es la primera gran manifestación del paradigma de lo blanco, pues simboliza la capacidad del hombre de crear sin necesidad de mujer.

El miedo a la venganza de la mujer por su pérdida de poder da lugar al mito negro de la perversión femenina que será un elemento fundamental tanto en la mitología grecolatina como en el imaginario de las tres grandes religiones monoteístas. Este mito concibe a la mujer como serpiente y demonio, como ser castrador que trae las desgracias humanas (Pandora), como hechicera (bruja) que con todo tipo de argucias y artimañas engaña a los hombres para conseguir lo que quiere. Es el mito negro de la “mujer perjudicial’ que está presente en un porcentaje muy amplio de producciones estéticas realizadas desde la Edad Media hasta el romanticismo y que a finales del siglo XIX dará un salto cualitativo para alcanzar un grado aún más elevado de perversión. “En la Europa negra del diván freudiano”, explicó Génesis García, “la mujer perjudicial se convierte en mujer fatal, una actualización del mito de Lilith -primera esposa de Adán en la mitología judía- que en la pintura simbolista se suele representar con una larga cabellera roja y rizada”.

A su juicio, la construcción del mito negro de la mujer fatal es una reacción a la aparición de un primer feminismo activista que proclamaba la igualdad entre hombres y mujeres. El nuevo modelo de mujer -autónoma, independiente, activa…- que promulga este feminismo incipiente es percibido como una amenaza y se produce lo que Génesis García califica como una “huida en negro expresionista”. Esta reacción “neurótica” hace que incluso se lleven a cabo investigaciones “científicas” (sobre todo en el campo de la medicina y de la psicología) que aportan supuestas pruebas empíricas de la pobreza mental de la mujer y de su perversidad innata.

En las producciones artísticas europeas de finales del siglo XIX abundan las representaciones plásticas de figuras femeninas muertas o inmovilizadas (un modo de neutralizar su potencial amenazante), así como las recreaciones de tres personajes bíblicos negros: Judith, Dalila y Salomé. En todas estas obras la mujer se percibe como un ser castrador, perverso y maquiavélico que utiliza sus dotes de seducción para encantar a los hombres y manipularles. Uno de los autores más representativos de este erotismo negro y tormentoso es el pintor alemán Franz Von Stuck de quien Génesis García proyectó sus cuadros Salomé y El pecado.

En la España de esta época también predomina el paradigma de lo negro pero se materializa de una forma muy diferente. De hecho, la única aproximación al mito de Judith será la Muchacha de la navaja de Julio Romero de Torres que, según la directora de la colección de flamenco de la editorial Almuzara, no tiene la fuerza de perversión de las imágenes de los pintores decadentistas europeos.”El español es un negro específico”, añadió, “un negro regeneracionista que tiene un claro propósito didáctico y moralizante: quiere mostrar la negritud para propiciar un cambio social y moral”.

Partiendo de la idea unamuniana de que los españoles “ven mejor que piensan”, el regeneracionismo se apoya en la imagen para difundir sus presupuestos éticos. Lo paradójico, según Génesis García, es que potencia la creación de representaciones plásticas negras que se terminan consumiendo por sus cualidades puramente estéticas. En cualquier caso, en las obras regeneracionistas lo que se denuncia no es la perversidad femenina, sino el profundo retraso social, cultural y económico que sufre España por el peso de la superstición y del pensamiento tradicional. En este sentido, cuando se representa a la mujer, ésta aparece como un elemento más de esa negritud, nunca como un objeto específico de perversión. Génesis García considera que no se puede olvidar que el imaginario negro regeneracionista que desarrollaron autores como Ignacio Zuloaga, José Gutiérrez Solana, Darío de Regoyos, Isidro Nonell o Santiago Rusiñol conecta con una extensa tradición literaria y artística española que comienza en el Renacimiento (cuando se publican La Celestina o El Lazarillo de Tormes), se consolida en el Barroco y tiene como una de sus figuras más emblemáticas a Francisco de Goya.

El mito negro de la mujer fatal que se construye en la Europa finisecular (a través, básicamente, de representaciones plásticas) se puede relacionar con las descripciones peyorativas de las bailaoras de los café-cantantes que se llevan a cabo en la literatura moral española la época. Hay que tener en cuenta que durante aquellos años en ciertos ámbitos intelectuales y científicos europeos se vinculaba la danza con la “condición primitiva y perversa” de las mujeres, describiéndola como un arma diabólica que éstas utilizan para seducir a los hombres y someterlos a su voluntad. En este sentido, la autora de Cante flamenco, cante minero: una interpretación socio-cultural leyó un texto publicado en 1883 en el que se describen los movimientos de unas bailaoras en un café-cantante como impúdicos, repugnantes y lascivos. “Y de forma parecida”, aseguró, “se califica en muchos sitios los bailes de La Macarrona y La Carbonera”. Este erotismo perverso de la danza siempre se ha asociado a los movimientos de la serpiente (símbolo demoníaco por excelencia) y es Romero de Torres (un artista que, según Génesis García, “pintaba en negro pero tenía el alma roja”) uno de los creadores españoles que mejor ha sabido representar visualmente dicha asociación.

Este miedo neurótico a la mujer concebida como un ser perverso y maligno (como una encarnación del demonio) se disuelve con el movimiento modernista en el que sigue teniendo relevancia el paradigma de lo negro pero sólo a nivel formal, convertido ya en elemento decorativo (lo que neutraliza su posible potencial desestabilizador). Según Génesis García, el movimiento modernista es uno de los primeros ejemplos históricos de la capacidad que tiene el mercado capitalista de asimilar discursos contrahegemónicos y/o apocalípticos para transformarlos en objetos de consumo. Uno de los ejemplos más significativos de este esteticismo que explota comercialmente el mito negro de la mujer fatal está en las fotografías promocionales de la bailarina Tórtola Valencia que, entre otras cosas, inspiraron la imagen sofisticada y glamurosa que desarrolló el artista novencentista Esteve Monegal para la empresa de perfumes Myrurgia.

Todo esto coincide con un momento en el que desaparecen los café-cantantes y artistas e intelectuales como La Argentina, Manuel de Falla, Federico García Lorca o Sergei Diaghilev crean una mitología blanca en torno al flamenco que parte de una visión idealizada del arte jondo (que reivindican como la manifestación artística que mejor expresa la esencia cultural de lo andaluz y de lo español). El punto culminante de esta reivindicación del flamenco en clave “blanco esencialista” es el Concurso Nacional de Cante Jondo que se celebró en Granada en 1922. Uno de los organizadores de este certamen, Federico García Lorca, fue en los años treinta el principal impulsor de un nuevo paradigma negro de lo flamenco basado en la noción de “soníos negros” que desarrolla en su artículo Teoría y juego del duende (1933). Según Génesis García, los soníos negros se asocian a la memoria arcaica “del grito del animal degollado” que nos remite a la cultura mítica de las diosas de la tierra.

A partir del Lorca de Teoría y juego del duende, el imaginario visual del flamenco se ha formulado casi siempre en “negro expresionista”. Por ejemplo, en las obras de pintores vinculados a la generación de los cincuenta como Rafael Canogar, Manuel Millares o Antonio Saura; en los retratos de artistas jondos realizados por David González López “Zafra”; o en el cartel que elaboró Miquel Barceló para la trigésimo novena edición del Festival del Cante de las Minas de La Unión. “Y para ver expresionismo negro flamenco en todo su esplendor”, señaló Génesis García, “recomiendo el capítulo titulado Cantaoras de la serie televisiva Rito y Geografía del Cante, donde no aparecen artistas profesionales, sino cantaoras flamencas anónimas”.

En la fase final de su intervención en el seminario La noche española. Flamenco, vanguardia y cultura popular, Génesis García indicó que a finales del siglo XIX y principios del siglo XX la mujer “hispano flamenca” fue antes que “objeto de perversión, sujeto de libertad”. Hay que tener en cuenta que en España no se había desarrollado la sociedad burguesa como en otros países europeos y las mujeres, por lo general, no habían perdido sus espacios tradicionales de socialización. “La mujer española”, explicó Génesis García, “no vivía sometida al enclaustramiento que sufría la mujer burguesa europea que fue la que, al reclamar su condición de sujeto, hizo que los hombres sintieran que su posición dominante se tambaleaba y reaccionaran creando una versión neurótica del mito negro de la perversidad femenina”.

 

 

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Bailar a 360 grados

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Israel Galván: «He firmado la paz con el público»

El bailaor inaugura la próxima Bienal de Flamenco de Sevilla con «Arena» en la plaza de toros de la Real Maestranza

Israel Galván se sitúa en el centro del coso y pisa el albero de la Real Maestranza de Sevilla. Mete los pies en el polvo amarillo. Toca las palmas. «En esta plaza la sonoridad es distinta según te pongas», dice pensando en su próximo reto. Será el 6 de septiembre cuando inaugure la Bienal de Flamenco de Sevilla con su obra «Arena» en este coso maestrante. «No me lo pensé cuando me lo ofrecieron, porque era en esta plaza. Reponer “Arena” en un teatro no lo veía, pero venir a este lugar es único. Ahora tengo que hacer un entrenamiento físico y mental, porque hay que saber estar en esta plaza y medir muy bien los movimientos».

Dice el bailaor que ha pasado por otros «toros grandes», como el año pasado cuando estrenó «La Fiesta» en el palacio de los Papas en Aviñón: «Me he dado cuenta de que estas cosas grandes me hacen bailar de otra manera. A lo largo de los años mi baile ha cambiado, y esto me ayuda a convertirme en otro bailaor, lo que hace que no me aburra del baile».

Con los años asegura que es más flamenco: «Cuando sales fuera te tratan como flamenco. La única cosa que yo tengo es mi raíz, aunque luego tenga mi libertad bailando. Fuera, cuando me ven, no quieren que haga un número de teatro, quieren que baile flamenco, a mi forma, pero flamenco».

El artista repasa su historia personal. Es hijo de los bailaores José Galván y Eugenia de los Reyes. «Toda mi carrera tiene que ver con el hecho de que yo no quería bailar. Y, como no quería, si bailo, bailo así. Hay una rebeldía contra mí mismo y también contra mi familia, porque mi padre quería que yo bailara a la fuerza». Reconciliado hace años con su padre, envidia de él su genética: «Con la edad que tiene y sigue bailando como un niño. Mi padre pasó una etapa diciendo “que lástima este hijo mío…”, y luego, cuando me han dado medallas, ya se alegra y le da valor, aunque algunas cosas siguen sin gustarle», asegura.

El artista plástico Pedro G. Romerosigue colaborando con Israel Galván, aunque el bailaor afirma que ahora está pero ya no está. «Yo, con Pedro G., hice una carrera de artes plásticas en cuatro años. Me dio muchísima información. Fue una época en que sólo leía, incluso me puse más gordo porque sólo leía, comía tapas y hablábamos. Fue una etapa muy poco física».

Pero fue una bailarina de contemporáneo que le dirigió en «Fla-co-men», Patricia Caballero, «la que me quitó el sufrimiento que yo arrastraba con el baile. Con ella me divertí bailando».

Dice Israel Galván que el baile ha sido siempre su amigo. «En los momentos malos he bailado por desahogo, por apartarme del mundo. Te das cuenta de que el público es como tu familia. Yo no soy muy sociable, pero sin embargo con el público sí me encuentro cómodo».

Cada lugar donde ha bailado vive de una forma distinta su arte: «Soy un cuerpo que suena, que pisa el lugar, y siempre pienso a ver qué suelo me voy a encontrar. Y luego me ocurre que en cuanto salgo al escenario sé cómo está el público y me dejo llevar. Hace mucho tiempo que firmé la paz con el público. Si te vas, no me enfado. Pasó en Aviñón y me recordó a los “Zapatos Rojos”. Voy a hacer “El amor brujo” y la “Consagración de la Primavera”…, y no sé qué pasará. En el circo gitano de París voy a hacer una obra con unos gitanos rumanos y bailo con unos gatos del circo» (le tiene pánico a los gatos).

Durante la entrevista da sentencias como «si no bailara estaría muy mal, no sería una persona apto», o «cuando bailas mal es una alerta, tu mente no está bien». Y en su memoria, un nombre, Mario Maya: «Su espíritu está aún en mi cuerpo y lo necesito. Con él aprendí la manera de estar en el teatro».

«El muerto encima»

Cuando estrenó «Zapatos Rojos» tuvo un ataque de pánico y abandonó la escena. Manolo Soler le sacó a trompicones al escenario, donde permaneció quieto un largo minuto, mientras el público creía que era parte de la obra. «Dicen los mexicanos que eso ocurre cuando “se te pone el muerto encima”… No sé, muerto o energúa, a veces me ocurre».

Fuente: https://www.abc.es/cultura/abci-israel-galvan-firmado-publico-201808050146_noticia.html

 

 

EFE:

El bailaor Israel Galván, que ha revolucionado la danza flamenca con un peculiar estilo que no deja de explorar los límites de esa expresión, Inaugurará la XX Bienal de Flamenco de Sevilla al anochecer del 7 de septiembre bailando sobre arena, por todo el redondel de la Plaza de Toros de la Maestranza.

“Creo que me va a dar un subidón, porque si no es imposible”, ha dicho el bailaor en un encuentro con los periodistas en el graderío de la Maestranza y como respuesta a la pregunta de si ya se había colocado en el centro del albero y se había hecho cargo de las proporciones del que será su escenario en la apertura de la Bienal, con el público en las gradas.

Galván pondrá sobre el albero el espectáculo “Arena”, que obtuvo el Premio Nacional de Danza en 2004 y que le valió, aun insistiendo en su manera innovadora de entender el baile flamenco, para reconciliarse con el público, tal y como él mismo ha evocado hoy acompañado por el director de su espectáculo, Pedro G. Romero, y el de la Bienal, Antonio Zoido.

“El reto es ahora bailar en 360 grados; me gusta bailar en sitios que no son lógicos para bailar porque encuentro sonidos nuevos; y la energía que me da este lugar me va a hacer bailar de otra manera; el reto me hace estar más centrado, además de que éste exige un buen físico y un buen espíritu”, ha dicho el bailaor y coreógrafo.

No es la primera vez que Galván actúa en una plaza de toros, pero sí la primera vez que lo hace sobre la arena y en 360 grados, “y menos aquí”, ha dicho mientras señalaba con el gesto la Maestranza de Sevilla.

El bailaor ha confiado en que le sirva “para después”, mientras que Pedro G. Romero ha señalado que hay planes para girar la nueva versión de “Arena” por otras plazas de toros, principalmente del sur de Francia, donde a su juicio reside el futuro de la fiesta de los toros.

Galván también ha adelantado que piensa utilizar todos los elementos del redondel como si se tratara de una orquesta, desde las tablas del callejón hasta los cerrojos metálicos.

“Tendré que estar pendiente de la forma circular, de la geometría, buscando la línea curva”, ha señalado al recordar que el espectáculo tendrá “tiempos diferentes” e integrará seis bailes, lo que enlaza el rito taurino.

Sobre si “Arena” se seguirá reconociendo sobre la arena, ha asegurado que no ha querido hacer otra obra: “No he querido cambiarla, pero han pasado cosas que me afectan, en el cuerpo y en la mente”.

Sobre el basamento del espectáculo original en la rivalidad de Belmonte y Joselito, Galván ha dicho: “Belmonte me afectó mucho; eso de quedarse quieto bailando; la revolución”.

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Saura flamenco

Carlos Saura: «Me gustaría hacer una nueva película sobre el flamenco»

El cineasta presenta en la Fundación Cajasol «España Años 50», un conjunto de 90 fotografías tomadas desde los 19 años

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Entrevista

Llegó vestido con una guayabera blanca, casi caribeña, y una cámara Sony colgada del cuello «normalmente llevo una Fuji. Lo que quiero de una cámara es que no pese». Carlos Saura, (Huesca, 1932), director de cine con películas míticas a sus espaldas como «Prima Angélica», «Cría cuervos», «Mamá cumple cien años»…, siempre ha llevado una cámara en la mano, pero no de cine, sino de fotos.

Ayer en la sala Murillo de la Fundación Cajasol se inauguró una exposición titulada «España años 50», que recoge noventa imágenes que Saura empezó a realizar con 19 años, algunas de ellas, las referidas a Madrid, como trabajo de fin de estudios. Con esa edad realizó su primera exposición fotográfica en la Real Sociedad Fotográfica de Madrid. Era el año 1951.

La subdirectora de Acción Cultural de la fundación, Rosa Santos, dijo en la presentación que la fotografía de Saura nos conserva la memoria.

Como explicó la comisaria de la muestra, Olivia María Rubio, «podía haber sido un gran fotógrafo, a la altura de nombres internacionales como Cartier Bresson o de Eugene Smith. Durante años trabajó como reportero gráfico cubriendo el Festival de Música y Danza de Granada y el de Santander. Incluso el diario ABC le publicó una foto en portada, y quiso ficharlo una revista como París Match, algo que rechazó para dedicarse al cine».

La exposición tuvo una publicación en forma de catálogo editado por La Fabrica, «pero lamentablemente calculamos mal, hicimos una tirada pequeña y se ha agotado», señaló Rubio.

Carlos Saura dijo que considera Andalucía como su segunda patria, «pero soy aragonés, cuidado». Confesó que como fotógrafo nunca quiso depender de nadie, «no quería que me encargaran cosas, quería elegir y no estar limitado. Era la única forma para mí de ser fotógrafo, Pero soy un aficionado, por eso, porque sólo un amateur puede hacer las fotos que le da la gana».

En la exposición, imágenes de Andalucía, «pero no recuerdo dónde, decía Saura, creo que éstas son de Guadix», de mujeres y niños en medio de casas encaladas; secuencias de un Madrid gris lleno de humo pero también de vida, de pueblos con calles sin asfaltar y transporte con mulas, «la mirada de Carlos Saura es de una enorme empatía ante un pueblo que estaba recuperándose de una guerra», añadió la comisaria.

Para Carlos Saura, la fotografía en este momento, «está al alcalce de cualquiera, basta tener un móvil. Pero, ¿qué pasa con esas fotos que se quedan en los teléfonos. El fotógrafo antes tenía equipos valiosos que cuidaba, no podía hacer fotos como una ametralladora y por eso tiraba con cuidado, y luego venía lo artesanal. Yo revelaba mis fotos, era un proceso lento pero apasionante. Ahora, con un programa de ordenador, se cambian y ya está». Cree que las cámaras de fotos desaparecerán, «las fábricas deben estar temblando. Quedarán los móviles».

Confesó tener muchísimo material, «he hablado con Chema Conesa y quiero hacer otro libro».

Confiesa que siempre está haciendo fotos. «Tengo seis hijos y una hija, Ana. Los chicos cuando me veían con la cámara, salían corriendo. Mi hija no, así que le hago muchas fotos a ella todo el tiempo».

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El flamenco

Recordó el cartel que realizó para la XIV edición de la Bienal de Flamenco que fué acompañado por un libro con fotografías que el propio Saura realizó durante la grabación de la película «Flamenco» en 1995.

Su primera incursión en el mundo flamenco fue en 1955 con un cortometraje que se llamó «Flamenco». «Luego me encontré con Juan Lebrón, un gran tipo al que no han tratado muy bien. Con él hice «Sevillanas» en 1991 y luego «Flamenco». Tengo un material fantástico de aquellos días. Me gustaría hacer una tercera película sobre flamenco, porque es la mejor música que hay en España, capaz de anexionarse a otros ritmos. Hay un flamenco nada ortodoxo que se siente en el ambiente y que está dando lugar a un nuevo flamenco. Esa podría ser la número tres de mis películas de flamenco».

Confesaba que pese a su oficio como fotógrafo, «nunca condicionaba a mi director de fotografía cuando hacía cine, porque además, la luz en blanco y negro es diferente a la de color. Iluminar en color es dificilísimo. Siempre he trabajado con grandes directores de fotografía, como el sevillano Teo Escamilla o Storaro, ellos hacían su trabajo».

Confesó también que junto a Juan Lebrón intento hacer una película sobre la música del Caribe, «queríamos grabarla con músicos de Cuba, porque había que contar con Cuba claro, pero al llegar a Miami gente como Celia Cruz y como mi amigo el actor Andy García me dijeron que si trabajábamos con gente de la isla, boicotearían la película. Y no se hizo. Aún hay gente que me la pide, y me dicen que hay que hacerla, pero ya es un poco tarde».

Saura es el director de la gran trilogía del baile flamenco que realizó junto a Antonio Gades: «Bodas de sangre» 1981, «Carmen» 1983 y «El amor brujo» 1986. En el año 1991 realizó «Sevillanas» y en 1995, «Flamenco», «de aquella película muchos ya no están como Camarón, Paco de Lucía, La Paquera, Paco Toronjo… fue increíble». En 2005 volvió a grabar el flamenco en la película «Iberia», con Antonio Canales, Sara Baras, Enrique Morente…, «tengo que seguir con el flamenco», comentó el cineasta quien también dedicó a la jota de su tierra un film titulado «Jota de Saura» en 2016.

La exposición «España de los años 50» estará abierta al público desde el seis de julio hasta el dos de septiembre en la Sala Murillo de la Fundación Cajasol, en horario de 11 a 21 horas, de lunes a sábado, y de 11 a 18 los domingos y festivos

 

fuente: https://sevilla.abc.es/cultura/sevi-carlos-saura-gustaria-hacer-nueva-pelicula-sobre-flamenco-201807062221_noticia_amp.html?__twitter_impression=true

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Identidad Romaní

La cultura y la diversidad gitanas tiene su espacio en la programación de M21 Radio

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Joaquín López Bustamante y Manuel Moraga conducen “Ververipen, un magazine que quiere destacar las aportaciones gitanas a la cultura española. Cumpliendo con su finalidad de servicio público, la radio de los madrileños da voz a la minoría étnica más antigua y más numerosa de Europa: un millón de españoles son gitanos,
unos 90.000 de ellos viven en Madrid y cada uno tiene una forma diferente de sentir su gitanidad. De ahí el nombre del programa, Ververipen, palabra que en la lengua romaní significa diversidad.

En esta hora de radio semanal Joaquín López Bustamante y Manuel Moraga van a ir destacando las aportaciones de los gitanos a los ámbitos sociales, profesionales, académicos y, desde luego, culturales y artísticos, poniendo de relieve las contribuciones gitanas a expresiones como las artes plásticas, el cine, la literatura, las artes escénicas o, desde luego, la música que va a tener un lugar preferente en Ververipen, ya que la impronta romaní está presente en infinidad de géneros musicales: desde el flamenco a la clásica, pasando por el folklore, el jazz o hasta el rap. Asimismo, tendrán voz en la sección “Shirdel drom” (abriendo camino) las iniciativas del asociacionismo romaní, especialmente el movimiento de mujeres gitanas y las nuevas generaciones de gitanos que trabajan por un futuro mejor.

La primera edición de Ververipen se ha emitido este lunes 13 de febrero, con una entrevista a la profesora gitana Araceli Cañadas Ortega (titular de la asignatura “Gitanos en España. Historia y cultura” en la Universidad de Alcalá de Henares) y un recuerdo a las aportaciones gitanas a la movida madrileña, entre otros contenidos

Ververipen se emite los lunes de 20:00 a 21:00 en M21, la radio del Ayuntamiento de Madrid, en el 88.6 FM y a través de http://www.m21radio.es

 

 

fuente : http://guiadelaradio.com/la-cultura-y-la-diversidad-gitanas-tiene-su-espacio-en-la-programacion-de-m21-radio

 

 

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Día Internacional

Qué hace un bailarín cuando ya no puede bailar?

DÍA INTERNACIONAL DE LA DANZA »

La retirada de los escenarios supone un momento traumático que puede derivar en una situación de exclusión social. EL PAÍS recoge la experiencia de varios profesionales en el Día Internacional de la Danza

José Triguero, bailarín retirado, retratado el jueves ante los autobuses de la empresa Arriva DeBlas, donde trabaja como conductor. ÁLVARO GARCÍA

Hace veinte años José Triguero era primer bailarín del Ballet Español de María Rosa. También actuaba como solista invitado en galas y espectáculos. Pero en 2004, poco después de cumplir los 30, hizo balance: llevaba media vida trabajando pero solo tenía tres años cotizados. Esto es habitual en un sector tan precarizado en España como la danza: pocas compañías pueden mantener contratos estables, así que la mayoría solo dan de alta a sus artistas los días que actúan en funciones. Triguero quería formar una familia. Siendo optimistas, le podían quedar unos cinco años a pleno rendimiento. ¿Qué hacer? ¿Seguir hasta que el cuerpo aguante? ¿Elaborar un plan B y retirarse prematuramente? ¿Para qué sirve un bailarín cuando ya no puede bailar?

“Es un momento traumático. Cuando se rompe la burbuja de las giras, los aplausos, la rutina de bailar cada día… te quedas descolocado”, recuerda Triguero. “Yo decidí retirarme de forma prematura a los 31, en lo más alto de mi carrera, porque veía que cuanto más tiempo dejara pasar, más difícil iba a ser recuperar los años no cotizados”, explica. De pronto, surgió la oportunidad de reciclarse como conductor en una empresa madrileña de transporte interurbano, Arriva DeBlas, donde dieron valor a las cualidades que había desarrollado en su carrera (disciplina, control reflejo). Lo contrataron precisamente por eso. Catorce años después, no se arrepiente de su decisión. “Me gusta mi nueva profesión. Seguir bailando no era viable”, afirma.

Comparemos esta historia con la de otro bailarín español, Juan Eymar, que debutó en el Ballet de Carmen Roche en 1998 con solo 14 años. En 2001 dio el salto a Europa y se integró en distintas compañías en Suiza, Alemania y Holanda. Pero en 2011, después de un tiempo luchando contra una lesión, se vio obligado a retirarse. No había cumplido los 30. Tuvo la suerte de que ese momento lo pillara trabajando en Holanda, donde existe un sistema regulado de apoyo a la transición profesional: recibió 10.000 euros (de un fondo estatal al que contribuyen tanto las compañías como los bailarines durante su vida activa) para gastarlos en cursos de reciclaje. “Ese dinero te regala un tiempo precioso. Te permite explorar distintas posibilidades con calma en un momento traumático, ver en qué oficio puedes encajar mejor y prepararte para ello”, resume Eymar.

Francia, Reino Unido, Hungría y Alemania tienen programas de transición parecidos: algunos se financian enteramente con fondos privados, otros reciben donaciones y otros son mixtos. El sistema holandés, según los profesionales del sector, es modélico. Cuanto más tiempo lleve un bailarín en activo en ese país, más dinero puede recibir al final de su carrera: hasta 60.000 euros en algunos casos. Eymar invirtió esa indemnización en formarse como docente e instructor físico. Hoy es coreógrafo, maestro de danza y profesor de la escuela del English National Ballet en Londres.

En España no hay nada. Ni un simple programa de orientación laboral específico. El mes pasado, durante unas jornadas organizadas por varias asociaciones profesionales de danza con el auspicio del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM), se puso en evidencia el alto nivel de exclusión social que sufre el colectivo de bailarines retirados, un problema que no existe en los países donde sí existen fórmulas de apoyo. En Holanda, según un informe interno, el 85% de los que se acogen a su sistema de reciclaje encuentra trabajo durante el primer año dentro de su campo de formación.

La bailarina y coreógrafa Manuela Nogales, en primer término, en una imagen de su espectáculo ‘La piel del tiempo’ (2015). Ro Menéndez

Manuela Nogales es un ejemplo de lo negro que, en cambio, suele ponerse el horizonte para un bailarín en España a medida que avanzan los años. Pionera de la danza contemporánea en este país, Nogales lleva más de tres décadas trabajando, pero aún le faltan cuatro meses de cotización para alcanzar los 15 años necesarios para acceder a una pensión no contributiva. Otra paradoja: imparte clases magistrales en conservatorios, pero no puede ser profesora titular porque no tiene estudios reglados. “En Francia hay un protocolo para convalidar la experiencia con la formación académica”, lamenta. Ahora, después de dos años paralizada por una hernia discal, Nogales vive gracias a una ayuda de 500 euros que recibe de la SGAE que caduca en verano. “¡Quién sabe qué pasará después!”, exclama.

Con un horizonte es tan negro, ¿quién puede querer ser bailarín en España? En otras palabras: ¿quiere ser España un país sin bailarines? Los profesionales insisten en la necesidad de que el Estado se implique en la elaboración de un plan de transición laboral. “No estamos pidiendo privilegios por ser artistas. Pedimos únicamente que se aplique aquí alguna de esas fórmulas que funcionan en Europa”, advierte César Casares, bailarín retirado y coordinador de la asociación Danza T.

En realidad, en España sí existe un programa de reciclaje de bailarines, pero solo afecta a los que tienen una plaza indefinida en las compañías estatales (Ballet Nacional de España y Compañía Nacional de Danza). Hoy día muy pocos la consiguen (por demanda judicial tras encadenar contratos temporales), pero en los inicios de estas formaciones, en los años ochenta, todos los miembros estables alcanzaban esa consolidación gracias a un acuerdo que lograron con el Ministerio de Cultura. Pero eso derivó en un problema posterior: ¿qué hacer con los bailarines funcionarios cuando ya no pueden bailar?

Cuando Nacho Duato tomó las riendas de la Compañía Nacional de Danza, en 1990, decidió cambiar el perfil de la formación (de clásica a contemporánea), lo que suponía cambiar también el perfil de los bailarines. Eso precipitó la retirada prematura de muchos y obligó a elaborar un programa de reciclaje dentro de la propia Administración. Se firmó un convenio en 1995 que resultó un éxito: se les ofreció formación en varias áreas (gestión artística, informática, tramoya, documentación) para incorporarse después en esos puestos dentro del INAEM.

Actualmente hay 56 exbailarines trabajando en funciones administrativas o de gestión en el INAEM. Muchos han sido absorbidos en la gestión de los propios ballets, pero hay otros que se han descubierto como genios en otras áreas. Por ejemplo, cuando colgó las zapatillas en 2001, Antonio Fernández se reveló cómo el informático que lo arregla todo. En el INAEM lo adoran. “En aquel momento había voluntad y sensibilidad en el organismo. Supieron ver que los bailarines tenemos muchas capacidades que se pueden aprovechar para otros oficios, solo necesitamos un poco de formación técnica”, recuerda Hans Tino, que fue primer bailarín con Maya Plisetskaya y presidente del comité de empresa cuando se firmó el convenio. Él mismo es un caso de reciclaje exitoso: fue gerente del Ballet Nacional de España en la etapa de Aída Gómez y desde hace 12 años es coordinador del Portal de la Danza.

Ref. : https://elpais.com/cultura/2018/04/28/actualidad/1524901932_968747.amp.html

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Sobre blogs

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Bloguea que algo queda (Historia de los blogs y alguna que otra reflexión), por Pepi Bauló

¿Es ya una cosa viejuna y pasada de moda escribir blogs? ¿A dónde van los blogs que se mueren? ¿Eres más de blogger, de tumblr o de wordpress? ¿Quiénes fueron Justin Hall o Jorn Barger, pioneros de todo este movimiento de nombre mutante que es tan antiguo como la propia internet? ¿Cuántos posts seguidos puede un ser humano escribir sin recibir siquiera un like de su propio avatar? A estas preguntas se responden en Bloguea, que algo queda, una Historia de los blogs escrita por una de nuestras blogueras más documentadas y divertidas, la barcelonesa Pepi Bauló. Ojo, no es un tuit. Pero se lee con más agrado que los 140 caracteres de algun@s que yo me sé. Once upon a time…

 

“La mejor manera de evitar que Internet y la World Wide Web se conviertan en una gran masa de basura es contar historias humanas.” Justin Hall, pionero de los blogs. “Céntrate en las historias menores y no serán pequeñas si lo haces bien.” Gay Talese, periodista

Yo tenía un blog por esas blogosferas de dios como quien tuvo una granja en África. Recuerdo, oh, nueva batalla perdida del español, que en aquel tiempo todavía se estilaba que esas publicaciones personales en la World Wide Web se llamaran bitácoras. Nosotros, navegantes novatos de internet, también hacíamos el papel de náufragos lanzando miles de mensajes dentro de una botella a las aguas insoldables del código y el hipertexto.

En realidad, tuve varios blogs de temática siempre indeterminada y macedónica. Primero firmaba con pseudónimos rimbombantes. Luego más de andar por casa. Al final sucumbía un ataque de ego surf y me mostré al natural, con mi nombre y apellido. Hasta con mi cara. Y de ahí no he pasado. Tampoco he pasado de un pequeño número de lectores. Tengo la suerte de haber sido siempre “leída” por un grupito de gente (¡hola, grupito!). La familia y los amigos, los cuatro compañeros en el instituto de secundaria y la docena en la Universidad. Ahora me lee más gente, pero no pasa de ser un número discretísimo teniendo en cuenta que, en potencia, podrían leerme miles de personas y desde cualquier punto de planeta. Porque, con internet, lo que ha cambiado es eso: la potencial amplitud de la onda expansiva. Claro que primero hay que lograr que algo haga boom. O bang, o pop… cualquier cosa que no sea bluf.

El tema del presente texto, sin embargo, no es quién me lee sino desde cuando se publican miles de blogs al día. Para hacernos una idea de las dimensiones del asunto que se cuece detrás de ese “miles de blogs”, nos iremos de paseo por los orígenes de un formato tan familiar que me estáis leyendo en el interior de uno de ellos: el blog de la térmica.

Un blog, dos blogs, tres blogs…

Desde 2012, año en el que el diccionario de la RAE admitió el neologismo que desbancase a la marinera expresión “bitácora en red”, blog se define oficialmente en castellano como “Sitio web que incluye, a modo de diario personal de su autor o autores, contenidos de su interés, actualizados con frecuencia y a menudo comentados por los lectores”.

Siendo bloguero/ra lo relativo al blog o persona que lo gestiona.

A lo poeta urbano, se diría que es un dietario personal colgado a la intemperie en medio de la calle para lectura de cualquier caminante solitario, entendiendo por calle ese nolugar que llamamos internet y por caminante cualquier seguidor o lector ocasional. Lo de solitario es más discutible porque no se dan muchos casos de lectura de blog en grupo, pero, en principio, su publicación se destina a una comunidad.

Como sucede en los diarios tradicionales, consiste en una sucesión de textos actualizada con cierta periódica frecuencia, a base de artículos de extensión indeterminada que se denominan post o entradas. A diferencia del modelo clásico, los textos se ordenan cronológicamente en sentido inverso, es decir, desde la fecha más cercana a sus inicios.

 

Esa exposición al dominio público emparentaría al blog con los clásicos pasquines, literatura de cordel o pregones, sobre todo cuando el blog persigue el análisis crítico y hasta satírico de la actualidad. Pero temo agotar la paciencia del lector con una invocación tan remota de las costumbres si, para decirlo de una forma más directa y simplificada, los blogs son la herencia de los tablones de anuncios digitales, los Bulletin Board System.

La primera manifestación basada en ese sistema de intercambio de noticias online se ha documentado en 1982, cuando al cerebrito informático de Tom Jennings se le ocurrió conectar su boletín electrónico con el de un amigo y de esa ocurrencia experimental surgió la simpática red de computadoras Fido Net. Simpática por lo de Fido, nombre habitual de mascota que encajaba en el asunto este del rastreo de información. Habrá quien encuentre también muy simpático, o por lo menos chocante, el perfil de Jennings, anarco-activista homosexual de San Francisco con el cráneo tan lleno de tatuajes como de innovadores proyectos tecnológicos.

Eran los tiempos del pre- World Wide Web, en que también se iniciaron los primeros hilos de conversación en red entre grupos de usuarios. Redes embrionarias a finales de los años 70 pero fuertemente desarrolladas en la segunda mitad de los 90, como Usenet, considerada la evolución de las primeras transferencias de archivos en modo UUCP, Unix to Unix Copy Protocol.

La sucesión de siglas y conceptos que podríamos traer a colación es un apabullamiento poco necesario para el fin que perseguimos en este humilde texto. Baste considerar que allí, ordenados por temas, cronología o cualquier otra jerarquía, comenzaron a crecer y multiplicarse, sin que apenas fuésemos conscientes de ello, los mensajes cruzados a través de miles de servidores distribuidos y actualizados mundialmente que los guardaban y transmitían.

Los evangelistas de la era blog

Los evangelistas de la era blog o donde se verá qué curiosas y variadas personalidades ostentaban los padres del blogueo.

No sabemos si sucedió en un garaje, pero como mandan los más asentados tópicos del mundo internauta, la citada Usenet, acrónimo de Users Network, fue una creación de Tom Truscott y Jim Ellis, estudiantes de la Universidad de Duke. Tal vez a causa del conocido espíritu competitivo de las universidades yanquis, en 1994, también fue un estudiante de periodismo, esta vez de la Universidad de Swarthmore, Justin Hall, quien se agenciaba el honor de ser considerado el primer bloguero por su Justin’s Link from the underground.

En relación con la figura de Justin, invito al visionado del siguiente documento que no tiene desperdicio ninguno. Veinte años después, este bloguero pionero reflexiona sobre lo que significó la exposición de su privacidad en internet.

Pudo ser él o cualquiera de sus compañeros del campus. Simplemente fue alguien en algún lugar estrenando una modalidad del narcicismo digital –con el voyerismo digital correspondiente, évidemment– y viajando con ella por las autopistas de la información. Así fueron los comienzos de los blogs considerados personales. Uno de sus atractivos principales era que tenía lugar en un contexto comunicacional cercano a la conversación. El blog no solo exponía un conjunto de informaciones u opiniones, sino que interpelaba tácitamente al lector invitándolo, si así lo deseaba, a efectuar una réplica. La interactividad estaba asegurada y potenciada por la flexibilidad del propio medio. La emisión, la recepción y las reacciones multiplicadoras del mensaje podían ser simultáneas, pero también podían suceder a conveniencia de los interlocutores. Ello sin entrar en que el número de interlocutores en esta transacción de mensajes y archivos podía llegar a abarcar, como decíamos al principio, potencialmente a todos los usuarios de internet.

2 (d.J), o sea, dos años después de Justin, otro norteamericano, el desarrollador de software Dave Winer, lanzó el primer blog de noticias sobre política y tecnología de la historia, Scripting News. Los seguidores ya podían escoger a qué tipo de liana agarrarse para avanzar en la selva de temas, datos, referencias… con el grado de recurrencia deseada.

Centrándonos en las nomenclaturas, es de dominio público que, en ese mismo año, 1997, Jorn Barger se convirtió en el introductor de la palabra weblog para referirse a su propio site, Robot Wisdom, en el que referenciaba cientos de páginas de noticias que a su vez le precedieron como Mosaic’s What’s new. Desarrollada en 1989 por Tim Berners-Lee, especialista informático británico en el laboratorio de física del CERN (Conseil Européen pour la Recherche Nucléaire) en Ginebra, Mosaic se anunció en las páginas del New York Times como una novísima manera de usar el mouse para invocar archivos de texto e imagen con un solo clic y sin tener que saber escribir el código. Saltaba la noticia como salta la liebre, y allí estaban Jorn Barger y otros para sacarle un partido inmenso.

Si los muy interesados en los aspectos más freaks de esta historia indagan algo más sobre Barger descubrirán cosas curiosas: que este genio del hipertexto y la condensación de noticias vive actualmente en Socorro, Nuevo México, sin trabajo fijo conocido, que es una autoridad en James Joyce o que hace tiempo fue acusado de antisemitismo lo que, tal vez, fuese la causa de su progresivo alejamiento de los focos de actualidad. Personalmente me parto con su manera de expresarse. Aquí un decálogo que la revista WIRED publicó a propósito del décimo aniversario de su acuñamiento del término blog. Su tercer consejo es oro y nos hace polvo a todos los que escribimos blogs y no blogs: “Si dedica un poco de tiempo a buscar antes de publicar, probablemente ya pueda encontrar su idea bien articulada en otra parte”.

Su viejo blog se encuentra inaccesible, aunque podemos disfrutar de la lectura de materiales y enlaces en Robot Wisdom Auxiliary y otras publicaciones de Barger que son una auténtica cornucopia de información. En realidad, eso son los blogs pero todos nos alegramos de que no decidieran llamarlos cornucopias.

Diré algo de Barger y creo que más de uno me dará la razón: la vida de este tipo se merece un filme al estilo de The Social Network(2010) sobre la vida de Mark Zuckerberg. El legado de su Robot Sabio contribuyó a crear la blogosfera tal como la conocemos ahora y estableció algunas coordenadas de flujo de información que, si no eran las que hoy tiene Facebook, las auguraban a rabiar.

 

Tras su característico aspecto, Jorn Barger un habilidoso mago del metadato y el hipertexto que se dedicó reescribir o, mejor dicho, tomar anotaciones “sobre” las webs.(Derechos de autor de la ilustración de First Site Guide)

Volviendo a nuestra historia, la completaremos diciendo que para cuando, en 1999, un tal Peter Merholtz dividió el término weblog en el subtítulo de su página Peterme, dio lugar al palabro que acabó por llevarse el gato al agua: blog. Por si os interesa, Peter es en la actualidad uno de esos estrategas de la experiencia de usuario en red que marca tendencia cada vez que abre la boca para dar una de sus charlas.

El irresistible atractivo del DIY

Los años noventa fueron, quién lo niega, una década prodigiosa de lo digital. Prodigi(tal)osa. Sin embargo, fue en el estreno del siglo XXI cuando el fenómeno blog adquirió velocidad de crucero favorecida por la llegada de plataformas de creación, como WordPress o Blogger, que permitían a cualquier persona sin demasiados conocimientos informáticos, de forma simple y gratuita, hacer la botadura de su blog dedicado instruir sobre el cultivo del champiñón, a informar sobre los conciertos de la temporada operística de su ciudad, a dar consejos a las madres primerizas, a hacer campaña a favor de un candidato a la presidencia del país o a denunciar la construcción de hoteles ilegales en la costa.

WordPress, convertida en Fundación y con una espectacular comunidad de desarrolladores y diseñadores, ha avanzado tanto como gestor de contenidos que ha acabado siendo una de las principales herramientas de creación de páginas web comerciales, institucionales y personales.

Blogger fue adquirida a la empresa de sus creadores, Pyra Labs, en 1999 por los linces de Google que advirtieron su tremendo potencial tan solo a los cuatro años de su creación. Igual no lo sabes, espero que lo sepas o que no te moleste saberlo, pero si tienes una cuenta Gmail eres un sujeto Google y si eres un sujeto Gloogle tienes un Blogspot esperándote en un rincón de tu cuenta desde hace casi 20 años. Tú mismo.

Imposible hablar aquí del resto de plataformas para la creación y gestión de blogs: Blogware, Dotclear, Livejournal, Jekyll, Movable Type y Typepad, Textpattern, Wix, Svbtle, Yola, Weebly, Postach.io, Medium, Ghost… Tan imposible como resistirse a ser bloguero a poco que se tenga algo que decir al mundo, en general, o a algún micromundo, en particular.

Con ciertas limitaciones o peajes, el usuario de internet medio vino a tener, en la punta de sus dedos, la capacidad de “publicar” sus opiniones sin depender más que de una computadora doméstica y de una conexión a internet. Toda una explosión del Do it yourself en versión tech. Como sucede con el mundo de las manualidades, caídas en desuso cuando era más sencillo comprar que producir uno mismo lo que necesitaba y recuperadas en tiempos de crisis económica, tal vez los blogs tienen su razón de ser en tiempos de cuestionamiento del pensamiento único y del monopolio de los mass media.

La revolución de los blogs(La Esfera de los Libros, 2006) lo llamaba el experto José Luis Orihuela en su libro sobre el tema hace más de una década. Una década después, se podría levantar un gran obelisco con todos los estudios que se han llevado a cabo sobre la influencia de los blogs en la sociedad y el calibre de esa revolución, con un destacado aumento de los que empiezan a preguntarse por su futuro.

Pero pretendíamos aquí, pretendo aún, versar sobre la historia de los blogs, no sobre su porvenir. Su aparición en el horizonte de la tecnología y la comunicación venía a ser como el cumplimiento de una profecía del padre del cyberpunk, el escritor de ciencia ficción William Gibson, autor de, entre otras, la magnífica novela Neuromante (1984) y de, entre otros, del memorable relato Johnny Mnemonic (1995). Él supo que en mundo sepultado bajo toneladas de información microprocesada, algunos deberían ser diestros en rastrear aquella que nos ha de ser necesaria. Esos bien podrían ser los evangelistas del blog y sus discípulos que son seguidos por legiones de creyentes, perdón, usuarios.

 

Cuando un blog se cierra, cientos se abren

¿Qué cuántos blogs hay en el mundo? Se calcula que cada día pueden abrirse unos 100.000. Y cuidado con los que se cierran porque también contribuyen, en cierta manera, a la fertilidad del sistema. Cabría más bien hablar de abandono de blog o de blog interruptus y no os sorprenda saber que existen buscadores deblogs caput que calibran si tienen valor por el posicionamiento acumulado y hacen con ellos. Pero eso es otra historia y deberá ser contada en otra ocasión. Lo que importa es que, aunque descontemos un tanto por ciento de merma por razones extraoficiales varias, se calcula la existencia de más de 200 millones de blogs. Una cifra que tampoco es para pasmarse si uno tiene en cuenta que contabilizamos alrededor de mil millones de webs en todo el mundo mundial. Cifra que, además, experimenta oscilaciones debidas al “desembarco” de países enteros en la red, como ha sucedido recientemente con la India.

Desde hace tiempo vengo leyendo el informe anual de la analista Mary Meeker, el resumen más influyente del estado de Internet y las tendencias en el mundo de la comunicación. Recomiendo un garbeo por las hipnóticas trescientas cincuenta diapositivas de la edición 2018, repletas de datos y cifras en su mayoría ascendentes. Aunque, si no fuera por la mencionada incorporación masiva de la India y China a internet en el último año, la tendencia sería de decrecimiento en muchos sentidos.

Los blogs se han convertido en una herramienta valiosa para las empresas y pocas son ya las que no los incluyen en sus sitios web. La razón es muy sencilla: el tipo de contenido de un blog suele ser relevante (o al menos es lo deseable), se actualiza con asiduidad, remite y se enlaza con otros… todas ellas prácticas premiadas con un buen posicionamiento. Las páginas web con blog aumentan una media de 400% las páginas indexables para los buscadores. Mil sobre hojuelas para cualquier experto en SEO.

Solo por poner un ejemplo y ponerlo refrescante, ved cómo con un simple blog y utilizando bien sus tags o palabras claves, internet puede ser la clave del éxito para cualquier empresa. Este es el case study de Marcus Sheridan, el empresario que utilizando las palabras “fiberglass pool cost” en una serie de post que explicaban su negocio se colocó a la cabeza de las búsquedas en Google, reflotó la marca y logró que el New York Times lo entrevistaba en su sección de emprendedores.

 

Marcus Sheridan, propietario de River Pools, un rey de las piscinas de fibra de vidrio y un guerrero del marketing.

Los enemigos del comercio y de la mercantilización voraz que invade las redes pueden congraciarse con los blogs en su vertiente más social ya que, en todo el mundo y para toda clase de públicos, muchos profesionales de la enseñanza llevan tiempo usándolos como herramientas de aprendizaje en sus clases. El edublog se sumaba a la ristra de variantes blogueras hacia 2002 y conectaba la educación con internet, la exploraba como recurso, la integraba como aula virtual y, con suerte y en manos de un buen maestro, formaba a futuros brokers de la información o, por lo menos, individuos autónomos no adocenados en la gestión del conocimiento. Aunque ya lo haya advertido el lector, he de apostillar que este último supuesto nos coloca en modo utopía. Apostillado queda.

Blogs enriquecidos y blogs para enriquecerse

Además de su naturaleza multimedia, que permite combinar archivos de texto con archivos de imagen y sonido, otra de las virtudes del blog es la capacidad interactiva que ha ido mejorando sus prestaciones: entradas dotadas con un permalink o url asignada para poder enlazarlas por separado, feeds para el seguimiento de las actualizaciones, blogrolls para controlar las preferencias, blogtracks para detectar las menciones…

Usados de forma individual o en su modalidad colaborativa, casi desde el inicio de su desarrollo, los blogs ya resultaban tan atractivos como jugosos desde el punto de vista económico. No tardó en presentarse la posibilidad de comercialización a través de plataformas como Blogadds en 2002. En menos de un año, de nuevo Google pone manos a la obra en esto de rentabilizar blogs y patenta el sistema Adsense que permite la contratación de publicidad afín.

Dicen los expertos que hoy, gracias a internet, el mercado se ha convertido en una conversación, una conversación entre de millones de interlocutores con trillones de mensajes que van engordando, terabyte tras terabyte, el contenido en las redes. Los blogs vinieron a ser los cuartos de estar o las salas de reuniones que posibilitaron estas conversaciones.

El blog es un transformer que no se detiene ni un momento. Lo mismo se reinventa en microblogs, que limitan a unos pocos caracteres la extensión de cada post y en cuya naturaleza se basó la red social Twitter aparecida en 2006, que cambia de apariencia a través de los videoblogs en los que el autor no postea textos sino videos. Otras variantes que han ido probando la suerte de ser adoptadas por los usuarios son: el openblog, el fotolog, el audioblog y el moblog (desde los teléfonos móviles).

Algunas de las modalidades, como los tumblelog, con su aspecto de libreta de notas o apuntes, sin necesidad de temática concreta, ni menús de edición u opción de comentario parecen ser la antítesis o, mejor dicho, una regresión del mismo blog del que derivan. Hasta 2007, estos híbridos de blog y microblog, definidos por los teóricos como líneas de consciencia online (¡) se indexaban en un sistema, llamado The Tumblelist, ya finiquitado. Pero miles de tumblelog supervivientes resisten en sus plataformas, Tumblr o Soup. Mientras escribía lo anterior he recordado que también tuve un blog en Tumblr pero, por lo que me alcanza la memoria, no llegó a granja en África. A duras penas a trastero olvidado en los suburbios de mi ciudad.

Tal como es capaz de desarrollarse a la contra, el blog también lo ha sido de crecer hacia a fuera del ámbito online, como se vio en 2009, cuando el consultor de comunicaciones Joshua Karp se empeñó en demostrar que la prensa en papel no tenía por qué desaparecer. A lo kamikaze, Karp publicó The Printed Blog un diario gratuito que se distribuyó gratuita y semanalmente en Chicago y San Francisco. Con poco más de cuatro páginas y copiando la compaginación de un blog, el rotativo llegó a acuerdos con unos 300 blogueros para publicar materiales de sus blogs. Pero la aventura recurrió a diversas fórmulas de financiación sin alcanzar el éxito pretendido.

 

Los blogs a la francesa y otras especialidades idiomáticas

Imposible negar, esconder o disimular la impronta estadounidense en la implantación y avances de internet. Pareciera que el resto del planeta se contentase con seguir utilizando palomas mensajeras o correos del zar. Aunque eso no sea así, andamos ya casi al final de este artículo, sin más espacio que estas líneas para hacer constaren acta que, por ejemplo, en los años 70, Francia implantó el sistema Minitel considerado por muchos como la hermana mayor de Internet. Una gran inversión desde el erario que permitía a los usuarios conversaciones grupales, reservar billetes o mirar las cuentas bancarias desde la terminal de sus teléfonos. Internet quebró esa grandeur y el destino no les deparó que un compatriota fuera el primero en publicar blogs online. Pero, hoy por hoy, son uno de los países europeos más adictos a bloguear sus cosas. Llenan antológicos directorios con los blogs de moda inspirados en la capital de la ídem o con los blogs utilizados por los jóvenes que quemaron más de 40.000 coches durante los disturbios de 2005 en la banlieue de París y de otras grandes ciudades francesas.

 

En el ámbito de lo hispano, se llegó al mundo bloguero en los minutos de descuento de siglo XX, pero se llegó. Un par de figuras destacadas, Carlos Tirado y Eduardo Arcos, impulsaron el fenómeno en el mundo hispanoparlante. El primero, mexicano afincado en Carolina del Norte, es el responsable de la Bitácora Tremendo. El segundo, ecuatoriano con residencia en México, creó el primer directorio de blogs, Rinconete.net, la empresa de nanomedios Hipertextual y el blog de tecnología ALT1040.

Yo, que me confieso adicta a la computadora desde el principio de mis tiempos adultos, he navegado principalmente, por gusto y por deformación profesional, por blogs literarios y de humanidades. Por eso, y aunque conozco sus trayectorias, no voy a hablaros de los blogueros españoles más famosos especializados en tecnología y comunicación online como Enrique Dans, Gemma Ferreres, Fernando Polo, Marc Vidal, Dolores Vela o Miguel Florido. Os hablaré de Ramón Buenaventura, un novelista español que llamó mi atención precisamente por eso, por ser un literato que se interesaba por el fenómeno internet y escribía sobre él en los dominicales de la época.

Hoy he vuelto a rastrearle en los buscadores para reencontrarme con su antigua página que bautizó como Librillo. Qué recuerdos. Por aquel entonces yo iba experimentando en Blogia y en La coctelera, ambos sistemas de administración de contenidos (CMS) en habla hispana que ya han pasado a mejor vida. Buenaventura, “afincado” en Blogger desde 2001, fue de los primeros que habló de blogs en España y, posiblemente, también su blog fuera uno de los primeros que se abrió en este país. Sin nostalgias, pero también sin acabar de percibir el tsunami que se avecinaba, vaticinó:

“Estamos ante un nuevo mundo. Pero tampoco conviene asustarse ni llorar por el fin de una época. Ninguna época termina de pronto. Como más arriba dije, pasarán decenios antes de que los cambios ganen un asentamiento mayoritario. Mientras tanto, los creadores irán habituándose a ellos, afinando sus herramientas de creación. Nada malo sucederá. Al contrario. Si tenemos en cuenta que parecidas revoluciones se están incubando o están creciendo ya en otros campos artísticos (la música, el cine, la radio, la televisión, etc.), creo que puede profetizarse, sin mucho riesgo, el advenimiento de una de las edades más creativas de la humanidad.

Puede que hasta los escritores españoles lleguemos a disfrutar de la ciencia. Es mucho imaginar, pero quién sabe.”

Actualmente, sigue escribiendo novelas y hundiendo la tecla como bloguero en su nuevo blog mientras su vieja bitácora adquiere aires de reliquia aunque se pueda rebañar aún en su plato de reflexiones. Reparemos en esta cita que figuraba al frente de la publicación:

«Ojalá dispusiera de frases no conocidas, de expresiones extrañas, en algún nuevo lenguaje jamás empleado antes, libre de repeticiones, de palabras rancias ya desgastadas por los antepasados», dijo Khakheperresenb, escriba egipcio, hace, más o menos, cuatro mil años.

Me agrada y me parece pertinente este recuerdo dedicado a los escribas egipcios. La visión de la escritura jeroglífica en las paredes y tablillas de tan lejana civilización ¿no guarda una semejanza remota con las páginas de código que subyacen tras la interfaz de nuestras pantallas? Y, rizando el rizo de la historia, ¿no serían los blogueros el eslabón perdido en la cadena hacia la descentralización de un poder comunicativo que, desde la antigüedad hasta nuestros días, pasando por el invento de Johannes Gutenberg, había pertenecido solo a unos pocos?

Sin suscriptores, la vida en la blogosfera no prospera

En el País de las Maravillas de los internautas, el otro lado del espejo está ocupado por la gran masa de lectores que en argot bloguero serían los seguidores y su variante más codiciada: los suscriptores. Ellos representan la parte de la potencial demanda que se manifiesta y/o materializa en un prosaico contador de visitas y/o, deseo confeso o no de todo bloguero, en un comentario. A pesar de la tan cacareada interactividad de mundo internet, los blogueros más activos saben muy bien que la fama cuesta y que hay que empezar a pagarla en cada nuevo post. Estando probada la existencia del seguidor incontinente que supera en cada comentario tres veces la extensión del post comentado, no están menos documentados los nutridos grupos de seguidores que se identifican a la perfección con el enano Mudito de Blancanieves.

Para la fidelización de la troupe seguidora, cada plataforma o programa ha desarrollado distintos mecanismos que se conocen como feeds. Es el sistema que nos permite recibir y leer cómodamente los titulares de las actualizaciones de los blogs que seguimos. Muchos lectores de blogs utilizaban Google Reader o FeedDemon para no perderse ningún post de sus blogs favoritos, pero con gran disgusto de sus usuarios ambos dejaron de funcionar a partir del junio del 2013. Es uno de los riesgos de la red: los grifos de información pueden cerrarse súbitamente en cualquier momento por cualquier motivo. Los feeds más populares son RSS y Atom, pero el abanico de lectores es amplísimo y da para escoger: Feedly, Digg Reader, Pulse (W8), AOL Reader, Netvibes, G2Reader, FeedSpot, Good Noows, etc.

Otra forma activa de conseguir seguidores es la redifusión en redes sociales. Para facilitar la acción los gestores de contenido añaden plugins que permiten que se publiquen las actualizaciones de forma inmediata en el estado de Facebook, Twitter, Pinterest, Instagram o cualquiera de las redes sociales a las que conectemos nuestro blog. Como en el amor y la guerra, en los rankings de blogs todo vale, quien tiene un seguidor tiene un tesoro, dime cuántos followers tienes y te diré cuánto vale tu blog y subsiguientes remedos que, aunque paródicos, en el fondo son leyes de la blogosfera. La más útil en cuestión de seguidores: más vale dirección de mail en mano que cien visitas volando, o sea, nada como el formulario online para engordar la lista de correo a la que luego poder enviar nuestros posts.

 

Todo lo que empieza ¿termina?

Este texto, por lo menos, sí. ¿La vida útil de los blogs? Corazón en la mano, no lo sé. No lo sabe nadie. En un momento en que se repite hasta la saciedad que el contenido es el rey sería de suponer que no hay fin cercano. En este mismo momento, el formato super estelar de ese contenido reinante no es textual sino visual. Fotos, gifs y, sobre todo, video, mucho video. El video parece ser nuestro nuevo lenguaje natural. En 2018 ya acapara casi tres cuartas partes de todo el tráfico online y consigue ser compartido un 1200% más que los hipervínculos creados en formato texto. Nicola Mendelsohn, vicepresidente de Facebook Europa, ¿se pasó de frenada al asegurar que en cinco años la red sería video al ciento por ciento? ¿Habrá tenido en cuenta este hombre la brecha tecnológica en el mundo?

Bueno, como soy persona de palabra, en plural y en singular, voy a pensar que seguiremos necesitando textos para un sistema basado en la hipertextualidad o que incluso los videos necesitarán que alguien los escriba primero en forma de idea o guión. Y a lo mejor sucederá como parece que puede suceder con los coches, que nos montaremos las storytellings blogueras en un híbrido de texto e imagen.

Puede que para una conclusión más efectista haya que ponerse un poco apocalíptico con el futuro de los blogs. Por aquello de que si imaginamos lo peor tal vez lo malo que venga nos parecerá solo regular. Pues empiezo sin tardar el epitafio:

¿Os podéis creer que tener un blog personal está pasando de moda? Como lo oís. Un blog, me sabe mal decirlo a estas alturas de artículo, es algo un poco viejuno. Pero lo mismo le pasa a un perfil de Facebook. Ahora la gente está enganchada a YouTube y sus youtubers y a Instagram y sus instagramers… en definitiva, a la nueva tribu dominante de los influencers. Tecno gurús aparte, si tienes más de 30 años y, si y solo si, cuentas con cierto predicamento mediático puede que tengas un blog y puede que te lean. Puede que seas la periodista Elvira Lindo. ¿Elvira Lindo tiene un blog? La periodista Mercedes Milá lo tiene o lo tuvo. El título era Lo que me sale del bolo. Y hablaba de las cosas que sucedían en su programa de TV, Gran Hermano. Big Brother y los blogs, qué gran tema. Aunque ahora no me desviaré, no. Me centro en buscar en Google “blog” a secas. Después de las definiciones de Wikipedia y un puñadito de anuncios patrocinados, el que aparece en primeras posiciones es el blog de Sara Carbonero, periodista deportiva y esposa del jugador de futbol Iker Casillas. Y bellezón mediático, todo hay que decirlo. Con el blog alojado en el portal de la revista de moda ELLE. Eso hay que decirlo también, porque no es blog todo lo que reluce.

Si la búsqueda se realiza en inglés, la situación no cambia demasiado pero el blog más visitado es HuffingtongPost. Desde 2005 surte de noticias en mundo anglohablante, aunque ya existen versiones para Alemania, España, Francia, Italia, Japón y Magreb. Un blog de actualidad internacional que fue comprado por la macro empresa de servicios de internet y medios, AOL. Su liderazgo, no nos engañemos, lo ostenta seguido muy de cerca por grandes Celebrity Gossips Bloggers a poca distancia de los Fashion Bloggers, con los suculentos Food Bloggers pisándoles los talones y los Tech Bloggers yendo a la par con los mejores Travel Bloggers.

Un consejo os doy. De mí para vosotros. Ser bloguero es cansado. Y si no le sacas un partido directo, (es decir, monetario) cansa más. Si tecleas en Google “cómo ganar dinero con un blog” aparecen 12.000.000 millones de resultados solo en castellano.

El blog personal, sin voluntad, sin objetivo concreto o sin financiación, es bastante caducifolio. Pues claro, quién se va a liar a escribir líneas y más líneas cuando, en cuestión de segundos, puedes publicar una foto con el cuello torcido, los morritos hinchados, el culo en pompa (ellas) o la ceja levantada, el pecho palomo y las piernas espatarradas (ellos). Eso tiene mucho likes y mucho down. No obstante, si de verdad lo tuyo es colgar fotos de lo que sea y tienes el don de sabértelo camuflar con una historia que enganche a la gente pues vas e influyes. No debe amilanarte que cada vez esté más complicado despuntar y pertenecer al Olimpo de los social influencer.

Para suerte del resto de los mortales, ser un seguidor y poner likes a mansalva está al alcance de todo poseedor de un smartphone. Ser liker de nacimiento es más sencillo. Solo hay que hacer pesas de índice o pulgar. Ejercitar los dedos. O tener un tic. El tic de dejar que tu ojo piense por ti.

Me iba a despedir hasta el 31 de agosto fecha dedicada, desde el año 2006 y por capricho del bloguero israelí Nir Ofir, a ser Día Internacional del Blog. Él propuso convertir en tradición que los blogueros enviaran cinco invitaciones de cinco blogs de diferentes temáticas a cinco contactos diferentes. Pero la verdad es que el Día del Blog apenas se celebra. Da que pensar.

Pepi Bauló, bloguera a tiempo parcial y/o para La Térmica.

ref.: http://www.latermicamalaga.com/bloguea-algo-queda-historia-los-blogs-alguna-otra-reflexion-pepi-baulo/

Pepi Bauló (Barcelona, 1966). Licenciada en Filología Hispánica por la Universidad Autónoma de Barcelona. En otras vidas, que están en esta, fui filóloga de vocación, investigadora devota de la literatura y el arte de los siglos XVIII, XIX, XX y subsiguientes. Publicista en circos de varias pistas como directora creativa y guionista a sueldo. En la actualidad, junto con los capítulos de mi tesis doctoral, reescribo el guión de mi propia vida como especialista en contenidos y gestora cultural. Vivo la mayor parte de mi tiempo en internet pero cuando salgo a pasear lo hago de verdad y ni estoy ni se me espera.
http://www.pepibaulo.com

 

 

 

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