CULTURA HISPANA

Focos de creatividad, impulso y espíritu universal

Amor de Dios

Juan María Bourio, impulsor de los Estudios Amor de Dios. ELMUNDO.es

Donde Gades encontró a Carmen

La exposición “Bourio y Amor de Dios. Una vida dedicada a la danza” muestra el legado del impulsor del centro donde enseñaron los grandes del baile español

CRISTINA MARINERO Madrid Actualizado: 31/10/2014

Se mantuvieron durante casi cuarenta años en la pequeña calle madrileña esquina a Antón Martín y por ellos pasaron todos los grandes de la danza española. Fueron un foco de arte, donde impartieron clases año tras año personalidades como el gran jotero Pedro Azorín, al maestro José Granero, autor de ‘Medea’ del Ballet Nacional, además de María Magdalena, La Tati, El Güito o José Antonio.

Los Estudios Amor de Dios -denominados así por la calle donde estaban- existieron gracias al tesón y la pasión por la danza de su impulsor, Juan María Martínez de Bourio (1917-2008), quien en paralelo fue administrador de compañías, como la de Luisillo y Teresa, gerente del Ballet Clásico en sus inicios o responsable del Ballet Nacional Festivales de España, quien trabajó con María Callas y trajo por primera vez a España a Maurice Béjart. Su legado, donado a la Comunidad de Madrid en 2002, unos años antes de su muerte, es también parte importante de la historia de la danza española y como tal se atesora en el Archivo autonómico.

Una selección de fotografías, documentos, programas o carteles que recopiló Bourio -como se le conoció entre la profesión- se muestran de nuevo (en 1992, se realizó la primera exposición, con él en vida), y hasta el 8 de diciembre, en la Sala El Águila “ya que se han concluido los trabajos de inventariado y porque es un Fondo único”, asegura Belén Duque, responsable de divulgación de la Subdirección General de Archivos, donde también se cuida el legado de Antonio Ruiz Soler, el gran coreógrafo de ‘El amor brujo’ y ‘El sombrero de tres picos’, estrella de la danza del siglo XX.

Si quieren ver cómo eran estos Estudios Amor de Dios, sólo tienen que visionar los primeros minutos de ‘Carmen’, de Carlos Saura, y fijarse en la clase a la que asisten Antonio Gades y Paco de Lucía, cuando están buscando a la bailarina que encarne a la protagonista. Era el año 1984 y esta película, que fue nominada a los Oscar representando a España, no sólo catapultó nuestra danza, sino que también desveló al mundo la existencia del carismático centro.

En esa secuencia, Antonio Gades y Paco de Lucía observan una clase de la maestra María Magdalena (apodada en su juventud ‘la bailarina de los pies de seda’), todo un emblema de Amor de Dios y de la técnica clásica de nuestra danza, con quien han estudiado varias generaciones de artistas. Bourio y ella recibieron en 1993 la Medalla de Plata a las Bellas Artes, honor que la entonces ministra de cultura, Carmen Alborch, les otorgó, mientras a la vuelta de la esquina se preparaba la desaparición de los estudios: los dueños del inmueble iban a venderlo, el fin era imparable.

La danza, el germen de su infancia

Saura no tuvo que hacer una localización especial para la película, ya que era allí donde ensayaba Gades -de hecho, fue en ‘Amor de Dios’ donde inició el Ballet Nacional Español, ya que no tenían sede- o iba a tomar clase Laura del Sol, como antes y después pasaron emblemáticos como Carmen Amaya, Luisillo, Rafael de Córdova, Nana Lorca, José Antonio, Joaquín Cortés, María Pagés, Antonio Canales y un largo etcétera de artistas del amplio espectro del baile español, en todas sus ricas formas y de varias generaciones.

Desde su inauguración en 1957, también empezaron a llegar las primeras japonesas ávidas por empaparse de arte español, como Flor de Loto, una de las más asiduas, o entusiastas ingleses, alemanes y norteamericanos, así como otros iniciados en la nuestra danza, llegados desde todos los rincones del mundo. Nombres como la también fotógrafa Elke Stolzenberg, una de las primeras alemanas en estudiar aquí flamenco, o el guitarrista Pollito de California, son también parte de su historia.

En la exposición se hace un rápido recorrido por la figura de Juan María Bourio, “se sigue su vida desde que era niño, al que su padre llevaba a ver espectáculos de danza, hasta fundó los estudios”, señala Duque. Para ello, puso en funcionamiento un novedoso método para aquel momento: eran los maestros los que alquilaban las aulas por horas, él les cobraba una cantidad ajustada para cubrir su mantenimiento, y los alumnos pagaban directamente a cada uno de los docentes.

Merece la pena acercarse y saber un poco más de este militar reconvertido en agente de espectáculos, administrador de compañías de danza y alma de este foco de baile español, donde también el ballet clásico y la danza contemporánea tuvieron su sitio. Bourio fue, de alguna manera, uno de esos personajes ‘a lo Diaghilev’, respaldando con su gestión el talento de los artistas.

Hoy, el espíritu de los Estudios Amor de Dios continúa cruzando la calle Atocha y subiendo al primer piso del Mercado de Antón Martín. Allí, Joaquín San Juan dirige el centro que heredó el espiritual nombre, con veteranos como El Güito o La Tati, y nuevos maestros, como Antonio Reyes, primo de Joaquín Cortés, que mantienen viva la llama encendida por Bourio hace más de medio siglo.Se mantuvieron durante casi cuarenta años en la pequeña calle madrileña esquina a Antón Martín y por ellos pasaron todos los grandes de la danza española. Fueron un foco de arte, d

Source: www.elmundo.es

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Israel Galván

Entrevista con Israel Galván, bailaor de flamenco

Entrevista con Israel Galván, bailaor de flamenco

Torobaka es algo más que un espectáculo. Torobaka es el novedoso y nunca visto lenguaje dancístico creado con la unión del flamenco y de la danza del norte de India, llamada kathak. “Es una explosión rítmica y de gestos al mismo tiempo” explica el bailaor sevillano Israel Galván sobre esta producción que llegará a Sadler’s Wells’ Theatre el próximo mes de noviembre. Galván, realiza su primer dueto con el bailarín británico Akram Khan, con el que “me quedé impresionado, porque parecía un bailaor de flamenco antiguo, como sacado de una máquina del tiempo’, explica el sevillano. Partiendo de dos tradiciones musicales llenas de rítmica, Khan y Galván, optan por trabajar con sonidos primitivos para hacer ver al público las similitudes entre el kathak y flamenco.

Dando más peso a la simbología del espectáculo, Torobaka hace referencia a los animales sagrados de ambas culturas, (representando su unión en el escenario), así como al poema dadaísta del artista Tristan Tzara.

Aunque sus primeras sensaciones ante esta idea dancística fueron de “combate y miedo, luego pensé que era una oportunidad de trabajar con un gran bailarín y aprender cosas nuevas”, según confiesa Galván quien comparte con El Ibérico las vivencias que le brinda Torobaka.

Cuéntanos Galván, ¿cómo fue el proceso de creación de este espectáculo? ¿Desde qué elementos culturales se partió para buscar la inspiración dancística o coreográfica?

En la primera fase, Akram me enseñó pasos de kathak y yo le enseñé a Akram movimientos de distintos bailaores flamencos clásicos. Después nos reunimos esporádicamente y acordamos que la idea no era hacer un combate sino una obra en la que se respirara baile, donde pudiéramos disfrutar juntos, y en la que tanto el flamenco como el kathak debían salir de nosotros mismos; no hacía falta recurrir a los tópicos.

¿Cómo definirías Torobaka? 

Lo definiría como una explosión rítmica y de gestos al mismo tiempo. Como la unión de dos danzas que al juntarse crean un idioma nuevo.

¿Qué similitudes y/o diferencias hay entre el flamenco y el kathak?

La intuición me dice que el flamenco, los gitanos, tienen muchas similitudes con el kathak, no sé a ciencia cierta qué relación hay. La coordinación de los movimientos en el juego de brazos, el contacto con el suelo, los giros. Hay climas musicales muy parecidos, coinciden también algunos ritmos. Por otro lado, el flamenco es más violento, te dejas tu vida cuando bailas, es casi una pelea con el público. Mientras que en kathak, la danza y la música se presentan como un regalo al público, es menos agresivo. Y es más científico en cuanto a los ritmos, hay infinidad de ellos. El flamenco es más libre y más inquieto. El kathak permanece más estable, los registros son siempre los mismos.

Tú que lo has sentido y bailado, ¿qué es para ti el Kathak?

No me siento un bailarín de kathak desde luego, aunque si he bailado sus ritmos, su música, su clima, y algunos pasos básicos que me ha enseñado Akram. Yo lo he sentido como si fuese un veneno medicinal, o como un niño con un juguete nuevo. Creo que he tenido suerte de que el kathak no se haya desvirtuado.

Tras el acercamiento a la cultura de Khan, ¿qué detalle especial te va a hacer bailar diferente desde ahora?

Siempre tendré a Akram Khan conmigo, como un arañazo en el cuerpo, como otros de los maestros que me acompañan. Con Akram también he aprendido a bailar con otras personas, he roto el hielo en este sentido, yo que antes solo había bailado con objetos.

Eres conocido e identificado como uno de los bailaores a la cabeza de la contemporaneidad flamenca y el baile libre; ¿qué te llevó a  romper los moldes y a buscar un camino diferente?

Bailo desde muy pequeño, y pasé por compañías de baile, con una estética determinada. Luego bailé para ganar concursos, bailaba lo que el jurado quería ver. Cuando me dieron la oportunidad de hacer algo propio, no quería pensar si tenía que bailar mal o bien, solo quería disfrutar del baile, sin que nadie me juzgara. Así que hago lo que hago por necesidad y por supervivencia.

¿Sientes por parte del gremio de bailaores flamencos cierta reticencia hacia tu visión dancística? ¿Qué le dirías a aquellos que no ven con buenos ojos ese flamenco que tú creas, que mira al futuro?

En el entorno flamenco hay todo tipo de personalidades. Habrá algunos que les guste lo que hago, otros que no; unos que piensen que no soy flamenco. Yo abro los ojos para todo el mundo, no cierro las puertas a ningún estilo de baile. Cada bailaor o bailaora tiene su estilo. El flamenco por su naturaleza siempre ha estado reinventándose. No me importa mucho si me miran o no con buenos ojos. Cada uno vive como quiere.

Tras haber producido tus propios espectáculos calificados por la crítica especializada de “genialidad” y haber ganado galardones como Bessie Award de New York o el Premio Nacional de Danza 2005… ¿Cómo te hacen sentir todos estos reconocimientos internacionales?

La verdad es que nunca pensé en llegar lejos bailando. Mi cuerpo y mi mente están en constante cambio y tengo mis energías puestas en el baile. Los premios los celebro más que nada por mi familia, que se alegra, pero sé que el premio te puede quitar fuerza y añadir presión, así que las críticas, tanto buenas como malas, las miro de reojo.

Una pregunta que no debe faltar… ¿Tú también sientes que nadie es profeta en su tierra?

Todavía no he ido a bailar a muchas ciudades de España. Los flamencos y los artistas españoles en general tienen que irse fuera a menudo para poder vivir de su arte, así que más bien parece que en España ahora mismo no hay muchos profetas.

Desde junio de 2012 eres el primer artista español asociado del Théatre de la Ville de París, uno de los templos internacionales de la danza contemporánea. ¿Cómo tomas esta decisión y por qué París?

Hace años que trabajo con el Théâtre de la Ville, ellos han confiado en mí y han apoyado mis trabajos. Es una relación que se va creando con el tiempo. Me siento muy cómodo bailando en Francia, allí he podido sentir el silencio bailando, y creo que no molesto cuando bailo.

Y, tras Torobaka, ¿ya tiene pensado el próximo proyecto en el que te vas a embarcar?

Acabo de presentar un nuevo proyecto, titulado FLA.CO.MEN, que es más un concierto. Con Torokaba se han despertado en mí las ganas de bailar con otras personas y compartir. A partir de ahora bailaré menos.

UK Premiere
Sadler’s Wells
Lunes 3 – Sábado 8 Noviembre 2014
Show a las 7.30pm (excepto el Jueves)
Entradas: £12 – £38
Ticket Office: 0844 412 4300 or www.sadlerswells.com

El Ibérico Torobaka es el espectáculo de danza del bailaor sevillano,Israel Galván, junto al británico Akram Khan, que llegará a Sadler’s Wells’ Theatre en noviembre.

Source: www.eliberico.com

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Miguel Poveda

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Alumbrando: Miguel Poveda

Escrito por: Caty León Publicado en: FlamenCult

Hay un enclave español en el que el flamenco se escribe con mayúsculas. Cuando llega el mes de agosto el aire se torna denso, especial, inenarrable. Las plazas y las calles se dirigen todas al mismo objetivo. El sueño desaparece y es reemplazado por un duermevela constante en el que irrumpen de improviso los sonidos del pasado. Es La Unión. Y es el tiempo del Cante de las Minas.

Fue el polifacético y genial Juanito Valderrama el que vislumbró el secreto que haría grande a esta tierra. El que entendió que, precisamente en sus raíces, estaba la posibilidad de construir su mejor arquitectura. El Cante de las Minas es la copla del trasiego de los arrieros de un lado a otro de la geografía española, de Linares a La Carolina. De Murcia a Mazarrón. De la Unión a Almería. De Concha la Peñaranda a El Rojo el Alpargatero. De La Trini a Pencho Cros. El Cante de las Minas es, en realidad, una gavilla de cantes que se bifurcan y se relacionan entre sí de una manera neutral, sin supremacía alguna.

En ese universo mítico, Miguel Poveda se alzó como gran revelación el agosto de 1993. El año anterior la Lámpara Minera había sido para Jesús Heredia, dignísimo representante de la escuela mairenista, pero ese 1993 se abrió un tiempo nuevo y, como suele suceder cuando es un joven de veinte años el que gana un concurso, las cosas ya nunca fueron igual para el artista. Desde las peñas de la provincia de Barcelona, en las que andaba cantando a partir de que cumplió los quince años, hasta el gran salto de la Lámpara Minera en la catedral del cante, el precioso y complejo edificio del Mercado Modernista de La Unión, una larga andadura tuvo su principio y su continuación. Una andadura fértil, como sabemos.poveda1

Miguel Poveda supo aprovechar ese triunfo. Esto es algo que debe apuntarse en su haber y que no siempre es colofón seguro a un logro. Los flamencos son bastante anárquicos y tienen poca fe en la planificación, en el marketing o en la publicidad. A veces eligen mal a sus representantes o se rodean de personas escasamente profesionales o no encarrilan sus pasos como deben. Grandes voces se han perdido en ese camino azaroso de sobrevivir a un gran éxito. En este sentido, a mí siempre me ha parecido que la trayectoria de Miguel Poveda es absolutamente paralela a la del gran Caracol. Los dos entendieron que ser profesional era algo ineludible después de alcanzar el primer triunfo y los dos supieron dirigir sus carreras al punto exacto. Salvando las distancias de época y de modas, ambos probaron otras esencias y las volcaron en el gran crisol que es el flamenco. Copla, cante con orquesta, actuaciones en grandes escenarios ajenos al propio cante, colaboraciones con artistas de distintos géneros. Los dos representan la supervivencia del flamenco en medio de las otras músicas, demostrando así que él mismo también es música, que se codea con ellas de tú a tú y que, como música, es moderna, es emergente, es clásica y es siempre nueva.

La luz de Poveda, sin embargo, no nace de la propia vida, no se enciende desde la cuna. Caracol formaba parte, pertenecía, a la mayor y mejor saga de artistas que ha dado la historia de las artes. Artistas del baile, del cante, de la guitarra, del toreo, de la poesía. Una saga que parte de muy atrás y que sigue dando sus frutos. En cambio, Poveda es un outsider, un extranjero, un hombre sin nombre, sin precedentes, un hombre solo. En su casa no existían más antecedentes artísticos que el gusto de su madre por la copla. Su formación no se realiza en un hogar flamenco al uso, sino que tira de todos los recursos en su mano. Las grabaciones, sobre todo, en una suerte de aprendizaje que abre una puerta nueva y diferente a todos aquellos que tienen el talento escondido.

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En el panorama flamenco actual Poveda representa la esperanza. Alumbra con sus logros. Recrea con su voz el tiempo viejo y el nuevo. Se atreve con lo más clásico de un arte clásico y se enreda en la copla, como gran aliada del cante, como género hermano, como forma de expresar sentimientos a modo de gran historia cantada. Todos los grandes del flamenco se acercaron a la copla con reverencia y admiraron las maravillosas letras de quienes, grandes poetas, escribieron para las estrellas del género. Esa simbiosis es en Poveda un paisaje natural, no un artificio. Es una isla a la que arriba desde el océano del cante más hondo. Primero, conocimiento. Después, creación. Talento, condiciones, estudio, trabajo, sensibilidad y una línea inteligente en su carrera son las condiciones que hacen de Miguel Poveda una lámpara que nos alumbra.

Copyright del artículo © Catalina León Benitez. Reservados todos los derechos. Copyright de las imágenes (Fotos: Jorge Martín) © MPoveda Producciones, Universal Music Spain. Reservados todos los derechos.

Caty León

Gaditana de nacimiento y crianza; trianera de vocación. Lectora y cinéfila. Me dedico profesionalmente a la educación. Soy profesora de Geografía e Historia, especialista en Arte, y de Orientación Educativa. He ejercido diversos cargos y puestos, desde asesora de formación a directora de instituto. Como experta en organización escolar he publicado los libros La secretaría. Organización y funcionamiento y El centro educativo. Función directiva y áreas de trabajo, además de artículos en prensa (ABC: 1, 2, 3, 4) y revistas especializadas, así como ponencias en cursos y jornadas dirigidas al profesorado y los directivos de centros. En noviembre de 2009 fui galardonada por la Consejería de Educación con la medalla de oro al Mérito Educativo en Andalucía.

Mi segunda gran parcela de ocupación es el flamenco. En este sentido he publicado decenas de artículos en revistas como Sevilla Flamenca, El Olivo, Alboreá y Litoral, sobre el flamenco y las artes plásticas, la mujer y el flamenco, entre otras temáticas, así como varios libros, entre los que destacaría la primera incursión en la enseñanza escolar del flamenco, Didáctica del Flamenco, mi libro sobre El Flamenco en Cádiz y el ensayo biográfico Manolo Caracol. Cante y pasión (ver reseña en ABC), así como mi investigación sobre la Noticia histórica del flamenco en Triana. Conferencias, jornadas, jurados, cursos de formación, completan mi dedicación al flamenco. Por último, la literatura es mi territorio menos público pero más sentido. Relatos, cuentos, poemas y una novela inédita Un corazón a la deriva. En mi blog Una isla de papel hay un poco de todo esto.

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Source: www.thecult.es

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Flamenco en Rusia

Presentado oficialmente el festival flamenco en San Petersburgo

San Petersburgo, 15 oct (Nóvosti).

Este martes fue presentada oficialmente en San Petersburgo la segunda edición del Festival Flamenco en Rusia-San Petersburgo 2014, en el que intervienen Belén Maya, Sara Calero, Leonor Leal y el pintor Patricio Hidalgo.

En el Centro de lengua española Adelante, el Cónsul General de España Juan Antonio Martínez recalcó la importancia del acercamiento entre Rusia y España, que se produce principalmente a través del idioma y la cultura.
Por su parte, la bailaora Belén Maya –una de las principales representantes de la danza flamenca en el mundo–subrayó la forma especial de sentir el arte y la danza en Rusia: “Imparto masterclass en todo el mundo, pero en Rusia hay una energía muy especial que a mí me gusta mucho”, ha declarado la artista.

Marina Korobko, directora del Centro de danza El Dorad@, la academia más importante de la ciudad y una de las principales de Rusia, ha señalado que están viniendo alumnos de otras ciudades de la Federación para participar en los talleres del festival y asistir a las actuaciones y que gracias a este acontecimiento “San Petersburgo se está convirtiendo en el centro del flamenco en Rusia”.

El director artístico del Festival, Manuel Moraga, ha querido subrayar también la  apuesta de traer a San Petersburgo no solo el baile flamenco, sino también el ballet clásico español, ya que “la bailarina Sara Calero, que durante varios años ha sido miembro del Ballet Nacional de España, hace una maravillosa fusión de danza flamenca y ballet clásico español: un regalo para la capital mundial de la danza clásica”.

El Festival Flamenco en San Petersburgo es iniciativa de la productora española Endirecto FT y la Asociación Flamenco en el Mundo, a quienes se unen como productores rusos el centro de lengua Adelante, el centro de danza El dorad@ y el bufete de abogados Intelligence.
Este acontecimiento, que cumple su segundo año en Rusia (la primera edición fue en Moscú), está apoyado por las principales administraciones españolas: Ministerio de Cultura, Embajada, Instituto Andaluz del Flamenco e Instituto Cervantes de Moscú.

Source: sp.ria.ru

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Paco de Lucía

Poseídos por el espíritu de Paco

Difícil describir con palabras lo vivido ayer en el Teatro Campos de Bilbao. Fue un homenaje como Dios se merece, y no la chapuza que hicieron en La Bienal. Paco se merecía más. La emoción se podía palpar desde el día anterior; en los ensayos, en los camerinos, el espíritu del genio merodeaba la capital vizcaína. Se podía sentir.

En los camerinos sólo se escuchaba la frase “por Paco” y efectivamente cuando echó a rodar el homenaje todos percibimos su espíritu sobre el escenario. Su música nos embriagó, nos colmó de felicidad y nos hizo revivir. Fue genial juntar a la mayoría de sus 12 apóstoles para rendir pleitesía a un ser humano excepcional, como así lo definen quienes lo conocieron personalmente. Parte de su familia se encontraba entre el público, que llenó el taetro al completo.

Con todo dispuesto se abrió el telón para mostrar una guitarra sobre una silla de anea, la del maestro, claro. Joaquín Grilo bailó su música, la del último legado que nos dejó: Canción andaluza. Sentido. Después llegaría la rondeña del Niño Josele con el posterior mano a mano entre Rubem Dantas y Piraña por bulerías con la guitarra del almeriense, estilos diferentes, sonidos diferentes pero ambos recorrieron juntos las grutas de Paco. Siguió Josemi Carmona por granaínas y Diego del Morao por seguiriyas y bulerías, ritmo y compás en estado puro. Remató la primera parte un invitado de excepción, Pepe Habichuela, por soleá, su toque bandera. El teatro en pie y todavía faltaba por llegar la traca final.

En la segunda parte todos estuvieron sobre el escenario. Todos se inspiraron para hacer grande la obra de Paco, daba igual que apenas hubieran podido ensayar, la música del maestro corre por  el sentido de sus músicos, y si además el director de orquesta es Jorge Pardo el éxito era una premisa. Impresionantes las improvisaciones, los mano a mano entre homólogos de los dos sextetos, entre Jorge con su saxo y Antonio Serrano con su armónica, entre Benavent y Alain Pérez con el bajo, Damtas y Piraña con el cajón y Diego del Morao, Josemi Carmona y Niño Josele con la sonanta. Impresionante la seguiriya del maestro Habichuela, los tangos “sólo quiero caminar” en la voz de Duquende, impresionante el Ziryab. Sencillamente mágico. El espíritu de Paco había poseído a sus músicos. No podía faltar un bis, y ahí que volvieron ante la insistencia de un publico que no dejaba de aplaudir y jalear. Una rumba y todo el mundo saciado y emocionado. Esto era lo mínimo que se merecía el genio, aprendan señores del sur. Sin duda un 10 para el Festival Bilbao Flamenco con Jose Luis, Nora y Gorka al timón.

Tags: bilbao flamenco, flamenco, homenaje, Paco de Lucía

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Source: cronicasflamencas.com

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Crítica Bienal

Mejores espectáculos Bienal 2014

En esta entrada he reunido los mejores espectáculos de la Bienal de Flamenco 2014 según los comentarios de la crítica especializada. Aunque han sido muchos los artistas destacados en esta edición de la Bienal, he incluido dos por categoría: cante, baile y guitarra. Para ilustrar los comentarios de la crítica he incluido los vídeos resumen de sus actuaciones.

BAILE
Sin duda dos sevillanos, un hombre y una mujer, han sido los bailaores mejor parados de esta Bienal: ISABEL BAYÓN con su espectáculo Caprichos del tiempo, y FARRUQUITO, que trajo al Maestranza Pinacendá, un viaje por Andalucía desde la perspectiva del flamenco gitano.

La crítica de danza del Diario de Sevilla, Rosalía Gómez, dijo en su crónica sobre el espectáculo de Isabel Bayón que “se puede sentir el flamenco y bailar de muchas formas, pero mejor de lo que lo hizo anoche la sevillana parece imposible

Por su parte, el reputado crítico flamenco Manuel Martín Martín tituló su reseña sobre Farruquito “El baile que esclaviza el alma

CANTE

El gran triunfador en la faceta de cante, y quizás de la Bienal completa, ha sido el artista lebrijano JOSÉ VALENCIA, que ya ganara el Giraldillo del Cante en la pasada Bienal y que en esta edición ha grabado su actuación para publicar su nuevo álbum, “Directo“. El historiador y crítico Juan Vergillos, de Diario de Sevilla, otorgó cinco estrellas a su recital, asegurando que “de un artista grande ha nacido un cantaor descomunal“.

De esta manera tan curiosa promocionó Valencia su espectáculo:

El otro espectáculo de cante que más ha alabado la prensa consistió en un mano a mano entre los jóvenes cantaores ANTONIO REYES y JESÚS MÉNDEZ, que se consagraron en Sevilla con dos estilos muy diferentes. El crítico de ABC, Alberto García Reyes, aseguraba en su página que “no sabía si le quedaban olés“.

TOQUE

La guitarra siempre es la disciplina más difícil para el gran público, pero en esta Bienal 2014 dos guitarristas, uno como gran figura, y otro como genio renovador, han conseguido que los medios los colmen de halagos: hablamos de Tomatito y Dani de Morón.

Después de ver el concierto de Tomatito, el seguidísimo crítico Manuel Bohorquez sentenció que “la Bienal debería ser más tomatera

Por su parte, también en el Correo de Andalucía, el periodista cultural Alejandro Luque cerró su crónica del recital de Dani de Morón asegurando que el joven guitarrista “nos tiene reservadas muchas y largas horas de felicidad“.

Source: microytecla.com

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Social Media

¿Qué pueden aportar las redes sociales al mundo del flamenco?

SOCIAL MEDIA POR ÁNGELA MORÓN

Cuando me invitaron a participar en la mesa redonda “Flamenco 2.0: Arte Jondo, Blogueros y Redes Sociales” organizada por la Bienal de Flamenco de Sevilla y la Universidad Internacional Menéndez Pelayo, me pregunté: “¿qué puedo decir yo de redes sociales y flamenco si nunca he trabajado en esa disciplina artística?” Así que utilizando las redes sociales, lancé un debate en mi muro de Facebook entre amigos amantes del flamenco sobre qué podían aportar las RRSS al mundo del flamenco, y éstas fueron algunas de sus respuestas:

• dinamismo
• participación (horizontal)
• inmediatez
• cercanía (acercamiento del artista)
• difusión
• conocimiento

Ante estas respuestas me di cuenta de que las necesidades comunicativas del flamenco no distan mucho de otros mundos. Tanto culturales, como empresariales. Son los mismos problemas y las mismas soluciones. Veamos dos ejemplos:
Cuando yo empecé a trabajar con Twitter en 2010 advertí que yo me enteraba de todos los eventos culturales de la ciudad donde vivía, Sevilla, porque escribía en la revista cultural LaTeatral y me enviaban emails informándome, pero no había ni un solo sitio en Internet que aglutinara todo lo que se podía ver en la ciudad. Me refiero un sitio colaborativo donde todo aquel que quiera pueda informar de un evento. Y entonces hablé con varios teatros e instituciones de la ciudad y les propuse que usáramos una etiqueta en Twitter para informar de lo que hacían. Esa etiqueta fue #culturaSEV, y de manera espontánea se unió mucha gente, tanta que en en su primer año acumuló 45.000 tuits.
#Culturasev fue un simple hashtag que cubrió un vacío: una necesidad de información y de darse a conocer. Aportó inmediatez y difusión, y participación de manera totalmente horizontal. Cada bloguero, cada usuario, difunde lo que quiere. No es mi hashtag, no es mi contenido filtrado. Es de todos.

Poco después, en 2012, asumí la tarea de lanzar las redes sociales del Ayuntamiento de Sevilla. En ese caso no bastaba con informar vía Twitter de los eventos culturales; al ser una entidad organizadora teníamos que ofrecer más conocimiento a nuestra comunidad, un plus, lo que se llama contenido de valor: una media de tres textos diarios en la web icas-sevilla.org, cobertura de actos en directo, fotografías de calidad en Instagram… Las redes crecieron muy rápido y recibíamos una media de 100 interacciones diarias. La gente compartía los contenidos, de manera que estos tenían una mayor difusión. Por supuesto, también recibíamos muchas críticas o preguntas, y teníamos que contestar, ofreciendo “un servicio de atención al usuario”, en este caso vía Twitter. De nuevo inmediatez.

Son dos ejemplos del mundo de la cultura que son perfectamente aplicables al flamenco. ¿Cómo aplicarlos? Lo primero: para las instituciones, artistas, compañías, empresas y salas…: La comunicación social ó 2.0 requiere de una cultura (organizativa) 2.0, no se trata de aplicar una serie de herramientas y softwares y esperar a que éstos generen un cambio en la organización. Implica una serie de cambios profundos en la filosofía de una entidad.
Alejandro Formanchuk, en su libro “Comunicación interna 2.0: un desafío cultural”, nombra los siguientes:

• Uso compartido de la información
• Respeto y reducción del ego
• Desintermediación y horizontalidad
• Usabilidad y competencias técnicas
• Reducción de control

Después de asumir este cambio de filosofía, ¿qué deben hacer los agentes flamencos para conseguir una gestión eficaz de sus redes sociales, y cumplir cada una de las demandas que solicitaban mis amigos?. Veámoslas una a una:

PROPUESTAS PARA UNA COMUNICACIÓN 2.0 MUY FLAMENCA
PARTICIPACIÓN Para eso hay que romper con el discurso unidireccional. Si solo el crítico o el artista habla y el resto se limita a retuitear, sin sentirse participe del todo, eso no es conversación. Hay que promover y facilitar que generen, enriquezcan, divulguen, discutan y reformulen contenidos.

CERCANÍA, ACCESIBILIDAD
Muchos artistas no creen que el flamenco tenga que ir a la gente, sino la gente al flamenco. Y así las redes no sirven de nada. Hay que crear oportunidades para ser encontrado. Un artista universal requiere canales sociales en distintos idiomas y un servicio profesional de comunicación y redes sociales.

RESPUESTA, SERVICIO DE ATENCIÓN AL USUARIO
Hay que asumir la responsabilidad de responder a lo que dicen los seguidores y, lo mas importante, hacer algo con eso que se escucha en redes sociales.

INMEDIATEZ, DINAMISMO
Se necesitan instituciones y personas que cuenten el día a día, que rompan la barrera artista/persona.

DIFUSIÓN, CONOCIMIENTO
Para eso hay que quitarse los complejos, y también el orgullo, y empezar a hablar del flamenco con normalidad. Decía Juan Luis Cano en su intervención en la jornada: “Canto fatal flamenco, y, sin embargo, canto siempre que me lo piden, para darle difusión y normalizarlo”.

Los flamencólogos tienen que hacerse entender, educar. Los artistas no pueden conformarse con publicar los horarios de una función. Eso ya no sirve ni siquiera para que vaya más gente a la función. Hay que dar contenido exclusivo por los canales sociales, premiar y favorecer a los seguidores más fieles. Me consta que ya hay gente que lo hace muy bien. Seguidlos e imitadlos: Los periodistas Manuel Bohórquez, con sus ‘Coplas flamencas en la Red’; Silvia Cruz, con el blog ‘De cal y canto’; Juan Vergillos y sus ‘Vaivenes flamencos’ o Sara Arguijo y Córdoba flamenca; instituciones como La Bienal de Flamenco; y artistas como Israel Galván, Miguel Poveda, Argentina o José Valencia.

El flamenco tiene un potencial enorme para generar contenido de valor: fotografías, vídeos, podcasts maravillosos de actuaciones, vestuario, atrezzo, testimonios, anecdotario, clases magistrales, video-chats con los artistas, archivos históricos… etcétera.

INNOVACIÓN
Esta demanda no apareció en mi muro de Facebook, pero la añado porque como vemos cada día en El Cuartel, con variopintos clientes, “el Social Media es movimiento” y como tal no puede responder a fórmulas magistrales. La creatividad, la frescura, el ingenio, marcarán la diferencia.

Propuestas para que artistas e instituciones del flamenco hagan una comunicación 2.0 efectiva

Source: www.hazelblogynolaguerra.es

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